Se hai una relazione tossica con la persona amata. Relazioni tossiche: chi le crea, come "curarle"? Chi e 'questa gente? E perché compaiono nella tua vita

Ivan Aivazovsky. Aul Gunib in Daghestan.
Vista dal lato est.
1867. Olio su tela.

Nel 1868 Aivazovsky intraprese un viaggio nel Caucaso. Dipinse le pendici del Caucaso con una catena di perle di montagne innevate all'orizzonte, panorami di catene montuose che si estendono in lontananza come onde pietrificate, la gola di Darial e il villaggio di Gunib, sperduto tra le montagne rocciose, l'ultimo nido di Shamil . In Armenia dipinse il lago Sevan e la valle dell'Ararat. Ha creato diversi bellissimi dipinti raffiguranti le montagne del Caucaso dalla costa orientale del Mar Nero.

Ivan Aivazovsky e Ilya Repin. Puskin in riva al mare
(L'addio di Pushkin al Mar Nero).
1887. Olio su tela.
Museo centrale Puskin. Puskin, Russia.

Da una serie di grandi maestri del pennello, apparve un maestro che dedicò tutto il suo talento all '"elemento libero", come Pushkin soprannominò il mare, e divenne il suo devoto cantante. Questo maestro era Ivan Aivazovsky.

In una delle mostre accademiche a San Pietroburgo (1836), due artisti si incontrarono: un artista di penna e un artista di pennello. La conoscenza di Alexander Sergeevich Pushkin ha lasciato un'impressione indelebile sul giovane Aivazovsky. "Da allora, il poeta che già amavo è diventato il soggetto dei miei pensieri, ispirazione e lunghe conversazioni e storie su di lui", ha ricordato l'artista. Pushkin ha parlato con grande approvazione del lavoro di uno studente di talento dell'Accademia delle arti. 

Aivazovsky ha adorato per tutta la vita il talento del più grande poeta russo, dedicandogli un intero ciclo di dipinti in seguito (intorno al 1880). In essi univa la poesia del mare con l'immagine del poeta.

Il dipinto Addio al Mar Nero di AS Pushkin è stato creato nell'anno del cinquantesimo anniversario della morte di AS Pushkin. Aivazovsky ha lavorato a questa immagine in collaborazione con Ilya Efimovich Repin. Repin ha dipinto la figura di Pushkin in questa immagine, Aivazovsky ha dipinto lo sfondo del paesaggio. Questo è uno dei migliori dipinti sul tema Pushkin.

Nello stesso anno, un altro dipinto di Pushkin fu dipinto sulla costa del Mar Nero. Più tardi, nel 1899, Aivazovsky dipinse un'immagine di Pushkin in Crimea vicino alle rocce di Gurzuf.

Ivan Aivazovsky. Pushkin sulla costa del Mar Nero.
1887. Olio su tela.
Museo d'Arte Nikolaev
loro. V. Vereschagin, Russia.

In una delle mostre accademiche a San Pietroburgo (1836), due artisti si incontrarono: un artista di penna e un artista di pennello. La conoscenza di Alexander Sergeevich Pushkin ha lasciato un'impressione indelebile sul giovane Aivazovsky. "Da allora, il poeta che già amavo è diventato il soggetto dei miei pensieri, ispirazione e lunghe conversazioni e storie su di lui", ha ricordato l'artista. Pushkin ha parlato con grande approvazione del lavoro di uno studente di talento dell'Accademia delle arti.

Aivazovsky ha adorato per tutta la vita il talento del più grande poeta russo, dedicandogli un intero ciclo di dipinti in seguito (intorno al 1880). In essi univa la poesia del mare con l'immagine del poeta. Il dipinto Pushkin sul Mar Nero è stato creato nell'anno del cinquantesimo anniversario della morte di AS Pushkin. Nello stesso anno ne fu scritto un altro - uno dei migliori dipinti sul tema Pushkin - Addio al Mar Nero di A.S. Pushkin, su cui I.K. Aivazovsky ha lavorato in collaborazione con I.E. Repin. (Repin ha dipinto la figura di Pushkin in questa immagine, Aivazovsky ha dipinto lo sfondo del paesaggio).

Più tardi, nel 1899, Aivazovsky dipinse un'immagine di Pushkin in Crimea vicino alle rocce di Gurzuf.

Ivan Aivazovsky. Pushkin in Crimea vicino alle rocce di Gurzuf.
1899. Olio su tela.
Museo d'Arte di Odessa, Odessa, Ucraina.

Aivazovsky aveva il suo sistema consolidato di lavoro creativo. “Un pittore che copia solo la natura”, diceva, “diventa suo schiavo... I movimenti degli elementi viventi sono inafferrabili per il pennello: la scrittura di fulmini, una folata di vento, uno scroscio di un'onda è impensabile dalla natura.. Un artista li deve memorizzare... La trama dei dipinti si forma nella mia memoria, come al poeta, fatto uno schizzo su un foglio, mi metto al lavoro e fino ad allora non lascio la tela finché non avrò esprimo su di esso con un pennello ... "

Il confronto tra i metodi di lavoro dell'artista e del poeta non è qui casuale. La poesia di AS Pushkin ha avuto una grande influenza sulla formazione dell'opera di Aivazovsky, quindi le stanze di Pushkin appaiono spesso nella nostra memoria prima dei dipinti di Aivazovsky. L'immaginazione creativa di Aivazovsky nel processo di lavoro non è stata vincolata da nulla. Creando le sue opere, si è affidato solo alla sua memoria visiva davvero straordinaria e alla sua immaginazione poetica.

Aivazovsky ha adorato per tutta la vita il talento del più grande poeta russo, dedicandogli un intero ciclo di dipinti in seguito (intorno al 1880). L'immagine di Pushkin in Crimea vicino alle rocce di Gurzuf fu dipinta nel 1899, e prima ancora, nel 1887, nell'anno del cinquantesimo anniversario della morte di A. S. Pushkin, due meravigliosi dipinti di Pushkin sulla costa del Mar Nero e A. S. Pushkin Addio sono stati creati con il Mar Nero.

Ivan Aivazovsky. Arcobaleno.
1873. Olio su tela.

Nel 1873, Aivazovsky creò l'eccezionale dipinto Arcobaleno. Nella trama di questa immagine - una tempesta in mare e una nave che muore vicino a una costa rocciosa - non c'è nulla di insolito per il lavoro di Aivazovsky. Ma la sua gamma colorata, l'esecuzione pittoresca era un fenomeno completamente nuovo nella pittura russa degli anni Settanta. Raffigurando questa tempesta, Aivazovsky la mostrò come se fosse lui stesso tra le onde furiose. Un uragano spazza via la nebbia dalle loro creste. Come in un turbine impetuoso, la sagoma di una nave che affonda ei contorni indistinti di una costa rocciosa sono appena visibili.

Le nuvole nel cielo si dissolsero in un velo umido e trasparente. In questo caos si fece strada un flusso di luce solare, che si adagiò come un arcobaleno sull'acqua, conferendo al colore dell'immagine una colorazione multicolore. L'intera immagine è scritta nelle migliori sfumature di blu, verde, rosa e viola. Gli stessi toni, leggermente esaltati nel colore, trasmettono l'arcobaleno stesso. Sfarfalla con un miraggio appena percettibile. Da questo, l'arcobaleno ha acquisito quella trasparenza, morbidezza e purezza di colore, che sempre delizia e incanta nella natura. Il dipinto "Rainbow" era un nuovo livello superiore nel lavoro di Aivazovsky.

Per quanto riguarda uno di questi dipinti di Aivazovsky F.M. Dostoevskij ha scritto: "La tempesta ... del signor Aivazovsky ... è straordinariamente buona, come tutte le sue tempeste, e qui è un maestro - senza rivali ... C'è estasi nella sua tempesta, c'è quella bellezza eterna che stupisce lo spettatore in una vera e propria tempesta..."

Ivan Aivazovsky. Pescatori in riva al mare.
1852. Olio su tela.

"Il mare è la mia vita", ha detto l'artista. Aveva la capacità di trasmettere il movimento e il respiro del mare.

Aivazovsky ha amato il mare fin dall'infanzia ed è riuscito a creare un'immagine veritiera e poetica degli elementi sconfinati, la cui percezione romantica è sempre rimasto fedele.

Il maestro si distinse per un insolito pensiero pittorico. Sulla tela, l'artista crea combinazioni luminose che stupiscono con il loro magnifico suono decorativo. Percepisci tali opere come una sinfonia di colori, come un canto alla bellezza. "Se vivessi altri trecento anni", ha detto l'artista, "troverei sempre qualcosa di nuovo nel mare".

Spesso nei dipinti di Aivazovsky puoi vedere persone che ammirano la maestosa bellezza della natura. L'artista vede nell'uomo una parte integrante dell'universo. I suoi personaggi romantici "fittizi" sono autoritratti a modo loro.

L'artista ha scoperto il suo metodo per disegnare a memoria, anche senza schizzi, limitandosi a schizzi a matita solo sommari. Giustificando questo metodo, l'artista ha affermato: "I movimenti degli elementi viventi sono sfuggenti per il pennello: la scrittura di fulmini, una folata di vento, uno schizzo di un'onda è impensabile dalla natura".

Da bambino, ha giocato sulle rive della sua nativa Feodosia e fin dall'infanzia il gioco color smeraldo delle onde del Mar Nero è affondato nella sua anima. Successivamente, per quanto dipinse i mari, ottenne comunque acque verde chiaro con pizzi viola di schiuma, caratteristici del suo nativo Eusino Ponto. Le impressioni più vivide erano legate al mare; probabilmente è per questo che ha dedicato tutto il suo lavoro all'immagine del mare. Con uguale potenza, poteva trasmettere la brillantezza dei raggi del sole che scintillavano sull'acqua, la trasparenza della profondità del mare e la spuma bianca come la neve delle onde. 

Le opere di Aivazovsky si sono distinte tra le opere dei pittori contemporanei per le loro qualità coloristiche. Negli anni '40 dell'Ottocento, durante una mostra a Berlino, un recensore di un quotidiano locale spiegò l'aumento del suono del colore nelle opere dell'artista russo dal fatto che era sordo e muto, e questa mancanza fu compensata da una visione accresciuta.

Critico rigoroso I.N. Kramskoy scrisse a PM Tretyakov: "Aivazovsky probabilmente ha il segreto per comporre i colori, e anche i colori stessi sono segreti; non ho visto toni così luminosi e puri nemmeno sugli scaffali dei negozi di Muscat".

Aivazovsky fu influenzato dai pittori marini olandesi del XVII secolo, arrivò alla tecnica pittorica "acquerello", quando il colore è sovrapposto alla tela in sottili strati sovrapposti. Ciò ha permesso di trasmettere le gradazioni tonali di colore più insignificanti.

Aivazovsky iniziò a dipingere un quadro, raffigurante il cielo, o come lo chiamava dal suo insegnante all'Accademia delle arti M. N. Vorobyov - aria. Qualunque sia la dimensione della tela, Aivazovsky ha scritto "aria" in una sessione, anche se si estendeva fino a 12 ore di seguito. È stato con uno sforzo così titanico che è stata raggiunta la trasmissione dell'ariosità e dell'integrità della combinazione di colori del cielo. Il desiderio di completare il quadro il più rapidamente possibile era dettato dal desiderio di non perdere l'unità dell'umore del motivo, di trasmettere allo spettatore un momento fermo della vita di un elemento marino in movimento. L'acqua nei suoi dipinti è un oceano infinito, non tempestoso, ma ondeggiante, aspro, infinito. E il cielo, se possibile, ancora più infinito.

"La trama del quadro", ha detto l'artista, "si forma nella mia memoria, come la trama di una poesia di un poeta; dopo aver fatto uno schizzo su un pezzo di carta, mi metto al lavoro e non lascio la tela fino a quando Mi esprimo su di esso con il mio pennello.

Parlando dei suoi dipinti, Aivazovsky ha osservato: "Quei dipinti in cui la forza principale è la luce del sole ... devono essere considerati i migliori".

Mare azzurro:
1843.

Tela, olio.

Pescatori in riva al mare.

1852. Olio su tela.

Galleria Nazionale dell'Armenia, Yerevan, Armenia.

Mare calmo

1863. Olio su tela.

Galleria Nazionale dell'Armenia, Yerevan, Armenia.

Ivan Aivazovsky. Battaglia sinopica. La notte dopo la battaglia.
1853. Olio su tela.
Museo Navale Centrale, San Pietroburgo, Russia.

Un posto speciale nell'eredità di Aivazovsky è occupato dalle opere dedicate alle gesta della flotta russa, che ne costituirono la cronaca storica originaria, a partire dalle battaglie dell'epoca di Pietro I e terminando con gli eventi contemporanei della guerra di Crimea del 1853 -1856 e il russo-turco 1877-1878 per la liberazione dei Balcani. Dal 1844 Aivazovsky era un pittore dello stato maggiore della marina.

Il 18 novembre 1853, durante la guerra di Crimea del 1853-1856, ebbe luogo una battaglia navale tra gli squadroni russo e turco nella baia di Sinop. Lo squadrone turco di Osman Pasha lasciò Costantinopoli per un'operazione di sbarco nella regione di Sukhum-Kale e fece scalo nella baia di Sinop. La flotta russa del Mar Nero aveva il compito di prevenire le azioni attive del nemico. Uno squadrone al comando del vice ammiraglio PS Nakhimov (3 corazzate) durante il servizio di crociera scoprì lo squadrone turco e lo bloccò nella baia. È stato chiesto aiuto a Sebastopoli. Al momento della battaglia, lo squadrone russo aveva 6 corazzate e 2 fregate, e lo squadrone turco aveva 7 fregate, 3 corvette, 2 fregate a vapore, 2 brigantini, 2 trasporti. I russi avevano 720 cannoni e i turchi - 510. A seguito della battaglia, durata 4 ore, l'intera flotta turca (ad eccezione del piroscafo Taif) fu distrutta. I turchi hanno perso più di 3mila persone uccise e annegate, circa 200 persone. furono catturati (compreso il comandante della flotta). I russi hanno perso 37 persone. uccisi e 235 feriti. Con la vittoria nella baia di Sinop, la flotta russa ottenne il dominio completo nel Mar Nero e sventò i piani per lo sbarco dei turchi nel Caucaso.

Non appena la voce sulla battaglia di Sinop raggiunse Aivazovsky, andò immediatamente a Sebastopoli, chiese ai partecipanti alla battaglia tutte le circostanze del caso. Presto furono esposti a Sebastopoli due dipinti di Aivazovsky, raffiguranti la battaglia di Sinop di notte e durante il giorno. Questi erano i dipinti della battaglia navale di Sinop il 18 novembre 1853 e della battaglia di Sinop. La notte dopo la battaglia.

La mostra è stata visitata dall'ammiraglio Nakhimov; apprezzando molto il lavoro di Aivazovsky, in particolare il quadro della battaglia di Sinop. La notte dopo la battaglia. Ha detto: "L'immagine è estremamente ben fatta".

Dopo aver visitato l'assediata Sebastopoli, Aivazovsky dipinse anche una serie di dipinti dedicati all'eroica difesa della città.

Ivan Aivazovsky. Mare calmo.
1863. Olio su tela.
Galleria Nazionale dell'Armenia, Yerevan, Armenia.

Il mare era il suo elemento. Solo a lui è stata aperta l'anima dell'artista. Ogni volta in piedi al cavalletto, Aivazovsky ha dato libero sfogo alla sua immaginazione. E la tela incarnava esattamente ciò che vedeva in anticipo con il suo occhio interiore.

Così, Aivazovsky è entrato nell'arte contemporanea, guidato dalle sue stesse leggi della visione artistica del mondo. Il pensiero artistico del maestro è decorativo; è dovuto alla sua infanzia, al suo sangue, al suo lignaggio. La decoratività non interferisce affatto, ma contribuisce ad Aivazovsky nelle sue precise caratteristiche emotive del raffigurato. La perfezione del risultato è raggiunta dal virtuosismo delle più straordinarie sfumature tonali. Qui non ha eguali, per questo è stato paragonato a Paganini. Aivazovsky - maestro del suono. I canoni della scuola europea da lui assimilati si sovrappongono al suo naturale estro decorativo puramente nazionale. Questa unità dei due principi consente all'artista di ottenere una saturazione così convincente dell'atmosfera luce-aria e un'armonia cromatica melodiosa. Forse è proprio nell'unicità di una tale fusione che risiede il fascino magico dei suoi dipinti.

Ivan Aivazovsky. Tra le onde.
1898. Olio su tela.
Galleria d'arte Aivazovsky, Feodosiya, Ucraina.

In continua comunicazione con il mare - simbolo di libertà, spazio - è trascorsa una lunga e gloriosa vita del maestro. E il mare, ora calmo, ora turbolento o tempestoso, gli regalava generosamente una ricchezza inesauribile di impressioni. Aivazovsky dipinse il quadro Among the Waves, che era l'apice del suo lavoro, quando aveva 80 anni.

“Sopra l'abisso, onde grigie furiose si precipitano. Sono immensi, si precipitano verso l'alto con rabbia, ma nuvole nere e di piombo, spinte da un vento di tempesta, incombono sull'abisso, e qui, come in un minaccioso calderone infernale, gli elementi dominano. Il mare è spumeggiante, spumeggiante, spumeggiante. Le creste dell'albero brillano. Non una sola anima vivente, nemmeno un uccello libero, osa vedere la tempesta dilagante... Deserta...

Solo un grande artista potrebbe vedere e ricordare questo momento veramente planetario in cui credi nell'esistenza primordiale della nostra Terra. E attraverso il ruggito e il ruggito della tempesta, un raggio di sole irrompe con una tranquilla melodia di gioia, e da qualche parte in lontananza una stretta striscia di luce brilla ”(I.V. Dolgopolov).

L'artista ha raffigurato un elemento infuriato: un cielo in tempesta e un mare in tempesta coperto di onde, come se ribollissero in collisione l'uno con l'altro. Ha abbandonato i soliti dettagli nei suoi dipinti sotto forma di frammenti di alberi e navi morenti perse nel mare sconfinato. Conosceva molti modi per drammatizzare le trame dei suoi dipinti, ma non ricorreva a nessuno di essi mentre lavorava a questo lavoro. Tra le onde, per così dire, il Mar Nero continua a svelare nel tempo il contenuto del quadro: se in un caso è raffigurato un mare agitato, nell'altro già infuria, nel momento del massimo formidabile stato della elemento marino. La maestria del dipinto Tra le onde è il frutto di un lungo e faticoso lavoro di tutta la vita dell'artista. Il lavoro su di esso è proceduto rapidamente e facilmente. Obbediente alla mano dell'artista, il pennello scolpiva esattamente la forma che l'artista voleva, e stendeva il colore sulla tela come l'esperienza dell'abilità e l'istinto di un grande artista, che non correggeva la pennellata una volta , lo ha spinto.

Apparentemente, lo stesso Aivazovsky era consapevole che il dipinto Among the Waves è molto più alto in termini di esecuzione di tutte le opere precedenti degli ultimi anni. Nonostante dopo la sua creazione abbia lavorato per altri due anni, organizzato mostre delle sue opere a Mosca, Londra e San Pietroburgo, non ha preso questo dipinto fuori da Feodosia, lo ha lasciato in eredità, insieme ad altre opere che erano nel suo galleria d'arte, nella sua città natale di Feodosia.

Fino alla vecchiaia, fino agli ultimi giorni della sua vita, Aivazovsky era pieno di nuove idee che lo eccitavano come se non fosse un maestro ottantenne di grande esperienza che dipinse seimila dipinti, ma un giovane artista alle prime armi che aveva appena intrapreso la strada dell'art. Per la vivace natura attiva dell'artista e per i sentimenti schietti conservati, la sua risposta alla domanda di uno dei suoi amici è caratteristica: quale di tutti i dipinti dipinti dal maestro stesso considera il migliore. "Quello", rispose senza esitazione Aivazovsky, "che si trova sul cavalletto nell'officina, che ho iniziato a dipingere oggi ..."

Nella sua corrispondenza degli ultimi anni ci sono versi che parlano della profonda eccitazione che ha accompagnato il suo lavoro. Alla fine di una grande lettera commerciale del 1894 ci sono queste parole: "Perdonami se scrivo su pezzi (di carta). Sto dipingendo un grande quadro e sono terribilmente preoccupato". In un'altra lettera (1899): "Ho scritto molto quest'anno. 82 anni mi fanno sbrigare..." Aveva l'età in cui era chiaramente consapevole che il suo tempo stava finendo, ma continuò a lavorare con sempre- crescente energia.

Ivan Aivazovsky. Nave che affonda.
1854. Papier pellet, matita di grafite, matita colorata, graffiato.
Museo Statale Russo, San Pietroburgo, Russia.

Parlando dell'opera di Aivazovsky, non si può fare a meno di soffermarsi sulla grande eredità grafica lasciata dal maestro.

Una delle migliori opere grafiche dell'artista è l'immagine della nave che affonda.

Durante la sua lunga vita, Aivazovsky fece numerosi viaggi: visitò più volte l'Italia, Parigi e altre città europee, lavorò nel Caucaso, salpò verso le coste dell'Asia Minore, fu in Egitto e, alla fine della sua vita, in 1898, fece un lungo viaggio in America. Durante i viaggi per mare, arricchisce le sue osservazioni e i disegni si accumulano nelle sue cartelle.

Aivazovsky ha sempre dipinto molto e volentieri. I suoi disegni sono di grande interesse sia per l'esecuzione artistica che per la comprensione del metodo creativo dell'artista. Tra i disegni a matita, spiccano per la loro matura abilità opere risalenti agli anni Quaranta, al tempo del viaggio accademico del 1840-1844 e della navigazione al largo delle coste dell'Asia Minore e dell'Arcipelago nell'estate del 1845.

Negli anni '40 dell'Ottocento, Aivazovsky lavorò a lungo nella Russia meridionale, principalmente in Crimea. Lì ha creato una serie grafica di viste sul mare in tecnica seppia. L'artista fece uno schizzo leggero del paesaggio con una matita di grafite e poi lo dipinse in seppia, il cui colore brunastro variava leggermente da saturo a chiaro, completamente trasparente. Per trasmettere la brillantezza della superficie dell'acqua o della schiuma del mare, l'artista usava spesso la calce o graffiava lo strato superiore di carta appositamente preparata, che creava un ulteriore effetto di luce. Una di queste opere Veduta della città di Nikolaev si trova nel Museo Statale Russo di San Pietroburgo.

I disegni di questo poro sono armoniosi in termini di distribuzione compositiva delle masse e si distinguono per una rigorosa elaborazione dei dettagli. Le grandi dimensioni del foglio e la completezza grafica parlano della grande importanza che Aivazovsky attribuiva ai disegni realizzati dalla natura. Queste erano principalmente immagini di città costiere. Con una grafite dura e tagliente, Aivazovsky dipinse edifici cittadini aggrappati alle sporgenze delle montagne, che si allontanavano in lontananza, o singoli edifici che gli piacevano, componendoli in paesaggi. Usando i mezzi grafici più semplici - una linea, quasi senza usare il chiaroscuro, ha ottenuto i migliori effetti e un'accurata trasmissione di volume e spazio. I disegni che realizzava durante i suoi viaggi lo hanno sempre aiutato nel suo lavoro creativo. Nella sua giovinezza, usava spesso i disegni per comporre dipinti senza alcuna modifica. Successivamente, li ha elaborati liberamente e spesso lo hanno servito solo come primo impulso per l'attuazione di idee creative. La seconda metà della vita di Aivazovsky comprende un gran numero di disegni realizzati in modo ampio e libero. Nell'ultimo periodo della sua attività creativa, quando Aivazovsky disegnava gli schizzi dei suoi viaggi, iniziò a disegnare liberamente, riproducendo con una linea tutte le curve della forma, sfiorando spesso a malapena la carta con una matita morbida. I suoi disegni, avendo perso il loro precedente rigore grafico e nitidezza, acquisirono nuove qualità pittoriche.

Quando il metodo creativo di Aivazovsky si è cristallizzato e si è accumulata una vasta esperienza e abilità creative, si è verificato un notevole cambiamento nel processo del lavoro dell'artista, che ha influenzato i suoi disegni preparatori. Ora crea uno schizzo del lavoro futuro dalla sua immaginazione e non da un disegno naturale, come faceva nel primo periodo della creatività. Non sempre, ovviamente, Aivazovsky si è subito accontentato della soluzione trovata nello schizzo. Esistono tre versioni dello schizzo per il suo ultimo dipinto "Esplosione della nave". Ha cercato la migliore soluzione compositiva anche nel formato del disegno: due disegni sono stati realizzati in un rettangolo orizzontale e uno in verticale. Tutti e tre sono realizzati con un tratto superficiale, trasmettendo lo schema della composizione. Tali disegni, per così dire, illustrano le parole di Aivazovsky relative al metodo del suo lavoro: "Dopo aver abbozzato un piano dell'immagine che ho concepito con una matita su un pezzo di carta, mi sono messo al lavoro e, per così dire, do me stesso con tutto il mio cuore". La grafica di Aivazovsky arricchisce ed amplia la nostra comprensione familiare del suo lavoro e del suo peculiare metodo di lavoro. Per le opere grafiche, Aivazovsky ha utilizzato una varietà di materiali e tecniche.

Gli anni Sessanta comprendono una serie di acquerelli finemente dipinti, realizzati in un colore: seppia. Usando di solito un leggero riempimento del cielo con vernice altamente diluita, delineando a malapena le nuvole, toccando leggermente l'acqua, Aivazovsky disegnò ampiamente il primo piano, in un tono scuro, dipinse le montagne sullo sfondo e dipinse una barca o una nave sull'acqua in un profondo tono seppia. Con mezzi così semplici, a volte trasmetteva tutto il fascino di una luminosa giornata di sole sul mare, il rotolamento di un'onda trasparente sulla riva, lo splendore di nuvole leggere sulla distanza del mare profondo. In termini di altezza di abilità e sottigliezza dello stato di natura trasmesso, tale seppia di Aivazovsky va ben oltre la solita idea di schizzi ad acquerello.

Nel 1860, Aivazovsky dipinse questo tipo di bellissimo seppia "Il mare dopo la tempesta". Apparentemente Aivazovsky era soddisfatto di questo acquerello, poiché lo ha inviato come regalo a P.M. Tret'jakov. Aivazovsky ha ampiamente utilizzato la carta patinata, disegnando su cui ha raggiunto l'abilità del virtuoso. Questi disegni includono "The Tempest", creato nel 1855. Il disegno è stato realizzato su carta, colorato nella parte superiore di rosa caldo, e nella parte inferiore di grigio acciaio. Con vari metodi per graffiare lo strato di gesso colorato, Aivazovsky ha veicolato bene la schiuma sulle creste dell'onda e il bagliore sull'acqua. Aivazovsky ha anche disegnato magistralmente con penna e inchiostro.

Ivan Aivazovsky. Caos. Creazione del mondo.
1841. Olio su carta.
Museo della Congregazione Armena dei Mchitaristi.
Isola di San Lazzaro, Venezia.

Dopo essersi laureato con una medaglia d'oro di primo grado, Aivazovsky ha ricevuto il diritto di viaggiare all'estero come pensionato dell'accademia. E nel 1840 partì per l'Italia.

L'artista ha lavorato in Italia con grande entusiasmo e qui ha creato una cinquantina di grandi dipinti. Esposti a Napoli ea Roma, suscitarono vero clamore e glorificarono il giovane pittore. I critici hanno scritto che nessuno aveva mai ritratto la luce, l'aria e l'acqua in modo così vivido e autentico.

Dipingere il caos. Creazione del mondo. Aivazovsky ha avuto l'onore di entrare nella mostra permanente dei Musei Vaticani. Papa Gregorio XVI ha conferito all'artista una medaglia d'oro. In questa occasione, Gogol ha detto scherzosamente all'artista: "Il tuo" caos "ha sollevato il caos in Vaticano".

La battaglia di Chesma è una delle pagine più gloriose ed eroiche della storia della flotta russa. Aivazovsky non era, e non poteva essere, un testimone dell'evento che ebbe luogo la notte del 26 giugno 1770. Ma come ha riprodotto in modo convincente e autentico sulla sua tela l'immagine di una battaglia navale. Le navi esplodono e bruciano, frammenti di alberi volano verso il cielo, le fiamme si alzano e i fumi grigio scarlatto si mescolano alle nuvole attraverso le quali la luna guarda ciò che sta accadendo. La sua luce fredda e calma sottolinea solo la miscela infernale di fuoco e acqua nel mare. Sembra che l'artista stesso, durante la creazione di un'immagine, abbia vissuto l'estasi della battaglia, dove i marinai russi hanno vinto una brillante vittoria.

1848. Olio su tela.
Galleria d'arte Aivazovsky, Feodosiya, Ucraina.

Pertanto, nonostante la ferocia della battaglia, l'immagine lascia un'impressione importante e ricorda un grandioso spettacolo pirotecnico. La trama di questo lavoro era un episodio della guerra russo-turca del 1768-1774. Per decenni, la Russia ha condotto guerre con la Turchia per il possesso del Mar Nero e del Mar Mediterraneo. Due squadroni russi che lasciarono Kronstadt, dopo una lunga transizione attraverso il Baltico, passarono il Canale della Manica, doppiarono le coste della Francia e del Portogallo, passarono Gibilterra ed entrarono nel Mar Mediterraneo. Qui incontrarono la flotta turca, allora considerata la più forte del mondo. Dopo diverse scaramucce militari, la zattera turca si rifugiò nella baia di Chesme in preda al panico. Le navi russe chiusero l'uscita dalla baia e durante la battaglia notturna bruciarono quasi completamente e distrussero la flotta turca. Da parte russa morirono 11 marinai, da parte turca 10.000 persone. 

Fu una vittoria senza precedenti nella storia delle battaglie navali. In sua memoria, una medaglia fu eliminata, il conte Alexei Orlov, che comandava gli squadroni, ricevette il titolo di Chesmensky e a Carskoe Selo Caterina II ordinò che fosse eretto un monumento a questa battaglia: la colonna di Chesme. Si erge ancora con orgoglio nel mezzo del Big Pond. Il suo tronco marmoreo è completato da una scultura allegorica: un'aquila bicipite che rompe una mezzaluna di marmo.

Pittore dello stato maggiore della marina (dal 1844), Aivazovsky prende parte a numerose campagne militari (inclusa la guerra di Crimea del 1853-1856), creando molti patetici dipinti di battaglia.

La pittura di Aivazovsky degli anni Quaranta e Cinquanta è stata caratterizzata da una forte influenza delle tradizioni romantiche di K.P. Bryullov, che ha influenzato non solo l'abilità della pittura, ma anche la stessa comprensione dell'arte e la visione del mondo di Aivazovsky. Come Bryullov, si sforza di creare grandiose tele colorate che possano glorificare l'arte russa. Con Bryullov, Aivazovsky è legato da brillanti abilità pittoriche, tecnica virtuosa, velocità e coraggio nell'esecuzione. Ciò si rifletteva molto chiaramente in uno dei primi dipinti di battaglia Chesma Battle, scritto da lui nel 1848, dedicato a un'eccezionale battaglia navale. Aivazovsky nello stesso 1848 dipinse un quadro della Battaglia nello Stretto di Chios, che, con la Battaglia di Chesme, costituiva una sorta di coppia-dittico, glorificando le vittorie della flotta russa.

Dopo che la battaglia di Chesme ebbe luogo nel 1770, Orlov scrisse nel suo rapporto al Collegio dell'Ammiragliato: "... Onore alla flotta tutta russa. Dal 25 giugno al 26 giugno, la flotta nemica (noi) ha attaccato, sconfitto, rotto, bruciato, lasciarlo nel cielo, in cenere ... e loro stessi iniziarono a essere dominanti nell'intero arcipelago ... "Il pathos di questo rapporto, l'orgoglio per l'eccezionale impresa dei marinai russi, la gioia della vittoria ottenuta è stato magnificamente trasmesso da Aivazovsky nella sua foto. Al primo sguardo dell'immagine, siamo presi da una sensazione di gioiosa eccitazione come da uno spettacolo festivo: un brillante fuoco d'artificio. E solo con un esame dettagliato dell'immagine diventa chiaro il lato della trama. La lotta è raffigurata di notte. Nelle profondità della baia sono visibili le navi in ​​fiamme della flotta turca, una di queste al momento dell'esplosione. Avvolto dal fuoco e dal fumo, il relitto della nave sta volando in aria, che si è trasformata in un enorme falò ardente. E di lato, in primo piano, si erge in una sagoma scura l'ammiraglia della flotta russa, alla quale, salutando, si avvicina una barca con la squadra del tenente Il'in, che ha fatto saltare in aria il suo firewall tra la flottiglia turca. E se ci avviciniamo al quadro, distingueremo sull'acqua i relitti di navi turche con gruppi di marinai che chiedono aiuto e altri dettagli.

Aivazovsky fu l'ultimo e il più importante rappresentante della tendenza romantica nella pittura russa, e queste caratteristiche della sua arte erano particolarmente evidenti quando dipinse battaglie navali piene di eroico pathos; potevano sentire quella "musica di battaglia", senza la quale l'immagine della battaglia è priva di impatto emotivo.

Ivan Aivazovsky. Mar Nero
(Una tempesta inizia a manifestarsi sul Mar Nero).
1881. Olio su tela.
Galleria Tretyakov, Mosca, Russia.

L'artista ha lavorato instancabilmente fino agli ultimi giorni della sua vita. La sublime ed elevata percezione emotiva della natura di Aivazovsky è stata preservata fino alla fine della sua carriera. Ma negli anni 1870-1880, la vistosità esterna, la maggiore luminosità del colore lasciano il posto a rapporti di colori più calmi e morbidi. Tempeste e tempeste sono sostituite dall'immagine del mare nel suo stato abituale. I paesaggi di maggior successo di questo tempo acquisiscono la colorazione psicologica e il significato interiore dell'immagine.

Aivazovsky era vicino a molti Vagabondi. Il contenuto umanistico della sua arte e la sua brillante maestria furono molto apprezzati da Kramskoy, Repin, Stasov e Tretyakov. Nelle loro opinioni sul significato sociale dell'arte, Aivazovsky e i Vagabondi avevano molto in comune. Molto prima dell'organizzazione di mostre itineranti, Aivazovsky iniziò a organizzare mostre dei suoi dipinti a San Pietroburgo, Mosca e in molte altre grandi città della Russia. Nel 1880 Aivazovsky aprì la prima galleria d'arte periferica in Russia a Feodosia.

Sotto l'influenza dell'avanzata arte russa dei Vagabondi, le caratteristiche realistiche sono apparse con una forza speciale nell'opera di Aivazovsky, il che ha reso le sue opere ancora più espressive e significative. Apparentemente, quindi, è diventata consuetudine considerare i dipinti di Aivazovsky degli anni Settanta il risultato più alto del suo lavoro. Ora per noi è abbastanza chiaro il processo di crescita continua della sua abilità e approfondimento del contenuto delle immagini pittoresche delle sue opere, che è proseguito per tutta la sua vita.

Nel 1881, Aivazovsky creò una delle opere più significative: un dipinto del Mar Nero. La tensione trattenuta e il potere epico hanno eccitato l'artista durante la creazione di tali paesaggi.

Il dipinto raffigura il mare in una giornata nuvolosa; le onde, che si alzano all'orizzonte, si muovono verso lo spettatore, creando con la loro alternanza un ritmo maestoso e una struttura sublime dell'immagine. È scritto in una gamma colorata avara e contenuta che ne esalta l'impatto emotivo. L'immagine testimonia che Aivazovsky ha potuto vedere e sentire la bellezza dell'elemento mare vicino a lui, non solo negli effetti pittorici esterni, ma anche nel ritmo rigoroso appena percettibile del suo respiro, nel suo potere potenziale chiaramente percepibile. E, naturalmente, in questa immagine mostra il suo dono principale: la capacità di mostrare l'elemento acqua eternamente in movimento permeato di luce.

I. Kramskoy ha detto del dipinto di Aivazovsky "Il Mar Nero": "Questo è un oceano infinito, non tempestoso, ma ondeggiante, severo, infinito. Questo è uno dei dipinti più grandiosi che io conosca".

Onda e cielo: due elementi riempiono l'intero spazio dell'immagine, da qualche parte lontano c'è una piccola sagoma di una nave. Appena delineato con un pennello, porta già un elemento umano nel paesaggio, imposta la scala dell'opera e rende noi, spettatori, complici dell'immagine, entrando in empatia non solo con gli elementi della natura, ma anche con la persona al suo interno . Inoltre, lo stesso Mar Nero non è calmo. Aivazovsky ha chiamato l'immagine "Il Mar Nero. Una tempesta inizia a manifestarsi sul Mar Nero". Dietro queste parole, alcuni spettatori hanno visto nella foto l'elemento rivoluzionario emergente, mentre altri hanno visto un'immagine emotiva che trasmette esperienze emotive, mostrando il legame inestricabile tra uomo e natura: il mare è preoccupato, il ritmo delle sue onde è così accuratamente catturato da l'artista che lo spettatore inizia a provare ansia, "l'ampiezza del respiro" della natura.

Le onde del mare, come pietre preziose, assorbono tante sfumature di verde e di blu, non si possono più chiamare a parole. La materia trasparente diventa vitrea davanti ai nostri occhi, si è congelata per sempre sotto il pennello del maestro. Nebbiosa nelle profondità, luminosa dall'interno, nasconde il regno sottomarino di sirene e tritoni, perle misteriose e piante bizzarre dal tessuto magico.

"Il Mar Nero" non è la tela più grande del lavoro dell'artista, ma è il risultato di esperienze, comprensione dell'amata immagine degli elementi e dell'apice dell'abilità di Aivazovsky.

Perché il mare Aivazovsky è così vivo, respirante e trasparente? Qual è l'asse di uno dei suoi dipinti? Dove dobbiamo guardare per goderci al meglio i suoi capolavori? Come ha scritto: è lungo, breve, gioioso o doloroso? E cosa c'entra l'impressionismo con Aivazovsky?

Certo, Aivazovsky è nato genio. Ma c'era anche un mestiere che padroneggiava brillantemente e nelle complessità di cui si vuole capire. Quindi, da cosa sono nati la schiuma del mare e i percorsi lunari di Aivazovsky? ..


Ivan Constantinovich Aivazovski. Tempesta sulle coste rocciose. 102×73 cm.

"Colori segreti", onda Aivazovsky, vetri

Ivan Kramskoy scrisse a Pavel Tretyakov: “Aivazovsky probabilmente ha il segreto per comporre i colori, e anche i colori stessi sono segreti; Non ho mai visto toni così brillanti e puri nemmeno sugli scaffali dei negozi di Muscat. Alcuni dei segreti di Aivazovsky ci sono pervenuti, anche se il principale non è affatto un segreto: per scrivere il mare in quel modo, devi nascere in riva al mare, vivere una lunga vita vicino ad esso, per la quale non si stufo di esso.

La famosa "onda Aivazovsky" è un'onda marina schiumosa, quasi trasparente, che sembra muoversi, veloce, viva. L'artista ha ottenuto la trasparenza utilizzando la tecnica della smaltatura, ovvero applicando gli strati più sottili di vernice uno sopra l'altro. Aivazovsky preferiva l'olio, ma spesso le sue onde sembrano acquerelli. È come risultato della smaltatura che l'immagine acquisisce questa trasparenza e i colori sembrano molto saturi, ma non per la densità del tratto, ma per la speciale profondità e sottigliezza. La virtuosa smaltatura di Aivazovsky è una delizia per i collezionisti: la maggior parte dei suoi dipinti sono in condizioni eccellenti - gli strati più sottili di vernice sono meno inclini a screpolarsi.

Aivazovsky scriveva rapidamente, creando spesso opere in una sessione, quindi la sua tecnica di smaltatura aveva le sfumature dell'autore. Ecco cosa scrive a questo proposito Nikolai Barsamov, direttore a lungo termine della Feodosia Art Gallery e il più grande conoscitore del lavoro di Aivazovsky: “... a volte smaltava l'acqua su una pittura di fondo semi-asciutta. Spesso l'artista ha smaltato le onde alla loro base, che ha dato profondità e forza al tono colorato e ha ottenuto l'effetto di un'onda trasparente. A volte i vetri oscuravano i piani significativi dell'immagine. Ma la smaltatura nella pittura di Aivazovsky non era un'ultima fase obbligatoria del lavoro, come nel caso dei vecchi maestri con il metodo di pittura a tre strati. Tutta la sua pittura è stata sostanzialmente eseguita in un unico passaggio e la smaltatura è stata spesso da lui utilizzata come uno dei modi per applicare uno strato di pittura su fondo bianco all'inizio del lavoro e non solo come registrazioni finali a fine lavoro. L'artista a volte usava la smaltatura nella prima fase del lavoro, coprendo piani significativi dell'immagine con uno strato di pittura traslucido e usando il fondo bianco della tela come rivestimento luminoso. Quindi a volte scriveva acqua. Distribuendo abilmente uno strato di vernice di varie densità sulla tela, Aivazovsky ha ottenuto una vera trasmissione della trasparenza dell'acqua.

Aivazovsky si è rivolto agli smalti non solo quando ha lavorato su onde e nuvole, ma con il loro aiuto è stato in grado di dare vita alla terra. “Aivazovsky dipinse terra e pietre con pennelli a setole grossolane. È possibile che li abbia tagliati in modo speciale in modo che le estremità dure delle setole lasciassero solchi sullo strato di vernice., - afferma il critico d'arte Barsamov. — La vernice in questi luoghi viene solitamente posata in uno strato denso. Di norma, Aivazovsky quasi sempre smaltava il terreno. Il tono velato (più scuro), cadendo nei solchi delle setole, dava una sorta di vivacità allo strato colorato e maggiore realtà alla forma raffigurata.

Per quanto riguarda la domanda "Da dove vengono i colori?", è noto che negli ultimi anni ha acquistato vernici dall'azienda berlinese Mewes. Tutto è semplice. Ma c'è anche una leggenda: come se Aivazovsky comprasse i colori da Turner. Si può dire solo una cosa al riguardo: è teoricamente possibile, ma anche se è così, Aivazovsky sicuramente non ha dipinto tutte le 6.000 sue opere con i colori di Turner. E l'immagine a cui l'impressionato Turner ha dedicato la poesia è stata creata da Aivazovsky ancor prima di incontrare il grande pittore marino britannico.

Ivan Constantinovich Aivazovski. Golfo di Napoli in una notte di luna. 1842, 92×141 cm.

“Nella tua immagine vedo la luna con il suo oro e argento, in piedi sopra il mare, riflessa in essa. La superficie del mare, su cui una leggera brezza raggiunge con un moto ondoso tremante, sembra un campo di scintille. Perdonami, grande artista, se ho sbagliato a scambiare l'immagine per la realtà, ma il tuo lavoro mi ha affascinato e la gioia si è impossessata di me. La tua arte è eterna e potente, perché sei ispirato dal genio", - poesie di William Turner sul dipinto di Aivazovsky "Il Golfo di Napoli in una notte di luna".

Ivan Constantinovich Aivazovski. Tra le onde. 1898, 285×429 cm.

La cosa principale è iniziare, o Al ritmo di Aivazovsky

Aivazovsky ha sempre iniziato a lavorare con l'immagine del cielo e l'ha scritta in una volta sola: potevano essere 10 minuti o 6 ore. Ha dipinto la luce nel cielo non con la superficie laterale del pennello, ma con la sua estremità, cioè ha "illuminato" il cielo con numerosi rapidi tocchi del pennello. Il cielo è pronto: puoi rilassarti, distrarti (tuttavia, se lo è concesso solo con dipinti che hanno richiesto molto tempo). Il mare potrebbe scrivere in più passaggi.

Lavorare a lungo su un dipinto dal punto di vista di Ivan Aivazovsky è, ad esempio, dipingere una tela per 10 giorni. Questo è quanto ci volle all'artista, che a quel tempo aveva 81 anni, per creare il suo dipinto più grande: "Tra le onde". Allo stesso tempo, secondo la sua confessione, tutta la sua vita è stata una preparazione per questo quadro. Cioè, il lavoro ha richiesto il massimo sforzo da parte dell'artista - e per dieci giorni interi. Ma nella storia dell'arte, non è raro che i dipinti vengano dipinti per venti o più anni (ad esempio, Fyodor Bruni dipinse il suo "Serpente di rame" per 14 anni, iniziato nel 1827 e terminato nel 1841).

In Italia, Aivazovsky in un certo periodo fece amicizia con Alexander Ivanov, lo stesso che scrisse L'apparizione di Cristo al popolo per 20 anni, dal 1837 al 1857. Hanno anche provato a lavorare insieme, ma presto hanno litigato. Ivanov potrebbe lavorare su uno schizzo per mesi, cercando di ottenere la precisione speciale di una foglia di pioppo, mentre Aivazovsky è riuscito a camminare dappertutto e dipingere diverse immagini durante questo periodo: “Non riesco a scrivere tranquillamente, non riesco a meditare per mesi. Non lascio l'immagine finché non parlo". Talenti così diversi, modi diversi di creare - duro lavoro e gioiosa ammirazione per la vita - non potrebbero rimanere vicini a lungo.

Ivan Aivazovsky accanto al suo dipinto, fotografia, 1898.
Aivazovsky al cavalletto.

“L'atmosfera del workshop era eccezionalmente semplice. Davanti al cavalletto c'era una semplice sedia con un sedile di canna di vimini, il cui retro era intonacato con uno strato di vernice piuttosto spesso, poiché Aivazovsky aveva l'abitudine di lanciare la mano con un pennello dietro lo schienale della sedia e di sedersi a metà una svolta al quadro, guardandolo, "- dalle memorie di Konstantin Artseulov , anche questo nipote di Aivazovsky divenne un artista.

La creatività come gioia

La musa di Aivazovsky (perdonaci questa pomposità) è gioiosa, non dolorosa. " Dalla facilità, dall'apparente facilità del movimento della mano, dall'espressione soddisfatta del viso, si può tranquillamente affermare che un tale lavoro è un vero piacere., - queste sono le impressioni di un funzionario del Ministero della Corte Imperiale, lo scrittore Vasily Krivenko, che ha osservato come lavorava Aivazovsky.

Aivazovsky, ovviamente, ha visto che per molti artisti il ​​loro dono è una benedizione o una maledizione, altri dipinti sono scritti quasi con il sangue, esaurendo ed esaurendo il loro creatore. Per lui avvicinarsi alla tela con un pennello è sempre stata la gioia e la felicità più grandi, ha acquisito nella sua bottega una leggerezza e un'onnipotenza speciali. Allo stesso tempo, Aivazovsky ha ascoltato attentamente i consigli pratici, non ha respinto i commenti delle persone che stimava e rispettava. Anche se non basta credere che la leggerezza del suo pennello sia un inconveniente.

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Solo i pigri non parlavano dell'importanza di lavorare con la natura in quegli anni. Aivazovsky, invece, preferiva fare schizzi fugaci dal vero e scrivere in studio. "Preferito", forse, non è proprio la parola giusta, non si tratta di convenienza, è stata una sua scelta di principio. Credeva che fosse impossibile rappresentare dalla natura il movimento degli elementi, il respiro del mare, i tuoni e il lampo - ed era questo che lo interessava. Aivazovsky aveva una memoria fenomenale e considerava il suo compito "in natura" di assorbire ciò che stava accadendo. Sentire e ricordare, per tornare in studio, buttare via questi sentimenti sulla tela: ecco perché è necessaria la natura. Allo stesso tempo, Aivazovsky era un eccellente copista. Durante l'allenamento con Maxim Vorobyov, ha dimostrato questa abilità al massimo. Ma copiare - almeno i dipinti di qualcuno, persino la natura - gli sembrava molto meno di quanto fosse in grado di fare.

Ivan Constantinovich Aivazovski. Baia di Amalfi nel 1842. Schizzo. 1880

Ivan Constantinovich Aivazovski. Costiera amalfitana. 105×71 cm.

A proposito del rapido lavoro di Aivazovsky e di quali fossero i suoi schizzi dalla natura, l'artista Ilya Ostroukhov ha lasciato ricordi dettagliati:

“Ho conosciuto casualmente il modo di eseguire le opere d'arte del famoso pittore marino Aivazovsky nel 1889, durante uno dei miei viaggi all'estero, a Biarritz. Più o meno nello stesso periodo in cui sono arrivato a Biarritz, anche Aivazovsky è arrivato lì. Il venerabile artista aveva già allora, come ricordo, circa settant'anni ... Avendo appreso che conoscevo bene la topografia della zona, [egli] mi ha immediatamente trascinato a fare una passeggiata lungo la costa dell'oceano. La giornata era tempestosa e Aivazovsky, affascinato dalla vista del surf sull'oceano, si fermò sulla spiaggia ...

Senza distogliere lo sguardo dall'oceano e dal paesaggio di montagne lontane, tirò fuori lentamente il suo minuscolo taccuino e disegnò solo tre linee con una matita: il contorno delle montagne lontane, la linea dell'oceano ai piedi di queste montagne e il linea di costa da lui stesso. Poi siamo andati avanti con lui. Dopo aver camminato per una versta, si fermò di nuovo e fece lo stesso disegno di più linee nell'altra direzione.

- Giornata nuvolosa oggi Aivazovsky ha detto, e tu, per favore, dimmi solo dove sorge e tramonta il sole qui.

Ho indicato. Aivazovsky mise alcuni punti nel libro e lo nascose in tasca.

- Adesso andiamo. Per me questo è abbastanza. Domani dipingerò il surf oceanico a Biarritz.

Il giorno dopo furono scritte davvero tre spettacolari immagini della risacca del mare: a Biarritz: al mattino, a mezzogiorno e al tramonto…”

Ivan Constantinovich Aivazovski. Biarritz. 1889, 18×27 cm.

Il sole di Aivazovsky, o cosa c'entra l'impressionismo

L'artista armeno Martiros Saryan ha notato che non importa quanto grandiosa sia la tempesta ritratta da Aivazovsky, nella parte superiore della tela un raggio di luce irromperà sempre attraverso l'accumulo di nuvole temporalesche - a volte chiare, a volte sottili e appena percettibili: "È in lui, questa Luce, che risiede il significato di tutte le tempeste raffigurate da Aivazovsky."

Ivan Constantinovich Aivazovski. Tempesta nel Mare del Nord. XX, 202×276 cm.

Ivan Constantinovich Aivazovski. Notte al chiaro di luna. 1849, 192×123 cm.

Ivan Constantinovich Aivazovski. Golfo di Napoli in una notte di luna. 1892, 73×45 cm.

Ivan Constantinovich Aivazovski. Nave "Imperatrice Maria" durante una tempesta. 1892, 224×354 cm.

Ivan Constantinovich Aivazovski. Notte di luna a Capri. 1841, 26×38 cm.

Se è il sole, illuminerà la tempesta più nera, se è un percorso lunare, riempirà l'intera tela con il suo sfarfallio. Non chiameremo Aivazovsky né un impressionista né un precursore dell'impressionismo. Ma citiamo le parole del patron Alexei Tomilov - critica i dipinti di Aivazovsky: “Le figure sono sacrificate a tal punto da non essere riconoscibili: in primo piano sono uomini o donne (...) aria e acqua ostentano”. Diciamo degli impressionisti che i personaggi principali dei loro dipinti sono il colore e la luce, uno dei compiti principali è la trasmissione della massa luce-aria. Nelle opere di Aivazovsky, la luce è al primo posto, e sì, giusto, aria e acqua (nel suo caso, si tratta del cielo e del mare). Tutto il resto è costruito attorno a questa cosa principale.

Si sforza non solo di ritrarre in modo plausibile, ma di trasmettere sensazioni: il sole dovrebbe splendere in modo da voler chiudere gli occhi, lo spettatore si ritrarrà dal vento e si ritirerà dall'onda spaventato. Quest'ultimo, in particolare, fu fatto da Repin, quando Aivazovsky aprì improvvisamente la porta della stanza di fronte a lui, dietro la quale si ergeva la sua "Nona Ondata".

Ivan Constantinovich Aivazovski. Nono albero. 332×221 cm.

Come guardare i dipinti di Aivazovsky

L'artista ha dato consigli assolutamente inequivocabili: dovresti cercare il punto più luminoso sulla tela, la fonte di luce e, scrutandolo attentamente, far scorrere gli occhi sulla tela. Ad esempio, quando gli è stato rimproverato che "Moonlight Night" non era finito, ha sostenuto che se lo spettatore " rivolgerà la sua principale attenzione alla luna e gradualmente, aderendo al punto interessante dell'immagine, guarderà di sfuggita le altre parti dell'immagine, e oltre a questo, senza dimenticare che questa è una notte che ci priva di qualsiasi riflesso, allora un tale spettatore scoprirà che questa immagine è più rifinita di come dovrebbe".

Ivan Constantinovich Aivazovski. Notte di luna in Crimea. Gurzuf, 1839, 101×136,5 cm.

Ivan Constantinovich Aivazovski. Esplosione della naveKonstantin Aivazovsky non è uno di quegli artisti che perdono l'ispirazione nel processo e lasciano il lavoro incompiuto. Ma un giorno è successo anche a lui: non ha finito il dipinto "L'esplosione della nave" (1900). La morte è intervenuta. Questo lavoro incompiuto è particolarmente prezioso per i ricercatori del suo lavoro. Ti permette di capire ciò che l'artista considerava la cosa principale nella foto, con lo studio di quali elementi ha iniziato a lavorare. Vediamo che Aivazovsky è iniziato con la nave e la fiamma dell'esplosione, qualcosa che prenderà lo spettatore per l'anima. E l'artista ha lasciato i dettagli, sui quali lo spettatore scivolerà semplicemente con gli occhi, per dopo.

Esplosione della nave. 1900

Ivan Constantinovich Aivazovski. Grotta Azzurra. Napoli. 1841, 100×74 cm.

Lo spettatore moderno a volte è scoraggiato dal colore intenso dei dipinti di Aivazovsky, dai suoi colori brillanti e senza compromessi. C'è una spiegazione per questo. E questo non è affatto il cattivo gusto dell'artista.

Oggi guardiamo i porti turistici di Aivazovsky nei musei. Spesso si tratta di gallerie provinciali, con un interno fatiscente e nessuna illuminazione particolare, che viene sostituita dalla semplice luce della finestra. Ma durante la vita di Aivazovsky, i suoi dipinti erano appesi in ricchi soggiorni e persino nei palazzi. Sotto soffitti a stucco, su pareti ricoperte da lussuosi arazzi, alla luce di lampadari e candelabri. È del tutto possibile che l'artista si sia preoccupato che i suoi dipinti non andassero persi sullo sfondo di tappeti colorati e mobili dorati.

Gli intenditori affermano che i paesaggi notturni di Aivazovsky, che spesso sembrano rustici in condizioni di scarsa luce naturale o sotto lampade rare, prendono vita, diventano misteriosi e nobili, come l'artista intendeva che fossero, se visti a lume di candela. Soprattutto quei dipinti che Aivazovsky dipinse a lume di candela.

E van Konstantinovich Aivazovsky è uno dei più prolifici pittori marini russi. Per più di 60 anni di creatività, ha dipinto oltre 6.000 dipinti. I contemporanei sono rimasti sorpresi: con quale velocità il Maestro ha creato i suoi capolavori. Le tecniche del pittore, la tecnica di esecuzione, la scelta dei colori, gli effetti virtuosistici di un'onda trasparente e il respiro del mare erano oltre ogni comprensione.

L'artista Ivan Kramskoy scrisse a Pavel Tretyakov: “Aivazovsky probabilmente ha il segreto per comporre i colori, e anche i colori stessi sono segreti; Non ho mai visto toni così brillanti e puri nemmeno sugli scaffali dei negozi di Muscat. Il segreto principale di Aivazovsky non era un segreto: per dipingere il mare in modo così credibile, bisogna nascere e vivere una lunga vita in riva al mare.

Aggiungiamo qualche altro ingrediente a questo fatto: diligenza, talento, memoria impeccabile e una ricca immaginazione: ecco come sono nati i famosi dipinti di Aivazovsky. Questo è l'intero segreto del genio.

L'artista dipinge velocemente e molto - circa 100 dipinti all'anno. E tutta la sua eredità è stata riconosciuta dai collezionisti come una delle più "forti". Le tele dell'artista sembrano essere senza tempo, sempre in ottime condizioni, meno di tutti, e sono estremamente raramente soggetti a restauro.

Colombo naviga attraverso Capo Palos. 1892. Collezione privata

Il segreto principale è nella tecnica di applicazione delle vernici. Aivazovsky preferiva l'olio, anche se il suo mare e le sue onde sembrano acquerelli. La sua tecnica preferita era Smalto, basato sull'applicazione di vernici sottili (quasi trasparenti) una sopra l'altra. Di conseguenza, le onde, le nuvole e il mare sulle tele sembravano trasparenti e vivi e l'integrità dello strato di pittura non veniva violata o distrutta.

Il genio di Aivazovsky è stato riconosciuto dalle persone più importanti in Russia e nel mondo. Ha incontrato ed è stato amico di Pushkin, Krylov, Gogol, Zhukovsky, Bryullov, Glinka. Fu ricevuto nei palazzi di re e nobili, lo stesso Papa gli diede udienza e gli conferì una medaglia d'oro per il dipinto “Caos. Creazione del mondo". Il pontefice voleva acquistare il capolavoro che gli piaceva, ma Aivazovsky lo presentò semplicemente.

Caos. Creazione del mondo. 1841. Museo della Congregazione Armena dei Mechitaristi, Venezia, Italia

Papa Gregorio XVI portò il dipinto ai Musei Vaticani. Ora si trova a Venezia, nell'isola di San Lazzaro. Il fatto è che all'inizio del XX secolo papa Leone XIII donò il dipinto al Museo della Congregazione Mechitarista Armena. Forse uno dei motivi era che qui, sull'isola di San Lazzaro, viveva il fratello maggiore dell'artista Gabriele. Ha ricoperto una posizione di rilievo nella fraternità religiosa. Nella vita dell'artista, questo luogo era sacro, ricordando la "piccola Armenia" vicino a Venezia.

La visita di Byron ai Mkhitarist sull'isola di St. Lazzaro a Venezia. 1899. Galleria Nazionale dell'Armenia, Yerevan

Le opere di Aivazovsky furono ammirate da tutta Europa: accademico e membro onorario dell'Accademia Imperiale delle Arti, fu anche eletto membro onorario delle Accademie delle Arti di Amsterdam, Roma, Parigi, Firenze e Stoccarda.

Ivan Kramskoy ha scritto: “... Aivazovsky, qualunque cosa si dica, è comunque una stella di prima grandezza; e non solo qui, ma nella storia dell'arte in generale…”. L'imperatore Nicola I dichiarò: "Qualunque cosa scriva Aivazovsky, sarà acquistata da me". Fu con un leggero suggerimento che l'imperatore Aivazovsky fu segretamente chiamato il "re del mare".

Tutta la sua lunga e felice vita è un magazzino di storie e fatti magici - follemente interessanti e colorati. L'artista ha partecipato a più di 120 mostre sia in Russia che in Europa e America. Oltre 60 di loro erano personali! A quel tempo, tra gli artisti russi, solo il romantico pittore marino Aivazovsky poteva permettersi una mostra personale.

Potresti già sapere che le opere di Aivazovsky Non solo il più venduto e, allo stesso tempo, il più rubato e contraffatto al mondo .

Costa della Crimea vicino ad Ai-Petri. 1890. Museo delle Belle Arti della Repubblica di Carelia, Petrozavodsk

L'autenticità dei dipinti di Aivazovsky può essere verificata, ma si tratta di una procedura estremamente costosa, sia in termini di tempo che di denaro. Di conseguenza, metà delle cose distribuite sul mercato come dipinti di Aivazovsky sono falsi, ma hanno un tale successo che vengono comunque acquistati, ma a prezzi inferiori. Inoltre, il numero di falsi supera significativamente il numero di originali. Lo stesso maestro ha ammesso di aver scritto oltre 6.000 opere in tutta la sua vita, ma oggi più di 50.000 opere sono considerate originali!

Aivazovsky non dipingeva dalla natura. Ha dipinto la maggior parte dei suoi dipinti a memoria. A volte bastava che un artista ascoltasse una storia interessante e dopo un momento prese il pennello. Per creare un capolavoro, l'artista non ha avuto bisogno di molto tempo, a volte bastava una sessione ... “Non riesco a scrivere tranquillamente, non riesco a meditare per mesi. Non lascio l'immagine finché non parlo" , - ha ammesso Ivan Konstantinovich. Il suo lavoro più lungo è stato il dipinto "Tra le onde". 10 giorni - ecco quanto tempo ci volle all'artista, che a quel tempo aveva 81 anni, per creare il suo dipinto più grande.

Tra le onde. 1898. Pinacoteca Feodosia. I.K.Aivazovsky

È autenticamente noto che la trama dell'immagine era originariamente diversa. Questo è diventato noto dalle parole del nipote di Aivazovsky Konstantin Konstantinovich Artseulov:

Il dipinto "Tra le onde" è stato creato due giorni prima della sua morte. In lunghezza - è di quasi 4,5 m e in larghezza - circa 3.

Tutti questi brevi fatti sono abbastanza comuni, ma ve ne sono altri poco conosciuti, che rivelano l'immagine dell'artista e del suo lavoro da varie angolazioni.

Quindi, 5 fatti poco noti della vita dell'artista (nel 200° anniversario della nascita di I.K. Aivazovsky)

Un incidente nell'officina di A.I. Kuindzhi.

Una volta che l'artista A.I. Kuindzhi ha invitato Aivazovsky al suo laboratorio accademico per dimostrare ai suoi studenti l'abilità e la tecnica dell'esecuzione, che era nota solo ad Aivazovsky.

Il pittore paesaggista sovietico A. A. Rylov ha ricordato questo: “Arkhip Ivanovich condusse l'ospite al cavalletto e si rivolse ad Aivazovsky: "Ecco fatto ... Ivan Konstantinovich, mostra loro come scrivere il mare."

Mare. 1898. Museo d'arte regionale di Lugansk

Aivazovsky ha chiamato i quattro o cinque colori di cui aveva bisogno, ha esaminato i pennelli, ha toccato la tela, in piedi, senza lasciare il cavalletto, giocando con il pennello come un virtuoso, ha dipinto una tempesta di mare. Su richiesta di Arkhip Ivanovich, dipinse immediatamente una nave che dondolava sulle onde e con sorprendente destrezza, con il solito movimento del pennello, gli diede un completo completo. Il dipinto è pronto e firmato. Un'ora e cinquanta minuti fa c'era una tela bianca, ora il mare infuria su di essa. Con fragorosi applausi, abbiamo espresso la nostra gratitudine al venerabile artista e lo abbiamo scortato alla carrozza per tutto il laboratorio.

A quel tempo, l'artista aveva 80 anni.

Città preferite di Aivazovsky

È incredibile quanta passione per i viaggi intorno al mondo e amore per la patria si siano intrecciati in questa persona. Dov'è stato! I doganieri hanno incollato ulteriori pagine sul suo passaporto. Il suo passaporto straniero conteneva 135 timbri di visto. Visitò i paesi e le città più belli del pianeta, ma con stupore e ammirazione trattò solo due città: Costantinopoli e il suo piccolo Teodosio, a cui fu devoto fino alla fine della sua vita. "Il mio indirizzo è sempre a Feodosia", ha condiviso con Pavel Tretyakov.

Navi sulla rada di Feodosia. In onore di Aivazovsky in occasione del suo 80° compleanno. 1897. Museo Navale Centrale, San Pietroburgo

Feodosia era uno sbocco, una patria storica, un luogo di nascita, un focolare e una casa indispensabili. Costantinopoli - era un rifugio preferito durante i viaggi. Di tutte le città, ha glorificato solo questa: una città meravigliosa sul Bosforo.

Ha visitato per la prima volta la capitale dell'Impero Ottomano nel 1845. Da allora, è tornato qui ancora e ancora. Il numero esatto di dipinti dedicati alle vedute di Costantinopoli rimane sconosciuto. Il numero stimato è di circa 100.

Veduta di Costantinopoli. 1849. Palazzo artistico e architettonico statale di Carskoe Selo e riserva-museo del parco, Pushkin

Circa un giorno, al sultano turco Abdulaziz fu presentato uno dei dipinti di Aivazovsky. Il Sultano fu completamente deliziato e ordinò all'artista una serie di vedute del Bosforo. Aivazovsky riteneva che in questo modo avrebbe potuto contribuire all'instaurazione di una comprensione reciproca tra turchi e armeni e accettò l'ordine. Dipinse circa 40 dipinti per il Sultano . Abdul-Aziz era così soddisfatto del lavoro di Aivazovsky che gli conferì il più alto ordine turco "Osmaniye".

Successivamente, Aivazovsky ricevette molti altri ordini dalle mani del sovrano turco. E nel 1878, in una sala decorata con dipinti di Aivazovsky, fu firmato un accordo di pace tra Russia e Turchia (la cosiddetta Pace di Santo Stefano).

"Scena orientale". "Caffetteria alla Moschea Ortakoy a Costantinopoli". 1846. Riserva-Museo Statale Artistico e Architettonico del Palazzo e del Parco "Peterhof".

Tuttavia, quando nel 1890 Sultan Abdul-Hamid organizzò pogrom che uccisero centinaia di migliaia di armeni, indignato Aivazovsky si affrettò a sbarazzarsi di tutti i premi ottomani.

Indossando al collare del cane da cortile tutti gli ordini turchi, camminava per le strade di Feodosia. Dicono che tutta la città si sia unita al corteo. Circondato da una folla enorme, Aivazovsky si diresse verso il mare. Ben presto salì sulla barca e, dopo essersi spostato a una sufficiente distanza dalla riva, sollevò gli ordini luminosi sopra la sua testa e li gettò in mare.

Più tardi, incontrò il console turco e disse che il suo "maestro sanguinario" avrebbe potuto fare lo stesso con i suoi dipinti, l'artista non se ne sarebbe pentito.

Infastidito dalla politica aggressiva dei turchi, Aivazovsky dipinge diversi dipinti a sostegno degli armeni, raffiguranti i brutali crimini dei turchi contro il suo popolo. Hanno più volte esposto alle più prestigiose mostre d'Europa. Ha diretto tutti i fondi dalla vendita di dipinti per aiutare i rifugiati armeni. Ivan Konstantinovich non si aspettava l'aiuto del governo o dell'amministrazione comunale, incontrò i rifugiati all'ingresso di Feodosia e offrì loro di stabilirsi nella sua terra, fornendo loro denaro per la prima volta.

- "È un peccato allontanarsi dalla tua nazionalità, specialmente da una così piccola e oppressa", ha detto Ivan Konstantinovich.

Notte. Tragedia nel Mar di Marmara. 1897. Collezione privata

"Padre della città" Ivan Aivazovsky e Feodosia

Aivazovsky è stata la prima persona onoraria di Feodosia. Per tutta la vita fu attivamente impegnato nel suo miglioramento, contribuì alla prosperità della città. La sua influenza sulla vita teodosiana fu enorme. L'artista ha aperto una scuola d'arte a Feodosia, trasformando Feodosia in uno dei centri della cultura pittorica nella Russia meridionale. Su sua iniziativa furono costruiti una sala da concerto comunale e una biblioteca.

Feodosia in una notte di luna. Vista dal balcone della casa di Aivazovsky sul mare e sulla città. 1880. Museo Statale d'Arte del Territorio dell'Altai, Barnaul

A sue spese fu creata e mantenuta una scuola parrocchiale.

Aivazovsky ha anche preso parte alla costruzione di un nuovo edificio per il Feodosia Men's Gymnasium, i cui studenti in varie epoche furono il poeta e traduttore Maximilian Voloshin, il marito di Marina Cvetaeva, il pubblicista Sergei Efron, Alexander Peshkovsky, un linguista russo e sovietico, professore, uno dei pionieri nello studio della sintassi russa. Aivazovsky era l'amministratore fiduciario di questa palestra, assegnava borse di studio e pagava gli studi a studenti bisognosi. La palestra esisteva fino al 1918.

Il primo treno a Feodosia. 1892. Pinacoteca di Feodosia. I.K.Aivazovsky

Ha anche assicurato che una ferrovia fosse costruita in città. Il suo dipinto "Il primo treno per Feodosia" è stato creato ancor prima della costruzione della ferrovia, cioè dall'immaginazione.

Ricordo sempre un defunto amico che mi disse più di una volta: "Che tipo di caccia vuoi, Ivan Konstantinovich, per cercare una ferrovia per Feodosia, inquinerà solo la costa e oscurerà la meravigliosa vista della baia da casa tua .” In effetti, se mi fossi preso cura di me personalmente, mi sarei opposto con tutte le mie forze alla costruzione della ferrovia feodosiana. La mia tenuta si trova nei pressi di Feodosia e lontana dalla prevista linea ferroviaria, di cui quindi non dovrò usufruire dei servizi. L'unica casa che mi appartiene a Feodosia, in cui abito, con la costruzione di una ferrovia in riva al mare, potrebbe diventare disabitata e, comunque, perderà per me il carattere di angolo raccolto. Chi sa sacrificare i propri interessi personali per il bene pubblico capirà facilmente da quali motivazioni mi guido nel difendere Teodosio…”

Tutti gli edifici importanti di Feodosia erano dietro le quinte sotto la supervisione di Aivazovsky. Un caso tipico della vita dell'artista è stato descritto nelle sue memorie da Yuri Galabutsky:

"Mi stai rovinando la strada!"

“Una volta in inverno, Aivazovsky, come al solito, partì per qualche tempo a San Pietroburgo. Al ritorno, come di consueto, a due o tre stazioni da Feodosia, venne accolto da chi gli era più vicino e riportò subito tutte le notizie cittadine che I.K. ascoltato con viva curiosità. E scopre che l'abitante N. sta costruendo una casa sulla strada principale - Italianskaya; la costruzione è già iniziata in assenza di I.K. e la casa sarà a un piano. I.K. si è preoccupato terribilmente: una casa a un piano sulla strada principale! Immediatamente all'arrivo, non avendo avuto il tempo di riposarsi dalla strada, chiama l'abitante N. Lui, ovviamente, compare subito. “Stai costruendo una casa a un piano? Vergognatevi? Sei un uomo ricco, cosa stai facendo? Mi stai rovinando la strada!" . E il laico N. cambia obbedientemente il piano e costruisce una casa a due piani.

Grazie a lui il porto fu completamente rifatto, ampliandolo e rendendolo moderno e comodo alle navi. Il porto di Feodosia è stato a lungo considerato il più grande porto commerciale della Crimea.

Molo a Feodosia. Metà del XIX secolo Riserva del Museo storico, architettonico e artistico statale Vladimir-Suzdal

Con i propri soldi, Aivazovsky costruì l'edificio del Museo Archeologico (l'edificio del museo fu fatto saltare in aria dalle truppe sovietiche in ritirata dalla Crimea nel 1941) e donò un teatro alla sua città natale, più precisamente era un palcoscenico nella sua galleria d'arte.

All'inizio degli anni 1890, secondo il proprio progetto ea proprie spese, Aivazovsky eresse una fontana in memoria del sindaco di Feodosia A. I. Kaznacheev (la fontana andò perduta negli anni '40).

Nel 1886 Feodosia subì una grave carenza d'acqua.

“Non potendo continuare ad essere testimone del terribile disastro che la popolazione della mia città natale soffre per mancanza d'acqua di anno in anno, gli do 50mila secchi al giorno di acqua pulita della sorgente Subash che mi appartiene ”, scrisse nel suo appello alla Duma cittadina Ivan Aivazovsky nel 1887.

La sorgente di Subash si trovava nella tenuta dell'artista Shah-Mamai, non lontano dall'Antica Crimea, a 25 verste da Feodosia. Nel 1887 iniziarono i lavori per la posa di una conduttura dell'acqua, grazie alla quale l'acqua arrivava in città. Nel parco vicino all'argine, secondo il progetto dell'artista, è stata costruita una fontana, dalla quale i residenti locali ricevevano acqua gratuitamente. In una delle sue lettere, Aivazovsky scrisse:

"Una fontana in stile orientale è così buona che né a Costantinopoli né da nessun'altra parte ne conosco una così riuscita, specialmente nelle proporzioni".

La fontana era una copia esatta della fontana di Costantinopoli. Ora la fontana porta il nome di Aivazovsky.

Nel 1880 Aivazovsky aprì una sala espositiva nella sua casa (la famosa Feodosia Art Gallery), che l'artista lasciò in eredità alla sua città natale.

È mio sincero desiderio che l'edificio della mia galleria d'arte nella città di Feodosia, con tutti i dipinti, le statue e le altre opere d'arte in questa galleria, sia di piena proprietà della città di Feodosia e, in memoria di me, Aivazovsky , lascio in eredità la galleria alla città di Feodosia, la mia città natale."

Alcune fonti affermano che l'artista abbia anche lasciato in eredità il compenso per la visita della sua galleria ai poveri feodosiani.

Fino alla fine dei suoi giorni, è stato impegnato con borse di studio e pensioni per gli abitanti della sua città, quindi la notizia della morte dell'artista è stata percepita come un dolore personale per migliaia di Feodosiani, per i quali Aivazovsky era una persona cara - dopo tutto, ha battezzato molti bambini e ha sposato centinaia di ragazze vicine che hanno glorificato l'artista, ricordando i suoi favori.

La consapevolezza che il “padre della città”, cittadino, patriota, filantropo, che non aveva eguali nella storia di Feodosia, era scomparso, è arrivata poco dopo. Tutti i negozi erano chiusi quel giorno. La città sprofondò nel più pesante lutto.

Il funerale di I.K. Aivazovsky 22 aprile 1900
Il funerale di I.K. Aivazovsky. Un carro funebre e un corteo funebre all'esterno della pinacoteca.

Per tre giorni le chiese feodosiane piansero la partenza di Ivan Konstantinovich con il suono di una campana. La grande sala della pinacoteca era piena di molte corone funebri. Per tre giorni le persone sono andate alla galleria d'arte per onorare la memoria di Aivazovsky. A Feodosia arrivarono delegazioni, comprese quelle della diaspora armena.

Il corteo funebre si estendeva dalla casa di Aivazovsky alla chiesa medievale armena di S. Sargis, nel recinto di cui avvenne la sepoltura. La scelta del luogo di sepoltura non fu casuale: fu lasciato in eredità dall'artista stesso, perché fu in questa chiesa che fu battezzato e qui furono conservati gli affreschi dell'artista.

Veli da lutto coprivano le lanterne nelle strade vicine. E la strada stessa era cosparsa di fiori.

La guarnigione locale prese parte ai funerali, conferendo onori militari al defunto, fatto eccezionale per l'epoca. Più tardi, sulla sua tomba apparirà un'iscrizione in armeno: "Nato mortale, ha lasciato dietro di sé un ricordo immortale".

“Era un amico di Pushkin, ma non leggeva Pushkin”

Ivan Konstantinovich Aivazovsky (1817-1900)

Il primo e unico incontro dell'artista con il Grande Poeta della Russia ebbe luogo nel 1836. L'artista a quel tempo aveva solo 19 anni. Anni dopo, Ivan Konstantinovich ha ricordato questo incontro:

“... Nel 1836, tre mesi prima della sua morte, precisamente a settembre, Pushkin venne all'Accademia delle arti con la moglie Natalia Nikolaevna, alla nostra mostra di pittura di settembre. Avendo appreso che Pushkin era alla mostra ed era andato alla Galleria dell'Antiquariato, noi studenti siamo corsi lì e abbiamo circondato il nostro amato poeta con una folla. A braccetto con sua moglie, si fermò davanti al quadro dell'artista Lebedev, un pittore paesaggista di talento, e lo guardò e lo ammirò a lungo. Il nostro ispettore dell'accademia, Krutov, che ero accompagnato ... mi ha visto, mi ha preso per mano e ha presentato a Pushkin il fatto che stava ricevendo una medaglia d'oro (mi sono diplomato all'accademia quell'anno).

Pushkin mi ha accolto molto affettuosamente e mi ha chiesto dove fossero i miei dipinti... Dopo aver appreso che ero nativo della Crimea, Pushkin ha chiesto: "Di che città vieni?" Poi si chiese se fossi qui da molto tempo e se fossi malato al nord... Da allora, il poeta che già amavo è diventato oggetto dei miei pensieri, ispirazione e lunghe conversazioni e domande su di lui... "

Nel febbraio 1837 Puskin morì. Per il giovane artista, che all'Accademia fu paragonato al brillante Pushkin, questo tragico evento fu catastrofico. Dopotutto, hanno così tanto in comune: una cerchia di amici, interessi, entrambi cantavano la natura, la Crimea. Sembrava che ci fossero così tanti incontri interessanti con lo stesso Pushkin in vista ...

Le prime esperienze di Aivazovsky si riflettono nel dipinto "Seashore at Night". L'artista lo dipinse vicino a Kronstadt. Un giovane sulla riva, allungando le mani in avanti, accogliendo l'avvicinarsi della tempesta - Questo è il primo tributo di Aivazovsky alla memoria di Pushkin. In seguito dedicherà al poeta una ventina di dipinti e disegni. Ma solo pochi saranno i più famosi.

Mare di notte. Al faro. 1837. Pinacoteca Feodosia. I.K. Aivazovsky

COME. Pushkin in Crimea vicino alle rocce di Gurzuf. 1880

Pushkin sulla costa del Mar Nero. 1887.

Museo d'Arte Nikolaev. V.V. Vereshchagin, Ucraina

COME. Pushkin in cima ad Ai-Petri all'alba. 1899

Museo Statale Russo, San Pietroburgo

COME. Pushkin sulla costa del Mar Nero. 1897

Museo d'Arte di Odessa, Ucraina

Addio ad A.S. Pushkin con il mare. 1877

Museo tutto russo di AS Pushkin, San Pietroburgo

L'immagine è stata eseguita insieme a I.E. Rep. Repin ha dipinto Pushkin, il paesaggio è stato realizzato da Aivazovsky. Il dipinto è dedicato al 50° anniversario della morte del poeta. La trama è stata presa dalla poesia di Pushkin - "Al mare". Come è noto da Odessa, Pushkin fu inviato nel 1824 in un nuovo luogo di esilio, nel villaggio di Mikhailovskoye. Il dipinto raffigura il momento dell'addio del poeta caduto in disgrazia con il mare.

Addio, mare! non dimenticherò
La tua solenne bellezza
E per molto, molto tempo ascolterò
Il tuo brusio nelle ore serali.
Nelle foreste, nei deserti tacciono
trasferirò, pieno di te,
Le tue rocce, le tue baie
E splendore, e ombra, e il suono delle onde.

Nel 1847, nel decimo anniversario della morte di Pushkin, Aivazovsky presentò il suo dipinto alla vedova. "Notte di luna in riva al mare. Costantinopoli".

Notte di luna al mare. 1847. Pinacoteca di Feodosia. I.K.Aivazovsky

Nonostante la buona memoria di Pushkin, Aivazovsky non lo lesse. Ivan Konstantinovich era assolutamente indifferente alla lettura in generale. Questo è noto dalle parole di un altro genio - A.P. Cechov:

«22 luglio, Feodosia. 1888. Ieri sono andato a Shah-Mamai, la tenuta di Aivazovsky, a 25 miglia da Feodosia. La tenuta è lussuosa, alquanto favolosa; tali proprietà possono essere probabilmente viste in Persia. Lo stesso Aivazovsky, un vecchio vigoroso di circa 75 anni, è un incrocio tra una bonaria donna armena e un vescovo annoiato; pieno di dignità, le sue mani sono morbide e le servono come un generale. Non lontano, ma la natura è complessa e degna di attenzione.

In sé solo unisce il generale, e il vescovo, e l'artista, e l'armeno, e l'ingenuo nonno, e Otello. È sposato con una donna giovane e molto bella, che tiene nei ricci. Familiarità con sultani, scià ed emiri. Ha scritto Ruslan e Lyudmila insieme a Glinka. Era un amico di Pushkin, ma non leggeva Pushkin. Non ha letto un solo libro in vita sua. Quando gli viene offerto di leggere, dice: "Perché dovrei leggere se ho le mie opinioni?" Sono stata con lui tutto il giorno e ho cenato...

Origine orientale dell'artista

Auto ritratto. 1874. Galleria degli Uffizi, Firenze, Italia

In rete si possono trovare molte opinioni sull'origine dell'artista. I russi lo chiamano artista russo, gli armeni lo chiamano artista russo di origine armena e solo, a quanto pare, nessuno ha mai chiesto il parere dei turchi. Anche se sono sicuro che i turchi dimostreranno ostinatamente l'origine orientale di Aivazovsky. E in qualche modo avranno anche ragione.

Il fatto è che subito dopo la morte dell'artista, nel 1901, libro "Ricordi di Aivazovsky" , il cui autore è un contemporaneo e devoto amico di I.K. Aivazovsky Nikolay Kuzmin. Già nella sua seconda pagina puoi trovare una storia sull'origine dell'artista:

“Il sangue turco scorreva nelle vene di Aivazovsky, anche se per qualche ragione era consuetudine per noi considerarlo ancora un armeno di sangue, probabilmente per la sua costante simpatia per gli sfortunati armeni, che si intensificò dopo i massacri, le violenze e le rapine dell'Anatolia e di Costantinopoli , che inorridiva tutti, raggiunse il culmine, costringendolo segretamente a fare del bene agli oppressi con mano larga e risentito a gran voce per l'inerzia dell'Europa, che non voleva interferire in questo massacro.

Lo stesso I. K. Aivazovsky una volta ha ricordato la sua origine, nella cerchia della sua famiglia, la seguente leggenda interessante e, quindi, abbastanza affidabile. La storia qui presentata è stata originariamente registrata dalle sue parole ed è conservata negli archivi di famiglia dell'artista.

“Sono nato nella città di Feodosia nel 1817, ma la vera patria dei miei più stretti antenati, mio ​​padre, era lontana da qui, non in Russia. Chi l'avrebbe mai detto che la guerra, questo flagello distruttivo, servisse a garantire che la mia vita fosse preservata e che vedessi la luce e nascessi proprio sulle rive del mio amato Mar Nero. Eppure era così. Nel 1770, l'esercito russo, guidato da Rumyantsev, pose l'assedio a Bendery. La fortezza fu presa, ei soldati russi, irritati dall'ostinata resistenza e dalla morte dei loro compagni, si dispersero per la città e, ascoltando solo il sentimento della vendetta, non risparmiarono né sesso né età.

Tra le loro vittime c'era il segretario del Pascià di Bendery. Colpito a morte da un granatiere russo, morì dissanguato, stringendo tra le braccia un bambino, che stava preparando la stessa sorte. La baionetta russa era già stata alzata sul giovane turco, quando un armeno gli teneva la mano punitiva con un'esclamazione: "Fermare! Questo è mio figlio! È un cristiano!" Una nobile menzogna servì a salvare e il bambino fu risparmiato. Questo bambino era mio padre. Il buon armeno non pose fine alla sua beneficenza con questo, divenne il secondo padre di un orfano musulmano, battezzandolo con il nome di Konstantin e dandogli il cognome Gayvazovsky, dalla parola Gayzov, che in turco significa segretario.

Avendo vissuto a lungo con il suo benefattore in Galizia, Konstantin Aivazovsky si stabilì infine a Feodosia, dove sposò una giovane bella meridionale, anche lei armena, e dapprima si impegnò in operazioni commerciali di successo "...

Il vero nome dell'artista è Hovhannes Ayvazyan . Il padre del futuro maestro, Konstantin (Gevorg), armeno di origine, dopo essersi trasferito a Feodosia, scrisse un cognome alla maniera polacca: “ Gaivazovsky" . Fino agli anni '40, si poteva persino vedere la firma "Guy" nei dipinti del maestro, un'abbreviazione del cognome. Ma nel 1841, l'artista cambiò finalmente il suo cognome e divenne ufficialmente Ivan Konstantinovich Aivazovsky.

Il dipinto più costoso di Ivan Aivazovsky:

Veduta di Costantinopoli e del Bosforo. 1856. Collezione privata

"Veduta di Costantinopoli e del Bosforo" oggi è in collezione privata. Nel 2012, il dipinto è stato venduto per 3,23 milioni di sterline.

Il dipinto è andato a un acquirente senza nome al telefono dopo un'intensa asta nella hall. Allo stesso tempo, il prezzo finale era quasi tre volte superiore al limite inferiore della stima: gli esperti di Sotheby's stimavano Aivazovsky a 1,2-1,8 milioni di sterline.

Aivazovsky visitò per la prima volta Costantinopoli nel 1845 come artista ufficiale dell'Ammiragliato russo. L'artista ha affrontato più volte il tema di questa città, ha dipinti con vedute di Hagia Sophia e della Baia del Corno d'Oro, ma la maggior parte di essi non sono molto grandi. Questo lavoro è piuttosto una tela monumentale.

È interessante notare che "la vista di Costantinopoli e della baia del Bosforo, che raffigura la vivace vita del porto con la moschea Tophane Nusretiye, è stata restaurata dall'artista a memoria.

Per il 200° anniversario di Ivan Aivazovsky, una meravigliosa pubblicazione online sull'arte Artive fece rivivere le tele del grande pittore marino. Cosa ne è venuto fuori, guarda tu stesso:

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Ivan Konstantinovich Aivazovsky (Arm. Հովհաննես Այվազյան, Hovhannes Ayvazyan; 17 luglio 1817, Feodosia - 19 aprile 1900, ibid.) - Pittore marino russo, pittore di battaglie, collezionista, filantropo. Pittore di Stato Maggiore della Marina Militare, accademico e membro onorario dell'Accademia Imperiale delle Arti, membro onorario delle Accademie delle Arti di Amsterdam, Roma, Parigi, Firenze e Stoccarda.

L'artista più eccezionale di origine armena del XIX secolo.
Fratello dello storico armeno e arcivescovo della Chiesa apostolica armena Gabriel Aivazovsky.

Hovhannes (Ivan) Konstantinovich Aivazovsky è nato in una famiglia armena di un mercante Gevork (Konstantin) e Hripsime Ayvazyan. Il 17 (29) luglio 1817, il sacerdote della chiesa armena nella città di Feodosia annotò che Konstantin (Gevorg) Aivazovsky e sua moglie Hripsime erano nati "Hovhannes, figlio di Gevork Ayvazyan". Gli antenati di Aivazovsky provenivano da armeni che si trasferirono in Galizia dall'Armenia occidentale nel XVIII secolo. Il nome del nonno dell'artista era Grigor Ayvazyan e sua nonna era Ashkhen. È noto che i suoi parenti possedevano grandi proprietà terriere nella regione di Lvov, ma non sono stati conservati documenti che descrivano in modo più accurato l'origine di Aivazovsky. Suo padre Konstantin (Gevorg) e dopo essersi trasferito a Feodosia scrisse un cognome alla maniera polacca: "Gayvazovsky" (il cognome è una forma polonizzata del cognome armeno Ayvazyan). Lo stesso Aivazovsky nella sua autobiografia racconta di suo padre, che a causa di una lite con i fratelli in gioventù, si trasferì dalla Galizia ai principati danubiani (Moldavia, Valacchia), dove si dedicò al commercio, e da lì a Feodosia.

Alcune pubblicazioni a vita dedicate ad Aivazovsky trasmettono, dalle sue parole, una tradizione di famiglia secondo cui c'erano dei turchi tra i suoi antenati. Secondo queste pubblicazioni, il defunto padre dell'artista gli disse che il bisnonno dell'artista (secondo Bludova, in linea femminile) era figlio di un capo militare turco e, da bambino, durante la cattura di Azov da parte delle truppe russe ( 1696), fu salvato dalla morte da un certo armeno che lo battezzò e lo adottò (opzione - un soldato).
Dopo la morte dell'artista (nel 1901), il suo biografo N. N. Kuzmin raccontò la stessa storia nel suo libro, ma sul padre dell'artista, riferendosi a un documento senza nome nell'archivio di Aivazovsky; tuttavia, non esistono prove della veridicità di questa leggenda.

Il padre dell'artista, Konstantin Grigoryevich Aivazovsky (1771-1841), dopo essersi trasferito a Feodosia, sposò una donna armena locale Hripsima (1784-1860), e da questo matrimonio nacquero tre figlie e due figli: Hovhannes (Ivan) e Sargis (in seguito nel monachesimo - Gabriele) . Inizialmente, l'attività di Aivazovsky ebbe successo, ma durante la peste del 1812 fallì.

Ivan Aivazovsky fin dall'infanzia ha scoperto in se stesso capacità artistiche e musicali; in particolare ha imparato da autodidatta a suonare il violino. L'architetto teodosiano Yakov Khristianovich Kokh, che fu il primo a prestare attenzione alle capacità artistiche del ragazzo, gli diede le prime lezioni di artigianato. Yakov Khristianovich ha anche aiutato il giovane Aivazovsky in ogni modo possibile, dandogli periodicamente matite, carta e colori. Ha anche raccomandato di prestare attenzione al giovane talento del sindaco di Feodosia Alexander Ivanovich Kaznacheev. Dopo essersi diplomato alla scuola distrettuale di Feodosia, Aivazovsky si iscrisse alla palestra di Simferopol con l'aiuto di Kaznacheev, che a quel tempo era già un ammiratore del talento del futuro artista. Quindi Aivazovsky fu ammesso a spese pubbliche all'Accademia Imperiale delle Arti di San Pietroburgo.

Aivazovsky arrivò a Pietroburgo il 28 agosto 1833. Inizialmente, ha studiato nella classe di paesaggio con Maxim Vorobyov. Nel 1835, per i paesaggi "Veduta del mare nei dintorni di San Pietroburgo" e "Studio dell'aria sul mare" ricevette una medaglia d'argento e fu assegnato come assistente dell'elegante pittore marino francese Philip Tanner. Studiando con Tanner, Aivazovsky, nonostante il divieto di quest'ultimo di lavorare in modo indipendente, continuò a dipingere paesaggi e presentò cinque dipinti alla mostra autunnale dell'Accademia delle arti nel 1836. Le opere di Aivazovsky hanno ricevuto recensioni favorevoli dalla critica. Tanner si lamentò di Aivazovsky con Nicola I e, per ordine dello zar, tutti i dipinti di Aivazovsky furono rimossi dalla mostra. L'artista fu perdonato solo sei mesi dopo e assegnato alla classe di pittura di battaglia dal professor Alexander Ivanovich Sauerweid per studiare pittura militare navale. Dopo aver studiato solo per pochi mesi nella classe di Sauerweid, nel settembre 1837 Aivazovsky ricevette la Grande Medaglia d'Oro per il dipinto Calma. In considerazione dello speciale successo di Aivazovsky nell'insegnamento, è stata presa una decisione insolita per l'accademia: rilasciare Aivazovsky dall'accademia due anni prima del previsto e mandarlo in Crimea per questi due anni per un lavoro indipendente, e successivamente - per affari viaggio all'estero per sei anni.

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