Si vous avez une relation toxique avec votre proche. Relations toxiques : qui les crée, comment les "guérir" ? Qui sont ces gens? Et pourquoi apparaissent-ils dans ta vie
Ivan Aivazovsky. Aul Gunib au Daghestan.
Vue du côté est.
1867. Huile sur toile.
En 1868, Aivazovsky entreprit un voyage dans le Caucase. Il a peint les contreforts du Caucase avec une chaîne de perles de montagnes enneigées à l'horizon, des panoramas de chaînes de montagnes s'étendant au loin comme des vagues pétrifiées, les gorges de Darial et le village de Gunib, perdu parmi les montagnes rocheuses, le dernier nid de Shamil . En Arménie, il peint le lac Sevan et la vallée de l'Ararat. Il a créé plusieurs belles peintures représentant les montagnes du Caucase depuis la côte orientale de la mer Noire.
Ivan Aivazovsky et Ilya Repine. Pouchkine au bord de la mer
(L'adieu de Pouchkine à la mer Noire).
1887. Huile sur toile.
Musée central Pouchkine. Pouchkine, Russie.
D'une série de grands maîtres du pinceau, un maître est apparu qui a consacré tout son talent à "l'élément libre", comme Pouchkine a surnommé la mer, et en est devenu le chanteur dévoué. Ce maître était Ivan Aivazovsky.
Lors de l'une des expositions académiques de Saint-Pétersbourg (1836), deux artistes se sont rencontrés - un artiste au stylo et un artiste au pinceau. La connaissance d'Alexander Sergeevich Pushkin a laissé une impression indélébile sur le jeune Aivazovsky. "Depuis lors, le poète que j'aimais déjà est devenu le sujet de mes pensées, de mon inspiration et de longues conversations et histoires à son sujet", se souvient l'artiste. Pouchkine a parlé avec une grande approbation du travail d'un étudiant talentueux de l'Académie des Arts.
Aivazovsky a vénéré toute sa vie le talent du plus grand poète russe, lui consacrant plus tard (vers 1880) tout un cycle de peintures. En eux, il a combiné la poésie de la mer avec l'image du poète.
Le tableau Adieu à la mer Noire d'A.S. Pouchkine a été créé l'année du cinquantième anniversaire de la mort d'A.S. Pouchkine. Aivazovsky a travaillé sur cette image en collaboration avec Ilya Efimovich Repin. Repine a peint la figure de Pouchkine sur cette image, Aivazovsky a peint le fond du paysage. C'est l'une des meilleures peintures sur le thème de Pouchkine.
La même année, un autre tableau de Pouchkine a été peint sur la côte de la mer Noire. Plus tard, en 1899, Aivazovsky a peint une image de Pouchkine en Crimée près des rochers de Gurzuf.
Ivan Aivazovsky. Pouchkine sur la côte de la mer Noire.
1887. Huile sur toile.
Musée d'art Nikolaïev
eux. V. Vereshchagin, Russie.
Lors de l'une des expositions académiques de Saint-Pétersbourg (1836), deux artistes se sont rencontrés - un artiste au stylo et un artiste au pinceau. La connaissance d'Alexander Sergeevich Pushkin a laissé une impression indélébile sur le jeune Aivazovsky. "Depuis lors, le poète que j'aimais déjà est devenu le sujet de mes pensées, de mon inspiration et de longues conversations et histoires à son sujet", se souvient l'artiste. Pouchkine a parlé avec une grande approbation du travail d'un étudiant talentueux de l'Académie des Arts.
Aivazovsky a vénéré toute sa vie le talent du plus grand poète russe, lui consacrant plus tard (vers 1880) tout un cycle de peintures. En eux, il a combiné la poésie de la mer avec l'image du poète. Le tableau Pouchkine sur la mer Noire a été créé l'année du cinquantième anniversaire de la mort d'A.S. Pouchkine. La même année, une autre a été écrite - l'une des meilleures peintures sur le thème de Pouchkine - A.S. Pushkin's Adieu à la mer Noire, sur laquelle I.K. Aivazovsky a travaillé en collaboration avec I.E. Repin. (Repin a peint la figure de Pouchkine sur cette image, Aivazovsky a peint le fond du paysage).
Plus tard, en 1899, Aivazovsky a peint une image de Pouchkine en Crimée près des rochers de Gurzuf.
Ivan Aivazovsky. Pouchkine en Crimée près des rochers de Gurzuf.
1899. Huile sur toile.
Musée d'art d'Odessa, Odessa, Ukraine.
Aivazovsky avait son propre système établi de travail créatif. "Un peintre qui ne fait que copier la nature", dit-il, "devient son esclave... Les mouvements des éléments vivants sont insaisissables pour le pinceau : écrire un éclair, un coup de vent, une éclaboussure de vague est impensable de la nature.. Un artiste doit les mémoriser... L'intrigue des tableaux se forme dans ma mémoire, comme chez le poète ; après avoir fait un croquis sur une feuille de papier, je me mets au travail et jusque-là je ne quitte pas la toile jusqu'à ce que je m'exprimer dessus avec un pinceau..."
La comparaison des méthodes de travail de l'artiste et du poète n'est pas fortuite ici. La poésie de A.S. Pouchkine a eu une grande influence sur la formation de l'œuvre d'Aivazovsky, c'est pourquoi les strophes de Pouchkine apparaissent souvent dans notre mémoire avant les peintures d'Aivazovsky. L'imagination créatrice d'Aivazovsky en cours de travail n'était contrainte par rien. Pour créer ses œuvres, il ne s'est appuyé que sur sa mémoire visuelle et son imagination poétique vraiment extraordinaires.
Aivazovsky a vénéré toute sa vie le talent du plus grand poète russe, lui consacrant plus tard (vers 1880) tout un cycle de peintures. L'image de Pouchkine en Crimée près des rochers de Gurzuf a été peinte en 1899, et avant cela, en 1887, l'année du cinquantième anniversaire de la mort d'A. S. Pouchkine, deux magnifiques peintures de Pouchkine sur la côte de la mer Noire et A. S. Pouchkine Adieu ont été créés avec la mer Noire.
Ivan Aivazovsky. Arc-en-ciel.
1873. Huile sur toile.
En 1873, Aivazovsky a créé le tableau exceptionnel Rainbow. Dans l'intrigue de cette image - une tempête en mer et un navire mourant près d'un rivage rocheux - il n'y a rien d'inhabituel pour le travail d'Aivazovsky. Mais sa gamme colorée, son exécution pittoresque étaient un phénomène complètement nouveau dans la peinture russe des années soixante-dix. Dépeignant cette tempête, Aivazovsky l'a montré comme s'il était lui-même parmi les vagues déchaînées. Un ouragan chasse la brume de leurs crêtes. Comme dans un tourbillon impétueux, la silhouette d'un navire qui coule et les contours indistincts d'un rivage rocheux sont à peine visibles.
Les nuages dans le ciel se sont dissous dans un linceul humide transparent. À travers ce chaos, un flux de lumière du soleil a fait son chemin, se couchant comme un arc-en-ciel sur l'eau, donnant à la couleur de l'image une coloration multicolore. L'image entière est écrite dans les plus belles nuances de bleu, vert, rose et violet. Les mêmes tons, légèrement rehaussés de couleur, véhiculent l'arc-en-ciel lui-même. Il vacille avec un mirage à peine perceptible. De là, l'arc-en-ciel a acquis cette transparence, cette douceur et cette pureté de couleur qui nous ravissent et nous enchantent toujours dans la nature. La peinture "Rainbow" était un nouveau niveau supérieur dans le travail d'Aivazovsky.
Concernant l'une de ces peintures d'Aivazovsky F.M. Dostoïevski a écrit : « La tempête... de M. Aivazovsky... est étonnamment bonne, comme toutes ses tempêtes, et ici c'est un maître - sans rivaux... Il y a du ravissement dans sa tempête, il y a cette beauté éternelle qui étonne le spectateur dans une véritable tempête vivante..."
Ivan Aivazovsky. Pêcheurs au bord de la mer.
1852. Huile sur toile.
"La mer, c'est ma vie", disait l'artiste. Il avait la capacité de transmettre le mouvement et le souffle de la mer.
Aivazovsky aimait la mer depuis son enfance et a réussi à créer une image véridique et poétique des éléments illimités, dont il est toujours resté fidèle à la perception romantique.
Le maître se distinguait par une pensée picturale inhabituelle. Sur la toile, l'artiste crée des combinaisons lumineuses qui étonnent par leur magnifique son décoratif. Vous percevez ces œuvres comme une symphonie de couleurs, comme un chant à la beauté. "Si je vivais encore trois cents ans", a déclaré l'artiste, "je trouverais toujours quelque chose de nouveau dans la mer."
Souvent, dans les peintures d'Aivazovsky, vous pouvez voir des gens admirer la beauté majestueuse de la nature. L'artiste voit en l'homme une partie intégrante de l'univers. Ses personnages romantiques "fictifs" sont des autoportraits à leur manière.
L'artiste a découvert sa méthode de dessin de mémoire, même sans croquis, se limitant à des croquis au crayon superficiels. Justifiant cette méthode, l'artiste a déclaré : "Les mouvements des éléments vivants sont insaisissables pour le pinceau : écrire un éclair, un coup de vent, une éclaboussure d'une vague est impensable de la nature."
Enfant, il a joué sur les rives de sa Feodosia natale, et dès l'enfance, le jeu émeraude des vagues de la mer Noire s'est enfoncé dans son âme. Par la suite, peu importe à quel point il a peint des mers, il a toujours obtenu une eau verte claire avec des dentelles d'écume violettes, caractéristiques de son pont natal Euxine. Les impressions les plus vives étaient liées à la mer ; c'est sans doute pour cela qu'il a consacré tout son travail à l'image de la mer. Avec une puissance égale, il pouvait transmettre l'éclat des rayons du soleil scintillant sur l'eau, la transparence de la profondeur de la mer et l'écume blanche comme neige des vagues.
Les œuvres d'Aivazovsky se sont démarquées parmi les œuvres des peintres contemporains pour leurs qualités coloristiques. Dans les années 1840, lors d'une exposition à Berlin, un critique d'un journal local a expliqué l'augmentation du son de la couleur dans les œuvres de l'artiste russe par le fait qu'il était sourd et muet, et cette lacune a été compensée par une vision accrue.
Critique sévère I.N. Kramskoy a écrit à P. M. Tretyakov: "Aivazovsky a probablement le secret de la composition des peintures, et même les peintures elles-mêmes sont secrètes; je n'ai pas vu de tons aussi brillants et purs, même sur les étagères des magasins de Mascate."
Aivazovsky a été influencé par les peintres marins hollandais du 17ème siècle, est venu à la technique de peinture "aquarelle", lorsque la couleur est superposée sur la toile en fines couches superposées. Cela a permis de transmettre les dégradés de tons de couleur les plus insignifiants.
Aivazovsky a commencé à peindre un tableau représentant le ciel, ou comme il l'appelait d'après son professeur à l'Académie des arts M. N. Vorobyov - air. Quelle que soit la taille de la toile, Aivazovsky a écrit "l'air" en une seule session, même si elle s'est étirée jusqu'à 12 heures d'affilée. C'est avec un tel effort titanesque que la transmission de la légèreté et de l'intégrité de la palette de couleurs du ciel a été réalisée. Le désir de compléter le tableau le plus rapidement possible a été dicté par le désir de ne pas perdre l'unité de l'ambiance du motif, de transmettre au spectateur un moment arrêté de la vie d'un élément marin en mouvement. L'eau dans ses peintures est un océan sans fin, pas orageux, mais ondulant, dur, sans fin. Et le ciel, si possible, encore plus infini.
"L'intrigue de l'image", a déclaré l'artiste, "se forme dans ma mémoire, comme l'intrigue d'un poème d'un poète; après avoir fait un croquis sur un morceau de papier, je me mets au travail et ne quitte pas la toile jusqu'à ce que Je m'exprime dessus avec mon pinceau.
Parlant de ses peintures, Aivazovsky a fait remarquer: "Ces peintures dans lesquelles la force principale est la lumière du soleil ... doivent être considérées comme les meilleures."
Mer d'azur :
1843.
Toile, huile.
Pêcheurs au bord de la mer.
1852. Huile sur toile.
Galerie nationale d'Arménie, Erevan, Arménie.
Mer calme
1863. Huile sur toile.
Galerie nationale d'Arménie, Erevan, Arménie.
Ivan Aivazovsky. Bataille de Sinop. La nuit après la bataille.
1853. Huile sur toile.
Musée naval central, Saint-Pétersbourg, Russie.
Une place particulière dans l'héritage d'Aivazovsky est occupée par des ouvrages consacrés aux exploits de la flotte russe, qui constituaient sa chronique historique originale, partant des batailles de l'époque de Pierre Ier et se terminant par les événements contemporains de la guerre de Crimée de 1853 -1856 et le russo-turc 1877-1878 pour la libération des Balkans. Depuis 1844, Aivazovsky était un peintre de l'état-major principal de la marine.
Le 18 novembre 1853, pendant la guerre de Crimée de 1853-1856, une bataille navale a eu lieu entre les escadres russes et turques dans la baie de Sinop. L'escadre turque d'Osman Pacha quitte Constantinople pour une opération de débarquement dans la région de Sukhum-Kale et fait escale dans la baie de Sinop. La flotte russe de la mer Noire avait pour tâche d'empêcher les actions actives de l'ennemi. Un escadron sous le commandement du vice-amiral P.S. Nakhimov (3 cuirassés) pendant le service de croisière a découvert l'escadron turc et l'a bloqué dans la baie. L'aide a été demandée à Sébastopol. Au moment de la bataille, l'escadre russe avait 6 cuirassés et 2 frégates, et l'escadre turque avait 7 frégates, 3 corvettes, 2 frégates à vapeur, 2 bricks, 2 transports. Les Russes avaient 720 canons et les Turcs - 510. À la suite de la bataille, qui a duré 4 heures, toute la flotte turque (à l'exception du vapeur Taif) a été détruite. Les Turcs ont perdu plus de 3 000 personnes tuées et noyées, environ 200 personnes. ont été capturés (y compris le commandant de la flotte). Les Russes ont perdu 37 personnes. tués et 235 blessés. Avec la victoire dans la baie de Sinop, la flotte russe a acquis une domination complète sur la mer Noire et a contrecarré les plans de débarquement des Turcs dans le Caucase.
Dès que la rumeur sur la bataille de Sinop a atteint Aivazovsky, il s'est immédiatement rendu à Sébastopol, a interrogé les participants à la bataille sur toutes les circonstances de l'affaire. Bientôt, deux peintures d'Aivazovsky ont été exposées à Sébastopol, représentant la bataille de Sinop la nuit et le jour. Il s'agissait des peintures de la bataille navale de Sinop le 18 novembre 1853 et de la bataille de Sinop. La nuit après la bataille.
L'exposition a été visitée par l'amiral Nakhimov ; appréciant hautement le travail d'Aivazovsky, en particulier l'image de la bataille de Sinop. La nuit après la bataille. Il a dit: "La photo est extrêmement bien faite."
Après avoir visité Sébastopol assiégé, Aivazovsky a également peint un certain nombre de peintures consacrées à la défense héroïque de la ville.
Ivan Aivazovsky. Mer calme.
1863. Huile sur toile.
Galerie nationale d'Arménie, Erevan, Arménie.
La mer était son élément. Seulement, il a été ouvert l'âme de l'artiste. Chaque fois debout devant le chevalet, Aivazovsky a laissé libre cours à son imagination. Et la toile incarnait exactement ce qu'il avait vu à l'avance avec son œil intérieur.
Ainsi, Aivazovsky est entré dans l'art contemporain, guidé par ses propres lois de vision du monde artistique. La pensée artistique du maître est décorative ; c'est dû à son enfance, à son sang, à sa lignée. La décoration n'interfère pas du tout, mais contribue à Aivazovsky dans ses caractéristiques émotionnelles précises du représenté. La perfection du résultat est atteinte par la virtuosité des nuances tonales les plus extraordinaires. Ici, il n'a pas d'égal, c'est pourquoi il a été comparé à Paganini. Aivazovsky - maestro du ton. Les canons de l'école européenne assimilés par lui se superposent à son flair décoratif naturel, purement national. Cette unité des deux principes permet à l'artiste d'obtenir une saturation si convaincante de l'atmosphère lumière-air, et une harmonie de couleurs mélodieuse. C'est peut-être précisément dans le caractère unique d'une telle fusion que réside l'attrait magique de ses peintures.
Ivan Aivazovsky. Parmi les vagues.
1898. Huile sur toile.
Galerie d'art Aivazovsky, Théodosie, Ukraine.
En communication continue avec la mer - symbole de liberté, d'espace - une longue et glorieuse vie du maître s'est écoulée. Et la mer, tantôt calme, tantôt turbulente ou orageuse, lui a généreusement donné une richesse inépuisable d'impressions. Aivazovsky a peint le tableau Parmi les vagues, qui était l'apogée de son travail, à l'âge de 80 ans.
« Au-dessus de l'abîme, des vagues grises et furieuses se précipitent. Ils sont immenses, ils se précipitent dans la colère, mais des nuages noirs de plomb, poussés par un vent de tempête, pendent au-dessus de l'abîme, et ici, comme dans un chaudron infernal menaçant, les éléments règnent. La mer bouillonne, bouillonne, écume. Les crêtes de l'arbre scintillent. Pas une seule âme vivante, même un oiseau libre, n'ose voir la tempête rampante... Déserte...
Seul un grand artiste pouvait voir et se souvenir de ce moment véritablement planétaire où l'on croit à l'existence primordiale de notre Terre. Et à travers le rugissement et le rugissement de la tempête, un rayon de soleil perce avec une douce mélodie de joie, et quelque part au loin une étroite bande de lumière scintille »(I.V. Dolgopolov).
L'artiste a représenté un élément déchaîné - un ciel orageux et une mer orageuse couverte de vagues, comme bouillantes en collision les unes avec les autres. Il a abandonné les détails habituels de ses peintures sous la forme de fragments de mâts et de navires mourants perdus dans la mer sans limites. Il connaissait de nombreuses façons de dramatiser les intrigues de ses peintures, mais n'a eu recours à aucune d'entre elles en travaillant sur ce travail. Parmi les vagues, pour ainsi dire, la mer Noire continue de révéler dans le temps le contenu du tableau : si dans un cas une mer agitée est représentée, dans l'autre elle fait déjà rage, au moment du plus grand état redoutable de la mer. élément marin. La maîtrise du tableau Parmi les vagues est le fruit d'un long et dur travail de toute la vie de l'artiste. Le travail s'est déroulé rapidement et facilement. Obéissant à la main de l'artiste, le pinceau sculptait exactement la forme que l'artiste voulait, et posait la peinture sur la toile de la manière que l'expérience de l'habileté et l'instinct d'un grand artiste, qui ne corrigeait pas le coup de pinceau une fois mis , l'a incité.
Apparemment, Aivazovsky lui-même était conscient que le tableau Parmi les vagues est beaucoup plus élevé en termes d'exécution de toutes les œuvres précédentes de ces dernières années. Bien qu'après sa création, il ait travaillé encore deux ans, organisé des expositions de ses œuvres à Moscou, Londres et Saint-Pétersbourg, il n'a pas sorti ce tableau de Feodosia, il l'a légué, ainsi que d'autres œuvres qui étaient dans son galerie d'art, dans sa ville natale de Feodosia.
Jusqu'à la vieillesse, jusqu'aux derniers jours de sa vie, Aivazovsky était plein d'idées nouvelles qui l'excitaient comme s'il n'était pas un maître très expérimenté de quatre-vingts ans qui a peint six mille tableaux, mais un jeune artiste novice qui venait de s'est engagé sur la voie de l'art. Pour la nature active et vivante de l'artiste et les sentiments non émoussés préservés, sa réponse à la question d'un de ses amis est caractéristique: laquelle de toutes les peintures peintes par le maître lui-même considère comme la meilleure. "Celui", répondit Aivazovsky sans hésitation, "qui se tient sur le chevalet de l'atelier, que j'ai commencé à peindre aujourd'hui ..."
Dans sa correspondance de ces dernières années, il y a des lignes qui parlent de la profonde excitation qui a accompagné son travail. A la fin d'une grosse lettre commerciale de 1894, il y a ces mots : "Pardonnez-moi d'écrire sur des morceaux (de papier). Je peins un grand tableau et je suis terriblement inquiet." Dans une autre lettre (1899) : "J'ai beaucoup écrit cette année. 82 ans me font presser..." Il était à l'âge où il avait clairement conscience que son temps était compté, mais il continua à travailler avec toujours- augmentation de l'énergie.
Ivan Aivazovsky. Bateau qui coule.
1854. Pastel papier, crayon graphite, crayon de couleur, gratté.
Musée d'État russe, Saint-Pétersbourg, Russie.
En parlant du travail d'Aivazovsky, on ne peut s'empêcher de s'attarder sur le grand héritage graphique laissé par le maître.
L'une des meilleures œuvres graphiques de l'artiste est l'image du navire qui coule.
Au cours de sa longue vie, Aivazovsky a effectué de nombreux voyages: il a visité plusieurs fois l'Italie, Paris et d'autres villes européennes, a travaillé dans le Caucase, a navigué jusqu'aux côtes de l'Asie Mineure, était en Égypte et, à la fin de sa vie, en 1898, fait un long voyage en Amérique. Au cours des voyages en mer, il enrichit ses observations, et les dessins accumulés dans ses classeurs.
Aivazovsky a toujours peint beaucoup et volontiers. Ses dessins présentent un grand intérêt tant pour leur exécution artistique que pour comprendre la méthode de création de l'artiste. Parmi les dessins au crayon, des œuvres datant des années quarante, à l'époque de son voyage académique de 1840-1844 et naviguant au large des côtes de l'Asie Mineure et de l'Archipel à l'été 1845, se distinguent par leur maturité.
Dans les années 1840, Aivazovsky a beaucoup travaillé dans le sud de la Russie, principalement en Crimée. Il y crée une série graphique de vues de mer en technique sépia. L'artiste a fait une légère esquisse du paysage au crayon graphite puis a peint en sépia, dont la couleur brunâtre variait subtilement du saturé au clair, complètement transparent. Pour transmettre la brillance de la surface de l'eau ou de l'écume de mer, l'artiste utilisait souvent du lait de chaux ou grattait la couche supérieure de papier spécialement apprêté, ce qui créait un effet de lumière supplémentaire. L'une de ces œuvres Vue de la ville de Nikolaev se trouve au Musée d'État russe de Saint-Pétersbourg.
Les dessins de ce pore sont harmonieux en termes de répartition compositionnelle des masses et se distinguent par une élaboration stricte des détails. La grande taille de la feuille et l'exhaustivité graphique témoignent de la grande importance qu'Aivazovsky attachait aux dessins d'après nature. Il s'agissait principalement d'images de villes côtières. Avec un graphite dur et tranchant, Aivazovsky a peint des bâtiments urbains accrochés aux rebords des montagnes, s'éloignant au loin, ou des bâtiments individuels qu'il aimait, les composant en paysages. En utilisant les moyens graphiques les plus simples - une ligne, presque sans utiliser de clair-obscur, il a obtenu les effets les plus fins et une transmission précise du volume et de l'espace. Les dessins qu'il a réalisés lors de ses voyages l'ont toujours aidé dans son travail de création. Dans sa jeunesse, il a souvent utilisé des dessins pour composer des tableaux sans aucun changement. Plus tard, il les a librement traités et, souvent, ils ne lui ont servi que de premier élan pour la mise en œuvre d'idées créatives. La seconde moitié de la vie d'Aivazovsky comprend un grand nombre de dessins réalisés de manière large et libre. Dans la dernière période de son travail créatif, quand Aivazovsky a fait des croquis de ses voyages, il a commencé à dessiner librement, reproduisant avec une ligne toutes les courbes de la forme, touchant souvent à peine le papier avec un crayon doux. Ses dessins, ayant perdu leur ancienne rigueur graphique et netteté, acquièrent de nouvelles qualités picturales.
Au fur et à mesure que la méthode créative d'Aivazovsky se cristallisait et que de vastes expériences et compétences créatives s'accumulaient, un changement notable s'est produit dans le processus de travail de l'artiste, ce qui a affecté ses dessins préparatoires. Maintenant, il crée une esquisse de l'œuvre future à partir de son imagination et non à partir d'un dessin naturel, comme il le faisait au début de la créativité. Pas toujours, bien sûr, Aivazovsky était immédiatement satisfait de la solution trouvée dans le croquis. Il existe trois versions de l'esquisse de son dernier tableau "Explosion du navire". Il s'est efforcé de trouver la meilleure solution de composition même dans le format du dessin : deux dessins ont été réalisés dans un rectangle horizontal et un dans un rectangle vertical. Tous les trois sont faits d'un trait superficiel, véhiculant le schéma de la composition. De tels dessins, pour ainsi dire, illustrent les paroles d'Aivazovsky relatives à la méthode de son travail: "Ayant esquissé un plan du tableau que j'ai conçu avec un crayon sur un morceau de papier, je me suis mis au travail et, pour ainsi dire, j'ai donné m'y mettre de tout mon cœur." Les graphismes d'Aivazovsky enrichissent et élargissent notre compréhension familière de son travail et de sa méthode de travail particulière. Pour les œuvres graphiques, Aivazovsky a utilisé une variété de matériaux et de techniques.
Les années soixante comprennent un certain nombre d'aquarelles finement peintes, réalisées en une seule couleur - sépia. Utilisant généralement un léger remplissage du ciel avec de la peinture très diluée, décrivant à peine les nuages, touchant légèrement l'eau, Aivazovsky a largement disposé le premier plan, dans un ton sombre, peint les montagnes de l'arrière-plan et peint un bateau ou un navire sur l'eau dans un ton sépia profond. Avec des moyens aussi simples, il transmettait parfois tout le charme d'une belle journée ensoleillée sur la mer, le roulement d'une vague transparente sur le rivage, l'éclat de nuages légers au loin. En termes de hauteur de compétence et de subtilité de l'état de nature transmis, une telle sépia d'Aivazovsky va bien au-delà de l'idée habituelle des croquis à l'aquarelle.
En 1860, Aivazovsky a peint ce genre de beau sépia "La mer après la tempête". Aivazovsky était apparemment satisfait de cette aquarelle, car il l'a envoyée en cadeau à P.M. Tretiakov. Aivazovsky a largement utilisé du papier couché, dessin sur lequel il a acquis une compétence virtuose. Ces dessins incluent "The Tempest", créé en 1855. Le dessin a été réalisé sur papier, teinté dans la partie supérieure de rose chaud et dans la partie inférieure de gris acier. Avec diverses méthodes de grattage de la couche de craie teintée, Aivazovsky a bien transmis l'écume sur les crêtes de la vague et l'éblouissement sur l'eau. Aivazovsky a également magistralement dessiné à la plume et à l'encre.
Ivan Aivazovsky. Chaos. Création du monde.
1841. Huile sur papier.
Musée de la Congrégation arménienne des Mkhitaristes.
Île de Saint-Lazare, Venise.
Après avoir obtenu une médaille d'or du premier degré, Aivazovsky a reçu le droit de voyager à l'étranger en tant que retraité de l'académie. Et en 1840 il partit pour l'Italie.
L'artiste a travaillé en Italie avec beaucoup d'enthousiasme et a créé ici une cinquantaine de grands tableaux. Exposées à Naples et à Rome, elles font sensation et glorifient le jeune peintre. Les critiques ont écrit que personne n'avait jamais représenté la lumière, l'air et l'eau de manière aussi vivante et authentique.
Peinture Chaos. Création du monde. Aivazovsky a eu l'honneur d'entrer dans l'exposition permanente du Musée du Vatican. Le pape Grégoire XVI a décerné à l'artiste une médaille d'or. A cette occasion, Gogol a dit en plaisantant à l'artiste: "Votre" Chaos "a soulevé le chaos au Vatican".
La bataille de Chesma est l'une des pages les plus glorieuses et héroïques de l'histoire de la flotte russe. Aivazovsky n'était pas, et ne pouvait pas être, un témoin de l'événement qui a eu lieu dans la nuit du 26 juin 1770. Mais avec quelle conviction et authenticité il a reproduit sur sa toile l'image d'une bataille navale. Des navires explosent et brûlent, des fragments de mâts s'envolent vers le ciel, des flammes s'élèvent et des fumées écarlates se mêlent aux nuages à travers lesquels la lune regarde ce qui se passe. Sa lumière froide et calme ne fait que souligner le mélange infernal du feu et de l'eau dans la mer. Il semble que l'artiste lui-même, lors de la création d'une image, ait vécu le ravissement de la bataille, où les marins russes ont remporté une brillante victoire.
1848. Huile sur toile.
Galerie d'art Aivazovsky, Théodosie, Ukraine.
Par conséquent, malgré la férocité de la bataille, l'image laisse une impression majeure et ressemble à un feu d'artifice grandiose. L'intrigue de ce travail était un épisode de la guerre russo-turque de 1768-1774. Pendant des décennies, la Russie a mené des guerres avec la Turquie pour la possession de la mer Noire et de la Méditerranée. Deux escadres russes qui ont quitté Cronstadt, après une longue transition à travers la Baltique, ont passé la Manche, contourné les côtes de la France et du Portugal, dépassé Gibraltar et pénétré dans la mer Méditerranée. Ici, ils rencontrèrent la flotte turque, qui était alors considérée comme la plus puissante du monde. Après plusieurs escarmouches militaires, le radeau turc se réfugie dans la baie de Chesme dans la panique. Les navires russes ont fermé la sortie de la baie et pendant la bataille de nuit ont presque complètement brûlé et détruit la flotte turque. Du côté russe, 11 marins sont morts, du côté turc, 10 000 personnes.
Ce fut une victoire sans précédent dans l'histoire des batailles navales. En mémoire d'elle, une médaille a été frappée, le comte Alexei Orlov, qui commandait les escadrons, a reçu le titre de Chesmensky, et à Tsarskoïe Selo Catherine II a ordonné qu'un monument à cette bataille soit érigé - la colonne Chesme. Il se dresse toujours fièrement au milieu du Grand Étang. Son tronc de marbre est complété par une sculpture allégorique - un aigle à deux têtes brisant un croissant de marbre.
Peintre de l'état-major de la marine (depuis 1844), Aivazovsky participe à de nombreuses campagnes militaires (dont la guerre de Crimée de 1853-1856), créant de nombreuses peintures de bataille pathétiques.
La peinture d'Aivazovsky des années quarante et cinquante a été marquée par une forte influence des traditions romantiques de K.P. Bryullov, qui a affecté non seulement l'habileté de la peinture, mais aussi la compréhension même de l'art et la vision du monde d'Aivazovsky. Comme Bryullov, il s'efforce de créer des toiles colorées grandioses qui peuvent glorifier l'art russe. Avec Bryullov, Aivazovsky est lié par de brillantes compétences en peinture, une technique virtuose, la rapidité et le courage de la performance. Cela se reflétait très clairement dans l'une des premières peintures de bataille de Chesma Battle, écrite par lui en 1848, dédiée à une bataille navale exceptionnelle. Aivazovsky dans le même 1848 a peint une image de la bataille dans le détroit de Chios, qui, avec la bataille de Chesme, constituait une sorte de diptyque en couple, glorifiant les victoires de la flotte russe.
Après la bataille de Chesme en 1770, Orlov écrivit dans son rapport au Collège de l'Amirauté: "... Honneur à la flotte panrusse. Du 25 au 26 juin, la flotte ennemie (nous) avons attaqué, vaincu, brisé, brûlé, laissez-le dans le ciel, en cendres transformé ... et eux-mêmes ont commencé à dominer dans tout l'archipel ... "Le pathétique de ce rapport, la fierté de l'exploit exceptionnel des marins russes, la joie de la victoire remportée a été magnifiquement transmis par Aivazovsky dans sa photo. Au premier regard sur l'image, nous sommes saisis par un sentiment d'excitation joyeuse comme d'un spectacle festif - un feu d'artifice brillant. Et ce n'est qu'avec un examen détaillé de l'image que le côté intrigue devient clair. Le combat est représenté la nuit. Dans les profondeurs de la baie, des navires en feu de la flotte turque sont visibles, l'un d'eux au moment de l'explosion. Enveloppée de feu et de fumée, l'épave du navire vole dans les airs, ce qui s'est transformé en un immense feu de joie ardent. Et sur le côté, au premier plan, le navire amiral de la flotte russe se dresse dans une silhouette sombre, vers laquelle, saluant, un bateau s'approche avec l'équipe du lieutenant Ilyin, qui a fait sauter son pare-feu parmi la flottille turque. Et si nous nous rapprochons de l'image, nous distinguerons sur l'eau l'épave de navires turcs avec des groupes de marins appelant à l'aide, et d'autres détails.
Aivazovsky était le dernier et le plus éminent représentant de la tendance romantique dans la peinture russe, et ces caractéristiques de son art étaient particulièrement évidentes lorsqu'il a peint des batailles navales pleines de pathétique héroïque ; ils pourraient entendre cette "musique de bataille", sans laquelle l'image de la bataille est dépourvue d'impact émotionnel.
Ivan Aivazovsky. Mer Noire
(Une tempête commence à se jouer sur la mer Noire).
1881. Huile sur toile.
Galerie Tretiakov, Moscou, Russie.
L'artiste a travaillé sans relâche jusqu'aux derniers jours de sa vie. La perception émotionnelle sublime et élevée d'Aivazovsky de la nature a été préservée jusqu'à la fin de sa carrière. Mais dans les années 1870-1880, la brillance extérieure, la luminosité accrue des couleurs cèdent la place à des rapports de couleurs plus calmes et plus doux. Tempêtes et tempêtes sont remplacées par l'image de la mer dans son état habituel. Les paysages les plus réussis de cette époque acquièrent une coloration psychologique et la signification intérieure de l'image.
Aivazovsky était proche de nombreux Wanderers. Le contenu humaniste de son art et son brillant savoir-faire étaient très appréciés par Kramskoy, Repin, Stasov et Tretiakov. Dans leurs vues sur la signification sociale de l'art, Aivazovsky et les Wanderers avaient beaucoup en commun. Bien avant l'organisation d'expositions itinérantes, Aivazovsky a commencé à organiser des expositions de ses peintures à Saint-Pétersbourg, à Moscou, ainsi que dans de nombreuses autres grandes villes de Russie. En 1880, Aivazovsky a ouvert la première galerie d'art périphérique en Russie à Feodosia.
Sous l'influence de l'art russe avancé des Wanderers, des traits réalistes sont apparus avec une force particulière dans le travail d'Aivazovsky, ce qui a rendu ses œuvres encore plus expressives et significatives. Apparemment, il est donc devenu habituel de considérer les peintures d'Aivazovsky des années soixante-dix comme la plus haute réalisation de son travail. Maintenant, pour nous, le processus de croissance continue de ses compétences et d'approfondissement du contenu des images picturales de ses œuvres, qui s'est déroulé tout au long de sa vie, est tout à fait clair.
En 1881, Aivazovsky a créé l'une des œuvres les plus importantes - l'image de la mer Noire. La tension contenue et la puissance épique ont excité l'artiste lors de la création de tels paysages.
Le tableau représente la mer par temps couvert; des vagues, surgissant à l'horizon, se dirigent vers le spectateur, créant par leur alternance un rythme majestueux et une sublime structure du tableau. Il est écrit dans une palette de couleurs avare et sobre qui renforce son impact émotionnel. L'image témoigne qu'Aivazovsky a pu voir et ressentir la beauté de l'élément marin près de lui, non seulement dans les effets picturaux extérieurs, mais aussi dans le rythme strict à peine perceptible de sa respiration, dans son pouvoir potentiel clairement perceptible. Et, bien sûr, dans cette image, il démontre son don principal : la capacité de montrer l'élément eau éternellement en mouvement imprégné de lumière.
I. Kramskoy a dit à propos du tableau d'Aivazovsky "La mer Noire": "C'est un océan sans fin, pas orageux, mais ondulant, sévère, sans fin. C'est l'un des tableaux les plus grandioses que je connaisse."
Vague et ciel - deux éléments remplissent tout l'espace de l'image, quelque part au loin se trouve une petite silhouette d'un navire. À peine esquissé au pinceau, il apporte déjà un élément humain au paysage, fixe l'échelle de l'œuvre et fait de nous, spectateurs, complices de l'image, en empathie non seulement avec les éléments de la nature, mais aussi avec la personne à l'intérieur. . De plus, la mer Noire elle-même n'est pas calme. Aivazovsky a appelé l'image "La mer Noire. Une tempête commence à se jouer sur la mer Noire." Derrière ces mots, certains téléspectateurs ont vu dans l'image l'élément révolutionnaire émergeant, tandis que d'autres ont vu une image émotionnelle qui véhicule des expériences émotionnelles, montrant le lien inextricable entre l'homme et la nature : la mer est inquiète, le rythme de ses vagues est si précisément capturé par l'artiste que le spectateur commence à ressentir l'anxiété, "l'ampleur de la respiration" de la nature.
Les vagues de la mer, comme les pierres précieuses, absorbent de nombreuses nuances de vert et de bleu, elles ne peuvent plus être appelées avec des mots. La matière transparente devient vitreuse sous nos yeux, elle s'est figée à jamais sous le pinceau du maître. Brumeux dans les profondeurs, lumineux de l'intérieur, il cache le royaume sous-marin des sirènes et des tritons, des perles mystérieuses et des plantes bizarres au tissu magique.
"La mer Noire" n'est pas la plus grande toile de l'œuvre de l'artiste, mais elle est le résultat d'expériences, de la compréhension de l'image bien-aimée des éléments et du summum de la compétence d'Aivazovsky.
Pourquoi la mer Aivazovsky est-elle si vivante, respirante et transparente ? Quel est l'axe de l'une de ses peintures ? Où devrions-nous regarder pour profiter pleinement de ses chefs-d'œuvre? Comme il l'écrivait : est-ce long, court, joyeux ou douloureux ? Et qu'est-ce que l'impressionnisme a à voir avec Aivazovsky ?
Bien sûr, Aivazovsky est né un génie. Mais il y avait aussi un métier qu'il maîtrisait avec brio et dans les méandres dont on a envie de comprendre. Alors, d'où sont nés l'écume de mer et les chemins lunaires d'Aivazovsky? ..
Ivan Constantinovitch Aivazovski. Tempête sur les côtes rocheuses. 102×73cm.
"Couleurs secrètes", vague Aivazovsky, vitrage
Ivan Kramskoy a écrit à Pavel Tretiakov : « Aivazovsky a probablement le secret de la composition des peintures, et même les peintures elles-mêmes sont secrètes ; Je n'ai jamais vu des tons aussi brillants et purs même sur les étagères des magasins de Mascate. Certains des secrets d'Aivazovsky nous sont parvenus, bien que le principal ne soit pas du tout un secret: pour écrire la mer comme ça, il faut être né au bord de la mer, vivre une longue vie près d'elle, pour laquelle on ne en avoir marre.
La fameuse "vague Aivazovsky" est une vague marine mousseuse, presque transparente, qui donne l'impression d'être en mouvement, rapide, vivante. L'artiste a obtenu la transparence en utilisant la technique du glacis, c'est-à-dire en appliquant les couches de peinture les plus fines les unes sur les autres. Aivazovsky préférait l'huile, mais souvent ses vagues ressemblent à des aquarelles. C'est grâce au vitrage que l'image acquiert cette transparence, et les couleurs semblent très saturées, mais pas en raison de la densité du trait, mais en raison de la profondeur et de la subtilité particulières. Le glacis virtuose d'Aivazovsky fait le bonheur des collectionneurs : la plupart de ses tableaux sont en excellent état - les couches de peinture les plus fines sont moins sujettes aux craquelures.
Aivazovsky a écrit rapidement, créant souvent des œuvres en une seule session, de sorte que sa technique de vitrage avait des nuances d'auteur. Voici ce que Nikolai Barsamov, directeur de longue date de la Feodosia Art Gallery et le plus grand connaisseur de l'œuvre d'Aivazovsky, écrit à ce sujet : “... il a parfois glacé de l'eau sur une sous-couche semi-sèche. Souvent, l'artiste a émaillé les vagues à leur base, ce qui a donné de la profondeur et de la force au ton coloré et a obtenu l'effet d'une vague transparente. Parfois, le vitrage assombrissait des plans importants de l'image. Mais le vitrage dans la peinture d'Aivazovsky n'était pas une dernière étape obligatoire du travail, comme c'était le cas avec les anciens maîtres avec la méthode de peinture à trois couches. Toute sa peinture était essentiellement réalisée en une seule étape, et le glacis était souvent utilisé par lui comme l'un des moyens d'appliquer une couche de peinture sur fond blanc en début de travail, et pas seulement comme inscriptions finales en fin de travail. L'artiste a parfois utilisé des glacis au premier stade du travail, recouvrant des plans importants du tableau d'une couche de peinture translucide et utilisant le fond blanc de la toile comme doublure lumineuse. Alors parfois, il écrivait de l'eau. Distribuant habilement une couche de peinture de différentes densités sur la toile, Aivazovsky a réalisé une véritable transmission de la transparence de l'eau.
Aivazovsky s'est tourné vers les émaux non seulement lorsqu'il travaillait sur les vagues et les nuages, mais avec leur aide, il a pu insuffler de la vie dans la terre. «Aivazovsky a peint la terre et les pierres avec des pinceaux grossiers. Il est possible qu'il les ait spécialement taillés pour que les extrémités dures des poils laissent des sillons sur la couche de peinture., - dit le critique d'art Barsamov. — La peinture à ces endroits est généralement déposée en une couche dense. En règle générale, Aivazovsky a presque toujours vitré le sol. Le ton glacis (plus sombre), tombant dans les sillons des poils, a donné une sorte de vivacité à la couche colorée et une plus grande réalité à la forme représentée.
Quant à la question "D'où viennent les couleurs ?", on sait que ces dernières années, il a acheté des peintures à la société berlinoise Mewes. Tout est simple. Mais il y a aussi une légende : comme si Aivazovsky achetait des peintures à Turner. Une seule chose peut être dite à ce sujet: c'est théoriquement possible, mais même si c'est le cas, Aivazovsky n'a certainement pas peint les 6 000 de ses œuvres avec des peintures Turner. Et l'image à laquelle l'impressionnant Turner a dédié le poème a été créée par Aivazovsky avant même qu'il ne rencontre le grand peintre de marine britannique.
Ivan Constantinovitch Aivazovski. Baie de Naples par une nuit au clair de lune. 1842, 92×141 cm.
"Dans votre image, je vois la lune avec son or et son argent, debout au-dessus de la mer, reflétée en elle. La surface de la mer, sur laquelle une brise légère rattrape une houle frémissante, semble être un champ d'étincelles. Pardonnez-moi, grand artiste, si j'ai fait une erreur en confondant l'image avec la réalité, mais votre travail m'a fasciné, et le plaisir s'est emparé de moi. Votre art est éternel et puissant, parce que vous êtes inspiré par le génie", - poèmes de William Turner sur le tableau d'Aivazovsky "La baie de Naples par une nuit au clair de lune".
Ivan Constantinovitch Aivazovski. Parmi les vagues. 1898, 285×429cm.
L'essentiel est de commencer, ou Au rythme d'Aivazovsky
Aivazovsky a toujours commencé à travailler avec l'image du ciel, et il l'a écrit en une seule fois - cela pouvait prendre 10 minutes ou 6 heures. Il a peint la lumière dans le ciel non pas avec la surface latérale du pinceau, mais avec son extrémité, c'est-à-dire qu'il a «illuminé» le ciel avec de nombreuses touches rapides du pinceau. Le ciel est prêt - vous pouvez vous détendre, vous laisser distraire (cependant, il ne s'est permis cela qu'avec des peintures qui ont pris beaucoup de temps). La mer pouvait écrire en plusieurs passages.
Travailler longtemps sur un tableau aux yeux d'Ivan Aivazovsky, c'est, par exemple, peindre une toile pendant 10 jours. C'est combien il a fallu à l'artiste, qui avait alors 81 ans, pour créer son plus grand tableau - "Parmi les vagues". En même temps, selon ses aveux, toute sa vie a été une préparation pour cette photo. C'est-à-dire que le travail a nécessité un effort maximal de la part de l'artiste - et pendant dix jours entiers. Mais dans l'histoire de l'art, il n'est pas rare que des tableaux soient peints pendant vingt ans ou plus (par exemple, Fiodor Bruni a peint son "Serpent de cuivre" pendant 14 ans, commencé en 1827 et terminé en 1841).
En Italie, Aivazovsky s'est lié d'amitié à une certaine époque avec Alexandre Ivanov, le même qui a écrit L'Apparition du Christ au peuple pendant 20 ans, de 1837 à 1857. Ils ont même essayé de travailler ensemble, mais se sont vite disputés. Ivanov pouvait travailler sur un croquis pendant des mois, essayant d'atteindre la précision particulière d'une feuille de peuplier, tandis qu'Aivazovsky réussissait à se promener tout autour et à peindre plusieurs tableaux pendant ce temps : « Je ne peux pas écrire tranquillement, je ne peux pas approfondir pendant des mois. Je ne quitte pas l'image jusqu'à ce que je parle ». Des talents aussi différents, des façons différentes de créer - un travail acharné et une admiration joyeuse de la vie - ne pouvaient pas rester proches longtemps.
Ivan Aivazovsky à côté de sa peinture, photographie, 1898.
Aivazovsky au chevalet.
« L'atmosphère de l'atelier était exceptionnellement simple. Devant le chevalet se trouvait une simple chaise avec un siège en osier, dont le dossier était enduit d'une couche de peinture assez épaisse, car Aivazovsky avait l'habitude de jeter sa main avec un pinceau derrière le dossier de la chaise et de s'asseoir à moitié un tour à l'image, en la regardant », - d'après les mémoires de Konstantin Artseulov , ce petit-fils d'Aivazovsky est également devenu un artiste.
La créativité comme joie
La muse d'Aivazovsky (pardonnez-nous cette pompe) est joyeuse, pas douloureuse. " Par l'aisance, l'aisance apparente du mouvement de la main, par l'expression satisfaite du visage, on peut dire sans se tromper qu'un tel travail est un vrai plaisir., - ce sont les impressions d'un fonctionnaire du ministère de la Cour impériale, l'écrivain Vasily Krivenko, qui a observé le fonctionnement d'Aivazovsky.
Aivazovsky, bien sûr, a vu que pour de nombreux artistes, leur don est soit une bénédiction, soit une malédiction, d'autres peintures sont écrites presque avec du sang, épuisant et épuisant leur créateur. Pour lui, aborder la toile avec un pinceau a toujours été la plus grande joie et bonheur, il a acquis une légèreté et une toute-puissance particulière dans son atelier. Dans le même temps, Aivazovsky a écouté attentivement les conseils pratiques, n'a pas rejeté les commentaires des personnes qu'il appréciait et respectait. Bien que pas assez pour croire que la légèreté de son pinceau est un inconvénient.
Atelier plein air VS
Seuls les paresseux n'ont pas parlé de l'importance de travailler avec la nature au cours de ces années. Aivazovsky, d'autre part, a préféré faire des croquis éphémères de la vie et écrire en studio. "Préféré", peut-être, n'est pas tout à fait le bon mot, ce n'est pas une question de commodité, c'était son choix de principe. Il croyait qu'il était impossible de représenter d'après nature le mouvement des éléments, le souffle de la mer, les coups de tonnerre et les éclairs - et c'était ce qui l'intéressait. Aivazovsky avait une mémoire phénoménale et considérait sa tâche "dans la nature" pour absorber ce qui se passait. Ressentir et se souvenir, pour retourner à l'atelier, jeter ces sentiments sur la toile - c'est pourquoi la nature est nécessaire. En même temps, Aivazovsky était un excellent copiste. Lors de l'entraînement avec Maxim Vorobyov, il a pleinement démontré cette compétence. Mais copier - du moins les peintures de quelqu'un, même la nature - lui semblait bien moins qu'il ne pouvait le faire.
Ivan Constantinovitch Aivazovski. Baie d'Amalfi en 1842. Esquisser. années 1880
Ivan Constantinovitch Aivazovski. Côte d'Amalfi. 105×71cm.
À propos du travail rapide d'Aivazovsky et de ses croquis d'après nature, l'artiste Ilya Ostroukhov a laissé des souvenirs détaillés:
«J'ai pris connaissance par hasard de la manière d'interpréter les œuvres du célèbre peintre de marines décédé Aivazovsky en 1889, lors d'un de mes voyages à l'étranger, à Biarritz. À peu près au même moment où j'arrivais à Biarritz, Aivazovsky y arrivait également. Le vénérable artiste avait déjà alors, si je me souviens bien, environ soixante-dix ans ... Ayant appris que je connaissais bien la topographie de la région, [il] m'a immédiatement entraîné pour une promenade le long du rivage de l'océan. La journée a été orageuse et Aivazovsky, fasciné par la vue sur les vagues de l'océan, s'est arrêté sur la plage ...
Sans quitter des yeux l'océan et le paysage des montagnes lointaines, il sortit lentement son minuscule carnet et ne traça au crayon que trois lignes - le contour des montagnes lointaines, la ligne de l'océan au pied de ces montagnes, et la ligne de la côte de lui-même. Puis nous avons continué avec lui. Après avoir marché environ une verste, il s'arrêta de nouveau et fit le même tracé de plusieurs lignes dans l'autre sens.
- Journée nuageuse aujourd'hui Aivazovsky a dit, et vous, s'il vous plaît, dites-moi seulement où le soleil se lève et se couche ici.
J'ai pointé. Aivazovsky a mis quelques points dans le livre et a caché le livre dans sa poche.
- Maintenant allons-y. Pour moi cela suffit. Demain je peindrai les vagues de l'océan à Biarritz.
Le lendemain, trois photos spectaculaires du surf de la mer se sont vraiment écrites : à Biarritz : le matin, à midi et au coucher du soleil..."
Ivan Constantinovitch Aivazovski. Biarritz. 1889, 18×27cm.
Le soleil d'Aivazovsky, ou qu'est-ce que l'impressionnisme a à voir là-dedans
L'artiste arménien Martiros Saryan a noté que peu importe la grandeur de la tempête Aivazovsky dépeinte, dans la partie supérieure de la toile, un rayon de lumière traversera toujours l'accumulation de nuages d'orage - parfois clairs, parfois minces et à peine perceptibles: "C'est en lui, cette Lumière, que réside le sens de toutes les tempêtes dépeintes par Aivazovsky."
Ivan Constantinovitch Aivazovski. Tempête en mer du Nord. XX, 202×276cm.
Ivan Constantinovitch Aivazovski. Nuit au clair de lune. 1849, 192×123 cm.
Ivan Constantinovitch Aivazovski. Baie de Naples par une nuit au clair de lune. 1892, 73×45 cm.
Ivan Constantinovitch Aivazovski. Navire "Empress Maria" pendant une tempête. 1892, 224×354 cm.
Ivan Constantinovitch Aivazovski. Nuit au clair de lune à Capri. 1841, 26 × 38 cm.
Si c'est le soleil, alors il illuminera la tempête la plus noire, si c'est un chemin lunaire, alors il remplira toute la toile de son scintillement. Nous n'allons pas appeler Aivazovsky un impressionniste ou un précurseur de l'impressionnisme. Mais citons les paroles du mécène Alexei Tomilov - il critique les peintures d'Aivazovsky: "Les figures sont sacrifiées à tel point qu'il n'est pas reconnaissable : au premier plan ce sont des hommes ou des femmes (...) l'air et l'eau s'exhibent". On dit des impressionnistes que les personnages principaux de leurs peintures sont la couleur et la lumière, l'une des tâches principales est la transmission de la masse lumière-air. Dans les œuvres d'Aivazovsky, la lumière est en premier lieu, et oui, tout à fait raison, l'air et l'eau (dans son cas, il s'agit du ciel et de la mer). Tout le reste est construit autour de cet élément principal.
Il s'efforce non seulement de représenter de manière plausible, mais de transmettre des sensations: le soleil doit briller pour que vous ayez envie de fermer les yeux, le spectateur reculera devant le vent et reculera de peur devant la vague. Ce dernier, en particulier, a été fait par Repin, quand Aivazovsky a soudainement ouvert la porte de la pièce devant lui, derrière laquelle se tenait sa "Ninth Wave".
Ivan Constantinovitch Aivazovski. Neuvième arbre. 332×221cm.
Comment regarder les peintures d'Aivazovsky
L'artiste a donné des recommandations absolument sans ambiguïté: vous devez rechercher le point le plus brillant de la toile, la source de lumière, et, en le regardant attentivement, faites glisser vos yeux sur la toile. Par exemple, lorsqu'on lui a reproché que "Moonlight Night" n'était pas terminé, il a fait valoir que si le spectateur " portera son attention principale sur la lune et peu à peu, adhérant au point intéressant de l'image, jettera un coup d'œil sur les autres parties de l'image au passage, et au-delà, sans oublier qu'il s'agit d'une nuit qui nous prive de tout reflet, alors un tel spectateur trouvera que cette image est plus finie que ne le devrait".
Ivan Constantinovitch Aivazovski. Nuit au clair de lune en Crimée. Gourzouf, 1839, 101×136,5 cm.
Ivan Constantinovitch Aivazovski. Explosion du navireKonstantin Aivazovsky n'est pas un de ces artistes qui perdent l'inspiration dans le processus et laissent le travail inachevé. Mais un jour, cela lui est arrivé aussi - il n'a pas terminé le tableau "L'explosion du navire" (1900). La mort est intervenue. Ce travail inachevé est particulièrement précieux pour les chercheurs de son travail. Cela vous permet de comprendre ce que l'artiste considérait comme l'élément principal de l'image, avec l'étude des éléments sur lesquels il a commencé à travailler. Nous voyons qu'Aivazovsky a commencé avec le navire et la flamme de l'explosion - quelque chose qui prendra le spectateur par l'âme. Et l'artiste a laissé les détails, sur lesquels le spectateur glissera simplement avec ses yeux, pour plus tard.
Explosion de navire. 1900
Ivan Constantinovitch Aivazovski. Grotte d'azur. Naples. 1841, 100×74 cm.
Le spectateur moderne est parfois découragé par la couleur intense des peintures d'Aivazovsky, ses couleurs vives et sans compromis. Il y a une explication à cela. Et ce n'est pas du tout le mauvais goût de l'artiste.
Aujourd'hui, nous regardons les marinas d'Aivazovsky dans les musées. Il s'agit souvent de galeries provinciales, à l'intérieur vétuste et sans éclairage particulier, remplacé par la simple lumière de la fenêtre. Mais pendant la vie d'Aivazovsky, ses peintures étaient accrochées dans de riches salons et même dans des palais. Sous des plafonds en stuc, sur des murs recouverts de luxueuses tapisseries, à la lumière des lustres et des candélabres. Il est fort possible que l'artiste ait veillé à ce que ses toiles ne se perdent pas sur fond de tapis colorés et de meubles dorés.
Les connaisseurs disent que les paysages nocturnes d'Aivazovsky, qui ont souvent l'air rustiques sous une faible lumière naturelle ou sous des lampes rares, prennent vie, deviennent mystérieux et nobles, comme l'artiste les avait voulus, lorsqu'ils sont vus à la lueur des bougies. Surtout ces peintures qu'Aivazovsky a peintes à la lueur des bougies.
Et van Konstantinovich Aivazovsky est l'un des peintres marins russes les plus prolifiques. Pendant plus de 60 ans de créativité, il a peint plus de 6 000 tableaux. Les contemporains ont été surpris - avec quelle rapidité le Maître a créé ses chefs-d'œuvre. Les techniques du peintre, la technique d'exécution, la sélection des couleurs, les effets virtuoses d'une vague transparente et le souffle de la mer étaient incompréhensibles.
L'artiste Ivan Kramskoy a écrit à Pavel Tretiakov : « Aivazovsky a probablement le secret de la composition des peintures, et même les peintures elles-mêmes sont secrètes ; Je n'ai jamais vu des tons aussi brillants et purs même sur les étagères des magasins de Mascate. Le secret principal d'Aivazovsky n'était pas un secret: pour peindre la mer de manière aussi crédible, il faut naître et vivre une longue vie près du bord de la mer.
Ajoutons quelques ingrédients supplémentaires à ce fait - diligence, talent, mémoire impeccable et imagination riche - c'est ainsi que sont nées les célèbres peintures d'Aivazovsky. C'est tout le secret du génie.
L'artiste peint vite et beaucoup - environ 100 tableaux par an. Et tout son héritage a été reconnu par les collectionneurs comme l'un des plus "forts". Les toiles de l'artiste semblent intemporelles, toujours en excellent état, craquer le moins de tous, et sont extrêmement rarement soumis à une restauration.
Columbus naviguant à travers le cap Palos. 1892. Collection privée
Le secret principal réside dans la technique d'application des peintures. Aivazovsky a préféré l'huile, bien que sa mer et ses vagues semblent être de l'aquarelle. Sa technique favorite était glaçage, basé sur l'application de peintures fines (presque transparentes) les unes sur les autres. En conséquence, les vagues, les nuages et la mer sur les toiles semblaient transparents et vivants, et l'intégrité de la couche de peinture n'était ni violée ni détruite.
Le génie d'Aivazovsky a été reconnu par les personnalités les plus éminentes de Russie et du monde. Il a rencontré et était ami avec Pouchkine, Krylov, Gogol, Joukovski, Bryullov, Glinka. Il a été reçu dans les palais des rois et des nobles, le pape lui-même lui a accordé une audience et lui a décerné une médaille d'or pour le tableau «Chaos. Création du monde". Le pontife voulait acheter le chef-d'œuvre qu'il aimait, mais Aivazovsky l'a simplement présenté.
Chaos. Création du monde. 1841. Musée de la Congrégation arménienne des mékhitaristes, Venise, Italie Le pape Grégoire XVI emmena le tableau au musée du Vatican. Maintenant, il est situé à Venise, sur l'île de Saint-Lazare. Le fait est qu'au début du XXe siècle, le pape Léon XIII a fait don du tableau au Musée de la Congrégation mékhitariste arménienne. L'une des raisons était peut-être qu'ici, sur l'île de Saint-Lazare, vivait le frère aîné de l'artiste Gabriel. Il occupait une position éminente dans la fraternité religieuse. Dans la vie de l'artiste, ce lieu était sacré, rappelant la "petite Arménie" près de Venise.
La visite de Byron aux Mkhitaristes sur l'île de St. Lazare à Venise. 1899. Galerie nationale d'Arménie, Erevan Les œuvres d'Aivazovsky ont été admirées par toute l'Europe - académicien et membre honoraire de l'Académie impériale des arts, il a également été élu membre honoraire des Académies des arts d'Amsterdam, Rome, Paris, Florence et Stuttgart.
Ivan Kramskoy a écrit: «... Aivazovsky, quoi qu'on en dise, est une star de première grandeur, en tout cas; et pas seulement ici, mais dans l'histoire de l'art en général… ». L'empereur Nicolas Ier a déclaré : « Quoi qu'Aivazovsky écrive, je l'achèterai. C'est avec une légère suggestion que l'empereur Aivazovsky a été secrètement appelé le "roi de la mer".
Toute sa longue et heureuse vie est un entrepôt d'histoires et de faits magiques - incroyablement intéressants et colorés. L'artiste a participé à plus de 120 expositions tant en Russie qu'en Europe et en Amérique. Plus de 60 d'entre eux étaient personnels ! A cette époque, parmi les artistes russes, seul le peintre marin romantique Aivazovsky pouvait se permettre une exposition personnelle.
Vous savez peut-être déjà que les œuvres d'Aivazovsky Pas seulement le plus vendu, et en même temps - le plus volé et contrefait au monde .
Côte de Crimée près d'Ai-Petri. 1890. Musée des beaux-arts de la République de Carélie, Petrozavodsk L'authenticité des peintures d'Aivazovsky peut être vérifiée, mais c'est une procédure extrêmement coûteuse, à la fois en termes de temps et d'argent. En conséquence, la moitié des choses distribuées sur le marché en tant que peintures d'Aivazovsky sont des contrefaçons, mais elles ont un tel succès qu'elles sont toujours achetées, mais à des prix inférieurs. De plus, le nombre de contrefaçons dépasse largement le nombre d'originaux. Le maître lui-même a reconnu avoir écrit plus de 6 000 œuvres tout au long de sa vie, mais aujourd'hui plus de 50 000 œuvres sont considérées comme des originaux !
Aivazovsky n'a pas peint d'après nature. Il a peint la plupart de ses tableaux de mémoire. Parfois, il suffisait à un artiste d'entendre une histoire intéressante et, au bout d'un moment, il prenait le pinceau. Pour créer un chef-d'œuvre, l'artiste n'avait pas besoin de beaucoup de temps, parfois une seule séance suffisait... « Je ne peux pas écrire tranquillement, je ne peux pas approfondir pendant des mois. Je ne quitte pas l'image jusqu'à ce que je parle » , - Ivan Konstantinovich a admis. Son œuvre la plus longue a été le tableau "Parmi les vagues". 10 jours - c'est le temps qu'il a fallu à l'artiste, qui avait alors 81 ans, pour créer son plus grand tableau.
Parmi les vagues. 1898. Galerie d'art Feodosia. IKAivazovsky Il est authentiquement connu que l'intrigue de l'image était à l'origine différente. Cela est devenu connu grâce aux paroles du petit-fils d'Aivazovsky, Konstantin Konstantinovich Artseulov :
Le tableau "Parmi les vagues" a été créé deux jours avant sa mort. En longueur - il mesure près de 4,5 m et en largeur - environ 3.
Tous ces petits faits sont assez courants, mais il en existe d'autres peu connus, révélant l'image de l'artiste et de son œuvre sous différents angles.
Ainsi, 5 faits peu connus de la vie de l'artiste (à l'occasion du 200e anniversaire de la naissance d'I.K. Aivazovsky)
Un incident dans l'atelier d'A.I. Kuindzhi.
Une fois que l'artiste A.I. Kuindzhi a invité Aivazovsky à son atelier académique afin de démontrer à ses étudiants la compétence et la technique de la performance, qui n'étaient connues que d'Aivazovsky.
Le peintre paysagiste soviétique A. A. Rylov a rappelé ceci: «Arkhip Ivanovich a conduit l'invité au chevalet et s'est tourné vers Aivazovsky: "Ça y est ... Ivan Konstantinovich, montre-leur comment écrire la mer."
Mer. 1898. Musée d'art régional de Lougansk Aivazovsky nomma les quatre ou cinq couleurs dont il avait besoin, examina les pinceaux, toucha la toile, debout, sans quitter le chevalet, jouant avec le pinceau comme un virtuose, peignit une tempête marine. À la demande d'Arkhip Ivanovich, il a immédiatement représenté un navire se balançant sur les vagues, et avec une habileté étonnante, avec le mouvement habituel du pinceau, il lui a donné une tenue complète. La peinture est prête et signée. Il y a une heure et cinquante minutes, il y avait une toile vierge, maintenant la mer fait rage dessus. Avec des applaudissements bruyants, nous avons exprimé notre gratitude au vénérable artiste et l'avons escorté jusqu'à la voiture tout au long de l'atelier.
A cette époque, l'artiste avait 80 ans.
Les villes préférées d'Aivazovsky
C'est incroyable à quel point cette personne est passionnée par les voyages à travers le monde et l'amour de la patrie. Où est-il allé ! Les douaniers ont collé des pages supplémentaires dans son passeport. Son passeport étranger contenait 135 tampons de visa. Il a visité les plus beaux pays et villes de la planète, mais avec crainte et admiration, il n'a traité que deux villes - Constantinople et son petit Théodose, auxquels il s'est consacré jusqu'à la fin de sa vie. "Mon adresse est toujours à Feodosia", a-t-il partagé avec Pavel Tretiakov.
Navires sur la rade de Feodosia. Hommage à Aivazovsky à l'occasion de son 80e anniversaire. 1897. Musée naval central, Saint-Pétersbourg Feodosia était un débouché, une patrie historique, un lieu de naissance, un foyer et une maison indispensables. Constantinople - était un refuge préféré lors de voyages. De toutes les villes, il n'a glorifié que celle-ci - une ville merveilleuse sur le Bosphore.
Il a d'abord visité la capitale de l'Empire ottoman en 1845. Depuis, il revient ici encore et encore. Le nombre exact de peintures consacrées aux vues de Constantinople reste inconnu. Le nombre estimé est d'environ 100.
Vue de Constantinople. 1849. Palais artistique et architectural d'État de Tsarskoïe Selo et musée-réserve du parc, Pouchkine Environ un jour, le sultan turc Abdulaziz a reçu l'une des peintures d'Aivazovsky. Le sultan est complètement ravi et commande à l'artiste une série de vues du Bosphore. Aivazovsky a estimé qu'il pourrait ainsi contribuer à l'établissement d'une compréhension mutuelle entre les Turcs et les Arméniens et a accepté l'ordre. Il a peint environ 40 tableaux pour le Sultan . Abdul-Aziz était si satisfait du travail d'Aivazovsky qu'il lui a décerné le plus haut ordre turc "Osmaniye".
Par la suite, Aivazovsky a reçu plusieurs autres commandes des mains du dirigeant turc. Et en 1878, un accord de paix entre la Russie et la Turquie (la soi-disant paix de San Stefano) a été signé dans une salle décorée de peintures d'Aivazovsky.
"Scène orientale". "Café à la mosquée Ortakoy à Constantinople". 1846. Palais artistique et architectural d'État et musée-réserve du parc "Peterhof". Cependant, lorsque dans les années 1890, le sultan Abdul-Hamid a organisé des pogroms qui ont tué des centaines de milliers d'Arméniens, indigné Aivazovsky s'est empressé de se débarrasser de toutes les récompenses ottomanes.
Mettant sur le collier du chien de cour tous les ordres turcs, il se promena dans les rues de Feodosia. On dit que toute la ville s'est jointe au cortège. Entouré d'une foule immense, Aivazovsky s'est dirigé vers la mer. Bientôt, il monta dans le bateau et, s'étant suffisamment éloigné du rivage, il leva les ordres brillants au-dessus de sa tête et les jeta à la mer.
Plus tard, il rencontra le consul de Turquie et lui dit que son "maître sanglant" pouvait faire de même avec ses peintures, l'artiste ne le regretterait pas.
Agacé par la politique agressive des Turcs, Aivazovsky peint plusieurs tableaux en faveur des Arméniens, illustrant les crimes brutaux des Turcs contre son peuple. Ils ont exposé à plusieurs reprises dans les expositions les plus prestigieuses d'Europe. Il a dirigé tous les fonds de la vente de peintures pour aider les réfugiés arméniens. Ivan Konstantinovich ne s'attendait pas à l'aide du gouvernement ou de l'administration de la ville, il a rencontré des réfugiés à l'entrée de Feodosia et leur a proposé de s'installer sur ses terres, leur fournissant de l'argent pour la première fois.
- "C'est une honte de se détourner de votre nationalité, surtout si petite et opprimée", a déclaré Ivan Konstantinovich.
Nuit. Tragédie dans la mer de Marmara. 1897. Collection privée "Père de la ville" Ivan Aivazovsky et Feodosia
Aivazovsky a été la première personne honoraire de Feodosia. Toute sa vie, il s'est activement engagé dans son amélioration, a contribué à la prospérité de la ville. Son influence sur la vie théodosienne était énorme. L'artiste a ouvert une école d'art à Feodosia, faisant de Feodosia l'un des centres de la culture picturale du sud de la Russie. A son initiative, une salle de concert municipale et une bibliothèque sont construites.
Feodosia une nuit au clair de lune. Vue depuis le balcon de la maison d'Aivazovsky sur la mer et la ville. 1880. Musée d'art d'État du territoire de l'Altaï, Barnaoul A ses frais, une école paroissiale est créée et entretenue.
Aivazovsky a également participé à la construction d'un nouveau bâtiment pour le gymnase pour hommes Feodosia, dont les étudiants à plusieurs reprises étaient le poète et traducteur Maximilian Voloshin, le mari de Marina Tsvetaeva, le publiciste Sergei Efron, Alexander Peshkovsky, un linguiste russe et soviétique, professeur, l'un des pionniers dans l'étude de la syntaxe russe. Aivazovsky était l'administrateur de ce gymnase, attribuait des bourses et payait les études aux étudiants dans le besoin. Le gymnase a existé jusqu'en 1918.
Le premier train à Feodosia. 1892. Galerie d'art Feodosia. IKAivazovsky Il a également veillé à ce qu'un chemin de fer soit construit dans la ville. Son tableau "Le premier train pour Feodosia" a été créé avant même la construction du chemin de fer, c'est-à-dire par imagination.
Je me souviens toujours d'un ami décédé qui m'a dit plus d'une fois: «Quel genre de chasse voulez-vous, Ivan Konstantinovich, chercher un chemin de fer pour Feodosia, cela ne fera que polluer la côte et obscurcir la vue magnifique sur la baie depuis votre maison .” En effet, si je prenais soin de moi personnellement, j'aurais dû m'opposer de toutes mes forces à la construction du chemin de fer de Feodosian. Mon domaine est situé près de Feodosia et loin de la ligne de chemin de fer projetée, dont je n'aurai donc pas à utiliser les services. La seule maison qui m'appartient à Feodosia, dans laquelle je vis, avec la construction d'un chemin de fer le long du bord de mer, risque de devenir inhabitée et, en tout cas, perdra pour moi le caractère d'un coin douillet. Ceux qui savent sacrifier leurs intérêts personnels pour le bien public comprendront aisément par quels motifs je suis guidé pour défendre Théodose..."
Tous les bâtiments importants de Feodosia étaient dans les coulisses sous la supervision d'Aivazovsky. Un cas typique de la vie de l'artiste a été décrit dans ses mémoires par Yuri Galabutsky :
« Vous ruinez ma rue !
«Une fois en hiver, Aivazovsky, comme d'habitude, est parti quelque temps à Saint-Pétersbourg. En revenant, comme d'habitude, à deux ou trois stations de Feodosia, il a été accueilli par ses proches et a immédiatement rapporté toutes les nouvelles de la ville qu'I.K. écouté avec une vive curiosité. Et il apprend que l'habitant N. construit une maison dans la rue principale - Italianskaya; la construction a déjà commencé en l'absence d'I.K., et la maison sera à un étage. I. K. s'est terriblement inquiété : une maison à un étage sur la rue principale ! Immédiatement à son arrivée, n'ayant pas eu le temps de se reposer de la route, il appelle l'habitant N. Il apparaît bien sûr immédiatement. « Vous construisez une maison à un étage ? Honte à toi? Vous êtes un homme riche, que faites-vous ? Tu me gâches la rue !" . Et le laïc N. change docilement le plan et construit une maison à deux étages.
Grâce à lui, le port a été entièrement refait, l'agrandissant et le rendant moderne et pratique pour les navires. Le port de Feodosia a longtemps été considéré comme le plus grand port commercial de Crimée.
Jetée à Feodosia. Milieu du 19ème siècle Musée-réserve national d'histoire, d'architecture et d'art de Vladimir-Souzdal Avec son propre argent, Aivazovsky a construit le bâtiment du musée archéologique (le bâtiment du musée a été détruit par les troupes soviétiques se retirant de la Crimée en 1941) et a fait don d'un théâtre à sa ville natale, plus précisément, c'était une étape dans son galerie d'art.
Au début des années 1890, selon son propre projet et à ses propres frais, Aivazovsky a érigé une fontaine à la mémoire du maire de Feodosia A. I. Kaznacheev (la fontaine a été perdue dans les années 1940).
En 1886, Feodosia a connu une grave pénurie d'eau.
"Ne pouvant continuer à être témoin de la terrible catastrophe dont souffre la population de ma ville natale du manque d'eau d'année en année, je lui donne 50 mille seaux par jour d'eau potable de la source Subash qui m'appartient », écrit-il dans son appel à la Douma de la ville Ivan Aivazovsky en 1887.
La source Subash était située sur le domaine de l'artiste Shah-Mamai, non loin de l'ancienne Crimée, à 25 verstes de Feodosia. En 1887, les travaux de pose d'une conduite d'eau ont commencé, grâce auxquels l'eau est arrivée dans la ville. Dans le parc près du remblai, selon la conception de l'artiste, une fontaine a été construite, à partir de laquelle les résidents locaux ont reçu de l'eau gratuitement. Dans une de ses lettres, Aivazovsky écrit :
"Une fontaine de style oriental est si bonne que ni à Constantinople ni nulle part ailleurs je n'en connais une aussi réussie, surtout dans les proportions."
La fontaine était une copie exacte de la fontaine de Constantinople. Maintenant, la fontaine porte le nom d'Aivazovsky.
En 1880, Aivazovsky a ouvert une salle d'exposition dans sa maison (la célèbre galerie d'art Feodosia), que l'artiste a léguée à sa ville natale.
Je souhaite sincèrement que la construction de ma galerie d'art dans la ville de Feodosia, avec toutes les peintures, statues et autres œuvres d'art de cette galerie, soit la pleine propriété de la ville de Feodosia, et en mémoire de moi, Aivazovsky , je lègue la galerie à la ville de Feodosia, ma ville natale."
Certaines sources affirment que l'artiste a également légué les frais de visite de sa galerie aux pauvres de Feodosian.
Jusqu'à la fin de ses jours, il était occupé par des bourses et des pensions pour les habitants de sa ville, de sorte que la nouvelle de la mort de l'artiste a été perçue comme un chagrin personnel pour des milliers de Feodosians, pour qui Aivazovsky était un être cher - après tous, il baptisa de nombreux enfants et épousa des centaines de filles voisines qui glorifiaient l'artiste, se souvenant de ses faveurs.
La prise de conscience que le «père de la ville», un citoyen, patriote, philanthrope, qui n'avait pas d'égal dans l'histoire de Feodosia, était décédé, est venue un peu plus tard. Tous les magasins étaient fermés ce jour-là. La ville est plongée dans le deuil le plus lourd.
Funérailles d'I.K. Aivazovsky 22 avril 1900 
Funérailles d'I.K. Aivazovsky. Un corbillard et un cortège funèbre à l'extérieur du bâtiment de la galerie d'art. Pendant trois jours, les églises féodosiennes ont pleuré le départ d'Ivan Konstantinovich avec une sonnerie de cloche. La grande salle de la galerie d'art était remplie de nombreuses couronnes funéraires. Pendant trois jours, les gens se sont rendus à la galerie d'art pour honorer la mémoire d'Aivazovsky. Des délégations sont arrivées à Feodosia, y compris celles des diasporas arméniennes.
Le cortège funèbre s'étendait de la maison d'Aivazovsky à l'église arménienne médiévale de St. Sargis, dans la clôture de laquelle l'enterrement a eu lieu. Le choix du lieu de sépulture n'était pas accidentel - il a été légué par l'artiste lui-même, car c'est dans cette église qu'il a été baptisé et les fresques de l'artiste y ont été conservées.
Des voiles de deuil couvraient les lanternes des rues avoisinantes. Et la route elle-même était jonchée de fleurs.
La garnison locale participe aux obsèques, rendant les honneurs militaires au défunt, fait exceptionnel à l'époque. Plus tard, une inscription en arménien apparaîtra sur sa tombe : « Né mortel, il a laissé derrière lui un souvenir immortel.
"C'était un ami de Pouchkine, mais il n'a pas lu Pouchkine"
Ivan Constantinovitch Aïvazovski (1817-1900) La première et unique rencontre de l'artiste avec le grand poète de Russie a eu lieu en 1836. L'artiste n'avait alors que 19 ans. Des années plus tard, Ivan Konstantinovich a rappelé cette réunion :
«... En 1836, trois mois avant sa mort, précisément en septembre, Pouchkine est venu à l'Académie des Arts avec sa femme Natalia Nikolaevna, à notre exposition de peintures de septembre. Ayant appris que Pouchkine était à l'exposition et est allé à la galerie des antiquités, nous, les étudiants, y avons couru et avons entouré notre poète bien-aimé d'une foule. Bras dessus bras dessous avec sa femme, il se tenait devant le tableau de l'artiste Lebedev, peintre paysagiste doué, et le regarda et l'admira longuement. Notre inspecteur de l'académie, Krutov, qui ero accompagnait ... m'a vu, m'a pris par la main et a présenté Pouchkine au fait qu'il recevait alors une médaille d'or (j'ai été diplômé de l'académie cette année-là).
Pouchkine m'a accueilli très affectueusement et m'a demandé où se trouvaient mes peintures... En apprenant que j'étais originaire de Crimée, Pouchkine m'a demandé : « De quelle ville es-tu ? Puis il s'est demandé si j'étais ici depuis longtemps et si j'étais malade dans le nord... Depuis, le poète que j'aimais déjà est devenu le sujet de mes pensées, de mon inspiration et de longues conversations et interrogations à son sujet... "
En février 1837, Pouchkine meurt. Pour le jeune artiste, comparé à l'Académie au brillant Pouchkine, cet événement tragique a été catastrophique. Après tout, ils ont tellement en commun - un cercle d'amis, des intérêts, tous deux ont chanté la nature, la Crimée. Il semblait qu'il y avait tellement de rencontres intéressantes avec Pouchkine lui-même à venir ...
Les premières expériences d'Aivazovsky se sont reflétées dans le tableau "Seashore at Night". L'artiste l'a peint près de Kronstadt. Un jeune homme sur le rivage, tendant les mains vers l'avant, accueillant l'approche de la tempête - C'est le premier hommage d'Aivazovsky à la mémoire de Pouchkine. Plus tard, il consacrera une vingtaine d'autres peintures et dessins au poète. Mais seuls quelques-uns seront les plus célèbres.
Bord de mer la nuit. Au phare. 1837. Galerie d'art Feodosia. I. K. Aivazovsky COMME. Pouchkine en Crimée près des rochers de Gurzuf. 1880
Pouchkine sur la côte de la mer Noire. 1887.
Musée d'art Nikolaïev. VV Vereshchagin, Ukraine COMME. Pouchkine au sommet d'Ai-Petri au lever du soleil. 1899
Musée d'État russe, Saint-Pétersbourg COMME. Pouchkine sur la côte de la mer Noire. 1897
Musée d'art d'Odessa, Ukraine Adieu A.S. Pouchkine avec la mer. 1877
Musée panrusse d'A.S. Pouchkine, Saint-Pétersbourg La photo a été exécutée avec I.E. Répin. Repine a peint Pouchkine, le paysage a été réalisé par Aivazovsky. Le tableau est dédié au 50e anniversaire de la mort du poète. L'intrigue est tirée du poème de Pouchkine - "À la mer". Comme on le sait d'Odessa, Pouchkine a été envoyé en 1824 dans un nouveau lieu d'exil - dans le village de Mikhailovskoye. Le tableau représente le moment d'adieu du poète disgracié avec la mer.
Adieu, mer ! je n'oublierai pas
Ta beauté solennelle
Et pendant longtemps, longtemps j'entendrai
Votre buzz dans les heures du soir.
Dans les forêts, dans les déserts se taisent
Je vais transférer, plein de toi,
Tes rochers, tes baies
Et éclat, et ombre, et le bruit des vagues.
En 1847, à l'occasion du dixième anniversaire de la mort de Pouchkine, Aivazovsky présente son tableau à sa veuve. "Nuit de clair de lune au bord de la mer. Constantinople".
Nuit au clair de lune au bord de la mer. 1847. Galerie d'art Feodosia. IKAivazovsky Malgré la bonne mémoire de Pouchkine, Aivazovsky ne l'a pas lu. Ivan Konstantinovich était absolument indifférent à la lecture en général. Ceci est connu des mots d'un autre génie - A.P. Chekhov:
« 22 juillet, Feodosia. 1888. Hier, je suis allé à Shah-Mamai, domaine d'Aivazovsky, à 25 milles de Feodosia. Le domaine est luxueux, un peu fabuleux ; de tels domaines peuvent probablement être vus en Perse. Aivazovsky lui-même, un vieil homme vigoureux d'environ 75 ans, est un croisement entre une femme arménienne de bonne humeur et un évêque ennuyé; plein de dignité, ses mains sont douces et les servent comme un général. Pas loin, mais la nature est complexe et digne d'attention.
En lui seul, il réunit le général, et l'évêque, et l'artiste, et l'Arménien, et le grand-père naïf, et Othello. Il est marié à une jeune et très belle femme, qu'il garde en hérissons. Familier avec les sultans, les shahs et les émirs. Il a écrit Ruslan et Lyudmila avec Glinka. C'était un ami de Pouchkine, mais il n'a pas lu Pouchkine. Il n'a pas lu un seul livre de sa vie. Lorsqu'on lui propose de lire, il dit: "Pourquoi devrais-je lire si j'ai mes propres opinions?" Je suis resté avec lui toute la journée et j'ai dîné...
Origine orientale de l'artiste
Autoportrait. 1874. Galerie des Offices, Florence, Italie Sur le net, vous pouvez trouver de nombreux avis concernant l'origine de l'artiste. Les Russes l'appellent un artiste russe, les Arméniens l'appellent un artiste russe d'origine arménienne, et seulement, semble-t-il, personne n'a jamais demandé l'avis des Turcs. Cependant, je suis sûr que les Turcs prouveront obstinément l'origine orientale d'Aivazovsky. Et à certains égards, ils auront même raison.
Le fait est qu'immédiatement après la mort de l'artiste, en 1901, livre "Mémoires d'Aivazovsky" , dont l'auteur est un ami contemporain et dévoué d'I.K. Aivazovsky Nikolay Kuzmin. Déjà sur sa deuxième page, vous pouvez trouver une histoire sur l'origine de l'artiste :
«Le sang turc coulait dans les veines d'Aivazovsky, bien que pour une raison quelconque, il était de coutume que nous le considérions toujours comme un Arménien de sang, probablement en raison de sa sympathie constante pour les malheureux Arméniens, qui s'est intensifiée après les massacres, la violence et les vols en Anatolie et à Constantinople. , qui a horrifié tout le monde, a atteint son paroxysme, l'obligeant à faire secrètement du bien aux opprimés avec une large main et à s'indigner bruyamment de l'inaction de l'Europe, qui n'a pas voulu s'immiscer dans ce massacre.
I. K. Aivazovsky lui-même a rappelé une fois son origine, dans le cercle de sa famille, la légende suivante intéressante et, par conséquent, assez fiable. L'histoire présentée ici a été enregistrée à l'origine à partir de ses paroles et est conservée dans les archives familiales de l'artiste.
«Je suis né dans la ville de Feodosia en 1817, mais la vraie patrie de mes proches ancêtres, mon père, était loin d'ici, pas en Russie. Qui aurait pensé que la guerre - ce fléau destructeur de tout, a servi à assurer que ma vie soit préservée et que j'ai vu la lumière et que je sois né précisément sur les rives de ma mer Noire bien-aimée. Et pourtant c'était ainsi. En 1770, l'armée russe, dirigée par Rumyantsev, assiège Bendery. La forteresse fut prise, et les soldats russes, irrités par la résistance obstinée et la mort de leurs camarades, se dispersèrent dans la ville et, n'écoutant que le sentiment de vengeance, n'épargnèrent ni le sexe ni l'âge.
Parmi leurs victimes se trouvait le secrétaire du pacha de Bendery. Mortellement frappé par un grenadier russe, il mourut d'une hémorragie, serrant dans ses bras un bébé qui préparait le même sort. La baïonnette russe était déjà levée sur le jeune Turc, lorsqu'un Arménien lui tendit la main punitive avec une exclamation : "Arrêt! C'est mon fils! C'est un chrétien !" Un noble mensonge a servi à sauver, et l'enfant a été épargné. Cet enfant était mon père. Le bon Arménien n'a pas mis fin à sa bienfaisance avec cela, il est devenu le deuxième père d'un orphelin musulman, le baptisant sous le nom de Konstantin et lui donnant le nom de famille Gayvazovsky, du mot Gayzov, qui en turc signifie secrétaire.
Ayant longtemps vécu avec son bienfaiteur en Galice, Konstantin Aivazovsky s'est finalement installé à Feodosia, où il a épousé une belle jeune sudiste, également arménienne, et s'est d'abord engagé dans des opérations commerciales réussies "...
Le vrai nom de l'artiste est Hovhannes Ayvazyan . Le père du futur maître, Konstantin (Gevorg), arménien d'origine, après avoir déménagé à Feodosia, a écrit un nom de famille à la polonaise: « Gaivazovsky" . Jusque dans les années 1940, on pouvait même voir la signature "Guy" dans les peintures du maître - une abréviation du nom de famille. Mais en 1841, l'artiste changea finalement de nom de famille et devint officiellement Ivan Konstantinovich Aivazovsky.
Le tableau le plus cher d'Ivan Aivazovsky:
Vue de Constantinople et du Bosphore. 1856. Collection privée "Vue de Constantinople et du Bosphore" est aujourd'hui dans une collection privée. En 2012, le tableau a été vendu pour 3,23 millions de livres sterling.
Le tableau est allé à un acheteur anonyme par téléphone après une intense vente aux enchères dans la salle. Dans le même temps, le prix final était presque trois fois supérieur à la limite inférieure de l'estimation - les experts de Sotheby's ont estimé Aivazovsky à 1,2-1,8 million de livres.
Aivazovsky a visité Constantinople pour la première fois en 1845 en tant qu'artiste officiel de l'Amirauté russe. L'artiste a abordé à plusieurs reprises le thème de cette ville, il a des peintures avec des vues de Sainte-Sophie et de la baie de la Corne d'Or, mais la plupart d'entre elles ne sont pas très grandes. Cette œuvre est une toile assez monumentale.
Il est à noter que « la vue de Constantinople et de la baie du Bosphore, qui dépeint la vie animée du port avec la mosquée Tophane Nusretiye, a été restaurée par l'artiste de mémoire.
Pour le 200e anniversaire d'Ivan Aivazovsky, une merveilleuse publication en ligne sur l'art Arthive fait revivre les toiles du grand peintre de marine. Qu'est-ce qui en est sorti, voyez par vous-même:
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Ivan Konstantinovich Aivazovsky (Arm. Հովհաննես ޱյվազյան, Hovhannes Ayvazyan; 17 juillet 1817, Feodosia - 19 avril 1900, ibid.) - Peintre de marine russe, peintre de bataille, collectionneur, philanthrope. Peintre de l'état-major principal de la marine, académicien et membre honoraire de l'Académie impériale des arts, membre honoraire des académies des arts d'Amsterdam, Rome, Paris, Florence et Stuttgart.
L'artiste le plus remarquable d'origine arménienne du XIXe siècle.
Frère de l'historien arménien et archevêque de l'Église apostolique arménienne Gabriel Aivazovsky.
Hovhannes (Ivan) Konstantinovich Aivazovsky est né dans une famille arménienne d'un marchand Gevork (Konstantin) et Hripsime Ayvazyan. Le 17 (29) juillet 1817, le prêtre de l'église arménienne de la ville de Feodosia nota que Konstantin (Gevorg) Aivazovsky et sa femme Hripsime étaient nés "Hovhannes, le fils de Gevork Ayvazyan". Les ancêtres d'Aivazovsky étaient des Arméniens qui ont déménagé en Galice depuis l'Arménie occidentale au 18ème siècle. Le nom du grand-père de l'artiste était Grigor Ayvazyan et sa grand-mère était Ashkhen. On sait que ses proches possédaient de grandes propriétés foncières dans la région de Lvov, mais aucun document décrivant plus précisément l'origine d'Aivazovsky n'a été conservé. Son père Konstantin (Gevorg) et après avoir déménagé à Feodosia a écrit un nom de famille à la manière polonaise: "Gayvazovsky" (le nom de famille est une forme polonisée du nom de famille arménien Ayvazyan). Aivazovsky lui-même dans son autobiographie dit à propos de son père qu'en raison d'une querelle avec ses frères dans sa jeunesse, il a déménagé de Galice vers les principautés danubiennes (Moldavie, Valachie), où il s'est engagé dans le commerce, et de là à Feodosia.
Certaines publications de toute une vie consacrées à Aivazovsky transmettent, d'après ses paroles, une tradition familiale selon laquelle il y avait des Turcs parmi ses ancêtres. Selon ces publications, le défunt père de l'artiste lui aurait dit que l'arrière-grand-père de l'artiste (selon Bludova, sur la lignée féminine) était le fils d'un chef militaire turc et, enfant, lors de la prise d'Azov par les troupes russes ( 1696), a été sauvé de la mort par un certain Arménien qui a baptisé et adopté (option - un soldat).
Après la mort de l'artiste (en 1901), son biographe N. N. Kuzmin a raconté la même histoire dans son livre, mais à propos du père de l'artiste, se référant à un document anonyme dans les archives d'Aivazovsky ; cependant, aucune preuve n'existe pour la véracité de cette légende.
Le père de l'artiste, Konstantin Grigoryevich Aivazovsky (1771-1841), après avoir déménagé à Feodosia, a épousé une femme arménienne locale Hripsima (1784-1860), et de ce mariage sont nés trois filles et deux fils - Hovhannes (Ivan) et Sargis (plus tard dans le monachisme - Gabriel) . Au départ, l'entreprise d'Aivazovsky a réussi, mais lors de la peste de 1812, il a fait faillite.
Ivan Aivazovsky dès l'enfance a découvert en lui-même des capacités artistiques et musicales; en particulier, il a appris seul à jouer du violon. L'architecte théodosien Yakov Khristianovich Kokh, qui a été le premier à prêter attention aux capacités artistiques du garçon, lui a donné les premières leçons d'artisanat. Yakov Khristianovich a également aidé le jeune Aivazovsky de toutes les manières possibles, lui donnant périodiquement des crayons, du papier et des peintures. Il a également recommandé de prêter attention au jeune talent du maire de Feodosia Alexander Ivanovich Kaznacheev. Après avoir obtenu son diplôme de l'école du district de Feodosia, Aivazovsky a été inscrit au gymnase de Simferopol avec l'aide de Kaznacheev, qui à l'époque était déjà un admirateur du talent du futur artiste. Ensuite, Aivazovsky a été admis aux frais de l'État à l'Académie impériale des arts de Saint-Pétersbourg.
Aivazovsky est arrivé à Pétersbourg le 28 août 1833. Au départ, il a étudié dans la classe de paysage avec Maxim Vorobyov. En 1835, pour les paysages "Vue du bord de mer aux environs de Saint-Pétersbourg" et "Étude de l'air au-dessus de la mer", il reçoit une médaille d'argent et est nommé assistant du peintre marin français à la mode Philip Tanner. Étudiant avec Tanner, Aivazovsky, malgré l'interdiction de ce dernier de travailler de manière indépendante, continue à peindre des paysages et présente cinq tableaux à l'exposition d'automne de l'Académie des Arts en 1836. Les œuvres d'Aivazovsky ont reçu des critiques favorables de la part des critiques. Tanner s'est plaint d'Aivazovsky à Nicolas Ier et, sur ordre du tsar, toutes les peintures d'Aivazovsky ont été retirées de l'exposition. L'artiste n'a été pardonné que six mois plus tard et affecté à la classe de peinture de bataille du professeur Alexander Ivanovich Sauerweid pour étudier la peinture militaire navale. Après avoir étudié dans la classe de Sauerweid pendant quelques mois seulement, en septembre 1837, Aivazovsky reçut la grande médaille d'or pour le tableau Calme. Compte tenu du succès particulier d'Aivazovsky dans l'enseignement, une décision inhabituelle pour l'académie a été prise - de libérer Aivazovsky de l'académie deux ans plus tôt que prévu et de l'envoyer en Crimée pendant ces deux ans pour un travail indépendant, et après cela - sur une entreprise voyage à l'étranger pendant six ans.
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