Sztuka cięcia kamienia Uralu: historia z kontynuacją. Streszczenie: Powstawanie ośrodków rzemiosła artystycznego Uralu Południowego
Powstawanie ośrodków rzemiosła artystycznego Uralu Południowego
1.3 Sztuka cięcia kamienia Uralu
Na Uralu zaczęto robić kamienne rzeczy w epoce klasycyzmu, chociaż produkcja kamienia zaczęła powstawać pod rządami V.N. Tatiszczew. Do końca XVIII wieku w wyniku działań ekspedycji w poszukiwaniu kolorowych kamieni odkryto tu wiele nowych złóż marmuru, jaspisu i innych skał. W tym samym czasie na Uralu ukształtował się główny trzon rzemieślników, a sztuka obróbki kamienia stała się biznesem dziedzicznym.
Przez prawie cały XVIII wiek wykonywano duże zamówienia z marmuru bardziej miękkiego niż jaspis czy agat. W szczególności Ural wykonał z niego marmurowe detale - stopnie, płyty, poręcze, kolumny - dla klasztoru Smolny, Peterhof i wielu budynków Carskiego Sioła, a także wiele detali i dekoracji słynnego Pałacu Marmurowego w Petersburgu, zaprojektowanego autorstwa architekta A. Rinaldiego. W XVIII wieku z twardych skał wytwarzano tylko drobne przedmioty (topaz Murzin, karneol, kryształ górski) - pieczęcie, ustniki, tabakiery, rękojeści sztyletów itp.
Od lat osiemdziesiątych XVIII wieku szlifiernia w Jekaterynburgu całkowicie przestawiła się na obróbkę twardych skał, a miejscowi rzemieślnicy zaczęli pewnie nabierać zaokrąglonych kształtów, które są trudne do wykonania.
Proces obróbki kamienia był pracochłonny i wieloetapowy, wytwarzanie wyrobów wymagało ostrożności i szczególnej staranności. Na przykład, planując zrobić miskę z 1000-pudowego różowego orletu (rodonitu), eksperci z Jekaterynburga napisali do klienta: zamówienie można złożyć nie wcześniej niż za cztery lata. W rzeczywistości produkcja tego wazonu zajęła nie cztery, ale dziesięć lat ciężkiej pracy.
Najpierw kamienie zostały pocięte stalowymi narzędziami i pocięte piłami do blachy. Jeśli przygotowywano produkt okrągły, wstępną obróbkę przeprowadzano za pomocą rur lub cylindrów, również wykonanych z blachy żelaznej. Piły i wiertła były podczas pracy zwilżane wodą i szmerglem. Tak więc kamień otrzymał pierwszy szorstki projekt. Następnie przystąpił do szczegółowej obróbki na „prętowej” maszynie: kamień dociskano śrubami do obracającego się drewnianego koła pasowego. Wręcz przeciwnie, kamień przeznaczony na okrągły produkt został wzmocniony w środku, obrócony wokół własnej osi i uzyskał swój kształt w wyniku kontaktu z tarkami i prętami. Po obróbce zdobniczej przystąpili do szlifowania i polerowania. Polerowane tarką szmerglową i miedzianą. Polerowane blaszanymi tarkami lub kołami pasowymi z hukiem.
W przypadku rzeczy, których ściany były ozdobione płaskorzeźbami, najpierw wykonali model woskowy zgodnie z rysunkiem. Następnie figury zostały narysowane na kamieniu miedzianym ołówkiem, obrysowane frezem i węższe, następnie toczone, szlifowane i polerowane.
Jednak ta metoda była odpowiednia dla produktów wykonanych z marmuru, rodonitu, jaspisu i niezbyt odpowiednia dla ujawnienia szczególnego piękna malachitu i lapis lazuli.
Tymczasem wiele produktów z malachitu zostało wyprodukowanych przez fabrykę cięcia w Jekaterynburgu i wysłanych do Petersburga. Ural ma najlepsze i najbogatsze złoża malachitu na świecie. Kawałki o wadze do 1500 kilogramów wydobywano w kopalni Gumeshevsky w pobliżu zakładu w Polewsku, a blok o masie 25 ton odkryto w kopalni Mednorudyansky w regionie N. Tagil. Następnie ten blok, rozbity na kawałki o wadze 2 ton, posłużył do oblicowania słynnej malachitowej sali Pałacu Zimowego. Do produkcji wyrobów z malachitu i lapis lazuli rzemieślnicy z Uralu stosowali technikę tzw. „rosyjskiej mozaiki”.
Okazuje się, że ogromne malachitowe wazy czy blaty nie są zrobione z całego kawałka malachitu: ich objętość jest zrobiona z serpentyny, marmuru lub innego kamienia. Naturalne cechy malachitu - obfitość dużych i małych pustek, obcych inkluzji, nozdrzy zmusiły nas do porzucenia zwykłych wyobrażeń o całym pięknie kamienia elewacyjnego, co umożliwia tworzenie obszernych rzeczy. Malachit jest cięty na cienkie płytki i używany jako materiał okładzinowy: wkleja się go na przygotowany kształt, okrągły, jeśli jest to wazon, lub płaski (blat). Na Zachodzie taka technika - wklejanie prostego kamienia płytkami drogich skał jest znana od dawna, jednak oryginalność „rosyjskiej mozaiki” polegała na tym, że wklejano rzeczy o zaokrąglonej powierzchni: wazony, kolumny, rzeczy z reliefową ornamentyką, a co najważniejsze - kolosalne przedmioty. (Dodatek A, Rysunek A.2).
Dumą Uralu były wyroby z malachitu, lapis lazuli i jaspisu, wykonane metodą rosyjskiej mozaiki. W połowie XIX wieku rozwinęła się powszechna moda na malachit w dekoracji wnętrz: w latach 1830-1840 malachit przekształcił się z kamienia używanego przez jubilerów w materiał do dekoracji architektonicznej. Artysta A. Venetsianov w jednym ze swoich prywatnych listów pisał o stworzeniu „malachitowego pokoju” w nowo ukończonym (po silnym pożarze) Pałacu Zimowym: „Pałac jest prawie gotowy (jeszcze nie byłem) , i będzie miał malachitowy pokój - malachitowe pierścionki nosili, pamiętasz? .
W połowie XVIII wieku w Jekaterynburgu, oprócz wyrobów z marmuru, podjęto pierwsze kroki w celu obróbki twardych skał i wykonywania z nich różnych przedmiotów artystycznych. W latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych XVIII wieku kwitła moda na tabakierki, do każdego stroju dołączona była pewna tabakierka, wykonana z najrozmaitszych materiałów: metalu, kości, porcelany itp. Na Uralu kamienne tabakiery wytwarzano w dużych ilościach.
W 1754 r. Studenci jekaterynburskiego „młyna” pod kierunkiem I. Susorowa pracowali nad wyrobami o bardziej złożonym kształcie niż tabakiery, kubki i tace o różnych kształtach wykonane z ciemnozielonego jaspisu itp. Opanowanie techniki obróbki twardego kamienia trwa nadal w kolejne lata pod kierunkiem S. Waganowa. W 1769 r. przetwarzano już małe okrągłe misy z czerwonego agatu, niebieskiego i czarnego jaspisu. W tych latach po raz pierwszy pojawia się informacja, że miseczki zostały wykonane „z wycięciem w środku”, czyli wydrążone. W produkcji napotkano również nieoczekiwane produkty, na przykład łyżki stołowe z czerwonego jaspisu.
Od lat osiemdziesiątych XVIII wieku szlifiernia w Jekaterynburgu całkowicie przeszła na przetwarzanie wyłącznie twardych skał. Na początku września 1782 r. Otrzymano zamówienie z Petersburga na wykonanie waz i specjalnych rysunków. Do każdego rysunku dobrano odpowiednie kamienie, głównie jaspisy o ciemnej, powściągliwej kolorystyce. Klasycyzm ze swoim kultem klarowności i form architektonicznych wyznacza styl wyrobów Uralu z lat 1770-1780. W połowie XVIII wieku dzieła mistrzów Uralu nie odgrywały jeszcze takiej roli w dekoracji wnętrz, jak w ostatnich dziesięcioleciach stulecia, kiedy to wnętrza zdobiono kamiennymi posągami, wazonami, lampami podłogowymi. W latach osiemdziesiątych XVIII wieku fabryka w Jekaterynburgu zaczęła tworzyć kamienne wazy, z których zasłynęła historia rosyjskiego kamieniarza.
Największy rozkwit produkcji w fabryce w Jekaterynburgu przypada na pierwszą połowę XIX wieku. W ciągu tych lat powstały kamienne wazy, misy, obeliski i lampy podłogowe według projektów największych rosyjskich architektów. Najlepsze produkty fabryki były wielokrotnie demonstrowane na światowych wystawach w Europie i otrzymywały najwyższe nagrody. .
kultura starożytnej Grecji
Kultura duchowa w kontekście historyzmu
Starożytni Grecy nazywali sztukę „umiejętnością tworzenia rzeczy zgodnie z pewnymi zasadami”. Poza architekturą i rzeźbą odnosili się do sztuki jako rękodzieła i arytmetyki oraz w ogóle każdego biznesu…
Produkty do cięcia kamienia
Tyva to kraina dziedzicznych mistrzów sztuki rzeźbienia w kamieniu. Ta sztuka wywodzi się od niepamiętnych czasów - tuvanska rzeźba w kamieniu, Tuvans, zwłaszcza starsze pokolenie, uważają zwierzęta, bestie...
kultura arabska
Specyfika sztuki średniowiecznej krajów arabskiego Wschodu, a także całego Bliskiego i Środkowego Wschodu jest bardzo złożona. Odzwierciedlał żywą treść rzeczywistości, ale jak cała kultura średniowiecza...
kultura arabska
Prowadzone na przestrzeni ostatnich kilkudziesięciu lat badania świadczą o rozwoju w średniowiecznym Egipcie malarstwa monumentalnego, a także miniatur, zwłaszcza w XI-XII wieku...
Kultura Białorusi w drugiej połowie XIX i na początku XX wieku
Rozwój zainteresowań poznawczych edukacją uczniów w kontekście integracji edukacji technicznej i historycznej
Średniowieczna kultura arabsko-muzułmańska
Średniowieczna architektura arabska wchłonęła tradycje krajów podbitych – Grecji, Rzymu, Iranu, Hiszpanii. Rozwijała się także sztuka w krajach islamu, w sposób kompleksowy oddziałując na religię. meczety...
średniowieczne społeczeństwo
Światopogląd kościelno-religijny miał decydujący wpływ na rozwój sztuki średniowiecznej. Kościół widział swoje zadania we wzmacnianiu poczucia religijnego wierzących...
* Niniejsza praca nie jest pracą naukową, nie jest ostateczną pracą kwalifikacyjną i jest wynikiem przetwarzania, porządkowania i formatowania zebranych informacji, z przeznaczeniem do wykorzystania jako źródło materiału do samodzielnego przygotowania pracy edukacyjnej.
Wstęp
Kultura artystyczna Uralu jest integralną częścią historii kultury rosyjskiej. Jednocześnie nie jest to tylko prowincjonalna wersja kultury narodowej, ale niezależne zjawisko z własnymi wzorami i logiką rozwoju. Na tym polega specyfika istnienia takiego zjawiska jak kultura regionalna.
Wyjątkowe położenie Uralu – pomiędzy dwoma głównymi ośrodkami cywilizacji świata – Europą i Azją, stworzyło okazję do nieustannej interakcji między Wschodem a Zachodem; różnorodność warunków przyrodniczych i geograficznych Uralu doprowadziła do różnorodności struktur kulturowych i gospodarczych, które powstały tu od epoki paleolitu i wpłynęły na cały dalszy bieg wydarzeń historycznych.
Historia kultury Uralu jest nierozerwalnie związana z rozwojem ziem uralskich i syberyjskich przez naród rosyjski. Od XVI wieku Na terytoriach skolonizowanych buduje się miasta. W XVIII wieku. osadnictwo i rozwój regionu trwa: środkowy Ural staje się górniczym centrum kraju. Tutaj powstaje wyjątkowa kultura górnicza, która różni się od kultury reszty chłopskiej Rosji, która otrzymała najpełniejsze wcielenie w rzemiośle artystycznym Uralu, łącząc tradycje sztuki ludowej i nowe formy przemysłowej metody organizacji produkcji.
Kształtowanie się sztuki profesjonalnej na Uralu ma miejsce dość późno, głównie w XIX - początku XX wieku, kiedy pojawili się pierwsi uralscy pisarze, malarze i grupy teatralne. Był to czas wzrostu samoświadomości regionu, powstania trwałego zainteresowania historią regionu, jego tożsamością, powstania lokalnych towarzystw historycznych, powstawania muzeów.
Procesy modernizacyjne, zniszczenie tradycyjnego sposobu życia początku XX wieku. a zwłaszcza przewroty rewolucyjne na swój sposób wpłynęły na rozwój kultury uralskiej, radykalnie zmieniając jej losy. Próby stworzenia kultury socjalistycznej opierały się na negowaniu dziedzictwa kulturowego przeszłości. Podjęto próbę sztucznego stworzenia nowej tradycji profesjonalnej twórczości artystycznej na Uralu.
Dlatego celem tej pracy jest badanie kultury artystycznej Uralu.
Na tej podstawie wykonaj następujące zadania:
rozważ odlewanie żelaza;
analiza ryciny Zlatousta na stali;
studiowanie malarstwa Niżny Tagil na metalu;
wyróżnienia wyrobów ceramicznych na Uralu.
1. Sztuka ludowa
Szczególne miejsce w kulturze ludowej zajmuje mistrz – wyjątkowa osoba twórcza, duchowo związana ze swoim ludem, z kulturą i przyrodą regionu, w którym żyje. Jest nosicielem tradycji i zbiorowego doświadczenia duchowego.
M. A. Niekrasowa pisze o miejscu, jakie mistrz zajmuje w kulturze ludowej: „Skoro pojęcie „kultura” obejmuje wszystko, co zostało ustalone w czasie, wartości trwałe, to ich nosicielami są najczęściej przedstawiciele starszych pokoleń , sławni ludzie. … Ci mistrzowie, którzy w swojej pracy potrafią zsyntetyzować doświadczenie zespołu. … Ceniono ciągłość rzemiosła przodków. O poziomie szkoły decydowały prace mistrza. Taka koncepcja mistrza ... obejmowała nie tylko jego umiejętności, ale także wysokie cechy osobowości osoby szanowanej przez wszystkich. W przedstawieniach ludowych mądrość i doświadczenie kojarzone były ze zręcznością. Kryterium moralne było nierozerwalnie związane z koncepcją „mistrza ludowego” jako osoby twórczej, niosącej poetycki świat.
Czym jest ta osobowość? Przede wszystkim wyróżnia się świadomością historyczną, troską o zachowanie wartości z przeszłości i przeniesieniem ich w przyszłość oraz moralną oceną rzeczywistości. Taka świadomość tworzy obraz szczególnej wizji świata. … Często rzemieślnik ludowy obdarzony jest cechami osoby wyjątkowej, niezwykłej, czasem słynie jako ekscentryk. A wszystko to są aspekty ludowego talentu, duchowego talentu. Jej indywidualny koloryt nie stoi w sprzeczności z zaangażowaniem w całość, która stanowi światopogląd mistrza ludowego, determinuje jego kulturową rolę jako osoby twórczej.
Odlewy Kasli, staloryt Złotoust, malowanie na metalu Niżny Tagil, miedź Suksun, obróbka kamienia i sztuka jubilerska - można powiedzieć, że ich znaczenie dorównuje wartości regionu jako historycznego centrum metalurgicznego. Zrodziły się i stały się wyrazem gornouralskiego sposobu życia, gdzie tradycje chłopskie w dużej mierze determinowały pracę robotników i rzemieślników, gdzie twórczość pojedynczych rzemieślników współistniała z produkcją przemysłową, gdzie głównym materiałem było żelazo i kamień, gdzie związek z duch tradycji nie odrzucał, lecz zakładał nieustanne szeroko zakrojone poszukiwania, w których powstawały dzieła zdobiące stołeczne pałace i chłopskie chaty, kupieckie dwory i życie robotnicze.
Dzieła uralskiej sztuki przemysłowej, przy całej różnorodności natury i form istnienia rzemiosła, wyróżniają się ścisłym związkiem z życiem codziennym, z praktycznymi potrzebami samego życia. Nie ma jednak wąsko utylitarnego stosunku do rzeczy stworzonych. Ten typ relacji jest charakterystyczny dla tradycyjnej kultury ludowej, która ze względu na swój synkretyzm nie zna pozaestetycznego stosunku do rzeczywistości. Znaczenie i główna treść tej sztuki nie ogranicza się do wytwarzania pięknych przedmiotów. Proces tworzenia dowolnego przedmiotu w tej kulturze działa jako nie tylko praktyczny, ale także duchowy rozwój otaczającego świata.
Sztuka ludowa przez cały czas jest nieustannym tworzeniem świata. Dlatego każde dzieło jest jednocześnie afirmacją świata jako całości i autoafirmacją człowieka jako członka rodzaju-kolektywu. Świat kultury ludowej to cały kosmos: obejmuje wszystkie elementy życia, co decyduje o wysokiej strukturze figuratywnej dzieł sztuki ludowej.
Cechy uralskiego rzemiosła ludowego, ukształtowanego w trzewiach kultury górniczej, determinowało znaczenie roli indywidualności twórczej, znaczenie nabyte przez poszukiwanie własnych środków wyrazu i artystycznej nowinki, interakcja z przemysłowymi technologiami produkcji, osobliwości społecznej egzystencji zarówno samych producentów, jak i konsumentów ich produktów, wśród których byli ludzie z różnych środowisk.
W jednej z baśni P. P. Bażow rysuje sposób organizacji pracy w czasach aktywnego istnienia rzemiosła: „Zdarzyło się też, że w jednej chacie przy piecu wycinano we wzór noże i widelce, przy oknie ostrzono i wypolerował kamień i utkał maty pod zasłonami”. Podkreśla specyfikę pracy nie tylko pojedynczych rzemieślników, ale i ówczesnych robotników fabrycznych: prymitywność technologii produkcji, opartej głównie na pracy fizycznej, uzależniała jakość wyrobu od doświadczenia i indywidualności mistrza. Rodziło to współzawodnictwo i rywalizację rzemieślników, tajemnice zawodowe były przekazywane w rodowych dynastiach odlewników, kowali, kamieniarzy z pokolenia na pokolenie. To nie przypadek, że takie miejsce w umysłach Uralu zajmuje obraz Mistrza, dążącego do poznania Tajemnicy.
Fenomen Mistrza zakorzeniony jest w kulturze ludowej do rzemieślnika odpowiedzialnego za swoją pracę, odpowiedzialnego za siebie i swoich bliskich. Jego praca jest mało zmechanizowana, bardziej ręczna niż maszynowa, zatrzymuje ciepło ludzkich rąk. Oczywiście praca rzemieślnika to praca na rynek. Ale nigdy nie było to bezmyślne powielanie.
Prawdziwy mistrz nie spieszy się z rozstaniem z sekretami swoich umiejętności. Jest zdany na siebie, nauczy swojego biznesu tylko „sprytnego i nie leniwego do pracy”, któremu można otworzyć „zaklęte słowo”. Co ciekawe, stosunek innych do mistrza zależał od tego, jak bardzo dana osoba rozumiała wartość jego pracy.
Wartość kultury ludowej polega na tym, że pozwala ona uświadomić sobie związek między nowoczesnością a tradycją. Sztuka ludowa może zginąć tam, gdzie zatraca się więź między człowiekiem a jego ziemią. Można to w pełni odczuć, odwołując się do historii uralskiego rzemiosła, którego losy rozwijały się w różny sposób. Odrębne rodzaje sztuki przemysłowej Uralu, które rozkwitły, zostały zepchnięte na dalszy plan, zniknęły, zostały zastąpione innymi. Ale pomimo wszystkich perypetii historii byli i pozostają rzecznikami samoświadomości ludzi, którzy ich stworzyli.
2. Odlewy żeliwne
Żeliwo na Uralu było kojarzone przede wszystkim z potrzebami gospodarstw domowych: zapotrzebowanie na drzwi piekarnika, kotły, koksowniki, formy do pieczenia pierników i bułek prowadzi do tego, że artykuły gospodarstwa domowego wytwarzane są w wielu fabrykach Uralu w XVIII - XIX wieku. Przez długi czas wytwarzanie przedmiotów, nawet związanych z odlewnictwem artystycznym, stawiane było na równi z innymi wyrobami odlewni żeliwa.
W tym czasie wyroby z żelaza Ural były bardzo popularne: wykorzystywano je do ozdabiania obiektów architektonicznych oraz we wnętrzach rezydencji. Szczególną sławę zyskały wzorzyste kraty żeliwne, które do dziś zachowują urok koronkowej dzianiny. A w pierwszej trzeciej XIX wieku. w rosyjskiej architekturze następuje nowy, potężny wzrost, powstają okazałe zespoły, architekci szeroko wykorzystują rzeźbę i odlewy żeliwne. W XVIII - XIX wieku. artystyczne odlewy żeliwne na Uralu są produkowane w wielu przedsiębiorstwach, zarówno prywatnych, jak i państwowych: w zakładach Kamenskoi, Kyshtymsky, Kushvinsky, Verkh-Isetsky, Kasli, Chermozovsky, Pozhevsky, Nizhny Tagil, Bilimbaevsky.
W latach 1830 - 1840. w zakładzie w Kasli pojawia się figurowy odlew żeliwny. W Kasli odlano kraty, meble ogrodowe, kominki i rzeźby komorowe. Różniły się formą, ale zawsze zadziwiały kunsztem wykonania. Sukces Kaslinsky'ego w dużej mierze ułatwiła współpraca z utalentowanymi rzeźbiarzami P. Klodtem, M. Kanaevem, N. Bachem (motywy natury uralskiej brzmią w jego pracach), a także tworzenie odlewów według modeli E. Lansere, A. Ober, N. Liberich i wielu innych.
Po rewolucji nastąpiły istotne zmiany w rozwoju artystycznego odlewnictwa żeliwnego: najpierw zaczęła się zmieniać technologia produkcji, ze względu na szybkość tradycje odlewnicze zostały zniszczone i preferowano produkcję „czystego” żeliwa. Żeliwo przestało zajmować jakiekolwiek znaczące miejsce, gdzie przełożyło się na spadek poziomu artystycznego produktów.
3. Grawerowanie Zlatousta na stali
W zbrojowni Kremla moskiewskiego oraz w zbiorach muzeów Uralu prezentowane są unikalne eksponaty - broń ozdobiona grawerowaniem. Na początku XIX wieku. na Uralu w mieście Zlatoust pojawiło się specjalne centrum produkcji broni dekorowanej na zimno. Był najbardziej pożądany w okresie walk armii rosyjskiej lub w rocznice chwalebnych zwycięstw rosyjskiej broni, kiedy konieczne stało się nagradzanie wybitnych oficerów i generałów.
Początkowo na grawerowanie Zlatousta na stali wpływ mieli niemieccy rusznikarze: pracowali oni w fabryce na zaproszenie rządu. Ostrze szabli (1822), wyryte przez mistrza Shafa, nazywane jest przez badaczy najważniejszym dziełem tamtych czasów. Na ostrzu wygrawerowana jest kronika bitew Wojny Ojczyźnianej 1812 roku od Moskwy do Paryża.
Artyści Uralu tworzą unikalny styl grawerowania Zlatoust na stali w latach 20. i 30. XX wieku. 19 wiek Wprowadzają do ryciny nie tylko motywy zdobnicze, jak to było w zwyczaju wśród rusznikarzy niemieckich, ale także sceny fabularne.
4. Miedź gospodarcza i artystyczna uralskich fabryk
Ural słynie z domowych i artystycznych wyrobów miedzianych. Naczynia stołowe i kościelne, świeczniki i dzwonki, wiszące umywalki i lampy wykonane w fabrykach górniczych rozproszyły się po całej Rosji.
Jednymi z pierwszych, którzy wyprodukowali miedziane naczynia, byli rzemieślnicy państwowej fabryki w Jekaterynburgu. 12 czerwca 1723 r. V. de Gennin, organizator biznesu górniczego i jeden z ojców założycieli Jekaterynburga, wysłał list do żony Piotra I, Jekateriny Aleksiejewnej, wraz z tacą rafinowanej miedzi. Był kwadratowy, „z rozwidlonymi rogami i zakrzywionym bokiem”, piętnowany ośmiobocznym kartuszem w formie zwoju złożonego na pół, na którym pod koroną cesarską widnieje herb z napisem: „Jego Królewska Mość i Samowładca całej Rosji w nowo wybudowanym zakładzie Katharinburkh i pierwszą próbkę miedzi syberyjskiej całkowicie w kuźni, dogodnie wykonaną na chwałę imienia Ich Królewskiej Mości przez pracowitość artylerii generała majora Vilima Gennina. 8 dni czerwca. 1723. Datowanie tacy budzi wśród badaczy wątpliwości. Okazuje się, że powstał… zanim powstała elektrownia. Oczywiście czas powstania tacy jest późniejszy - 1728 - 1729. Teraz ta taca jest przechowywana w Państwowym Ermitażu.
W zakładzie w Jekaterynburgu wyprodukowano różne przybory gospodarstwa domowego. Mówi się, że przyrządzane tu potrawy były dość tanie i cieszyły się stałym zainteresowaniem na jarmarkach w Irbicie i Orenburgu. Nie należy sądzić, że wytwarzanie przedmiotów użytkowych nie wymagało opanowania obróbki miedzi. O wysokiej sztuce świadczy fakt przytoczony przez krytyka sztuki A. S. Maksyashin: w 1728 r. W fabryce w Jekaterynburgu odlano dzwon dla Kościoła Wniebowstąpienia z. Brusnyansky, Aramilskaya Sloboda. A w 1732 r. rzemieślnicy z Jekaterynburga odlali dzwony dla Petersburga (8 pudów) i 50 pudów dla Irkucka. Największy z zachowanych dzwonów odlanych w Jekaterynburgu, ważący dziesięć funtów, jest obecnie przechowywany w lokalnym muzeum wiedzy lokalnej.
W zakładzie Suksun Demidowów znajdowała się odlewnia miedzi i fabryka dzwonów, warsztat topienia czerwonej miedzi na mosiądz oraz warsztat tokarski do toczenia naczyń i dzwonów. Zakład ten nazywany jest drugim najważniejszym ośrodkiem produkcji wyrobów miedzianych po Jekaterynburgu. Jak poświadczają historycy, A. F. Turczaninow (1701 - 1787) był najlepszy wśród hodowców, którym udało się założyć „biznes miedziowy” w zakładach w Troicku, założonych w 1734 roku.
Wykonywano z miedzi różne przedmioty zarówno na potrzeby pojedynczych rodzin, jak i całych miast. Wiele miedzianych przedmiotów zdobiono ornamentami. Ozdoby były graficzne i reliefowe.
Zwykle rzemieślnicy pracowali na szablonach, ale wyobraźnia artysty często brała górę nad przepisami, zwłaszcza gdy nie była to replika, ale wykonywany na zamówienie, prezent.
Wirtuozowskie rzemiosło w wytwarzaniu i zdobieniu wyrobów z miedzi jest już prawie zaginione: nie ma kotlarzy, tajemnice starożytnego rzemiosła zostały utracone. Teraz z ich wyrobami możemy spotkać się tylko w muzeum.
5. Malarstwo Niżny Tagil na metalu
Od połowy XVIII wieku. w wielu fabrykach Uralu, oprócz artykułów gospodarstwa domowego, przyborów niezbędnych w gospodarstwie domowym, zaczynają produkować „lakierowe naczynia i tace”.
Niżny Tagil stał się centrum rybackim. „Sztuka malarstwa” - zauważa badacz malarstwa uralskiego V. A. Baradulin - rozwinęła się tutaj na terenach zamieszkałych przez staroobrzędowców na Vyya i w Keys. Problem siły roboczej w Niżnym Tagile został do tego czasu rozwiązany, więc właściciele zakładów zaczęli coraz częściej pozwalać chłopom pańszczyźnianym na opłacanie obowiązkowej pracy fabrycznej lub zatrudniać wolnych ludzi, co dawało im możliwość zajmowania się wyłącznie rzemiosłem , w tym malowanie.
Tace wykonane przez rzemieślników z Niżnego Tagila mają taką samą wartość artystyczną jak na przykład znane tace Zhostovo. Były dwa rodzaje tac: tace-zdjęcia i rzeczywiste tace. Różniły się charakterem zastosowania: „obrus” (były na całej szerokości stołu i niejako zastępowały blat), „herbata”, „szkło”…
Tace zostały ozdobione „dekoracyjnym malowaniem kwiatów”, znaczące miejsce zajmowało „cięcie dekoracyjne” - malowanie „pod malachitem”, „pod żółwiem”, „pod drzewem”.
Tace-obrazy służyły do dekoracji domu, często przedstawiały pejzaże, sceny fabularne, martwe natury. Działki do malowania tac najczęściej przedstawiały sceny o treści heroicznej i romantycznej. Wybierając działkę, artystów przyciągnęła możliwość stworzenia jasnych paneli dekoracyjnych. Malownicze wizerunki obramowano czerwono-czarnym paskiem z ozdobnym pasem oraz bogatym złoceniem.
Teraz tace mieszkańców Tagil są wystawiane na wielu wystawach w Rosji i za granicą, dzieła współczesnych mistrzów są przechowywane w ekspozycjach muzeów lokalnych i metropolitalnych. To tylko tajemnica „krystalicznego lakieru” pozostała nierozwiązana…
6. Artyści poddani Chudojarowowie
Rodzina Khudoyarov zajmuje szczególne miejsce w rozwoju sztuki malarskiej w Niżnym Tagile. Popularna plotka przypisywała wynalezienie „kryształowego lakieru” jednemu z braci Chudojarowów.
Chudojarowowie wywodzą się od staroobrzędowców. Jak świadczy rodzinna tradycja, ich przodkowie uciekli znad Wołgi na Ural, aby zachować „starą wiarę”. Chudojarowowie byli znani jako malarze ikon. Rzemiosło to pod wpływem lokalnych uwarunkowań otrzymało nowy kierunek, stając się przeważnie świeckie.
Znaczna część pracy Chudojarowów została wykonana na zlecenie N. A. Demidowa dla jego pałaców w Moskwie i Petersburgu. W moskiewskim podmiejskim domu Demidowa znajdował się pokój z lustrzanym sufitem, ozdobionym na ścianach „lakierowanymi, pokrytymi malowidłami”, na których z wielką sztuką przedstawiono najróżniejsze i najbardziej kolorowe ptaki i motyle. Do tej pracy, zadziwiającej subtelnością i umiejętnościami, Demidov „podarował” swoim poddanym malarzom szarfę, kapelusz i „kaftany”, a jego ojciec Andriej Chudojarow „zwolnił z pracy w fabryce”.
7. Łowienie z piersi
Podpisano na Uralu nie tylko tace, ale także skrzynie, szkatułki. Tapicerowane blachą, z „chytrymi” zamkami, bogato zdobione, były niezbędnym atrybutem uralskiego domu. Szczególne znaczenie miały skrzynie ślubne.
Skrzynie i szkatułki wykonywano w bardzo różnych rozmiarach: największe sięgały 1,5 metra, najmniejsze od 27 do 55 cm. Największą popularnością cieszyło się „miejsce” czterech trumien i trzech lub czterech skrzyń.
Do wykonania skrzyni potrzebny był wysiłek rzemieślników różnych specjalności, czasem ich liczba dochodziła do siedmiu: jedni wykonywali drewniane skrzynie, inni metalowe zamki, jeszcze inni robili uchwyty, zawiasy, czwarty przygotowywał żelazo i cynę, lakierował, zdobił drukarki i bruzdowniki arkusze z wzorami.
Skrzynia była kompletnym dziełem sztuki i rzemiosła, jej bryły i płaszczyzny były harmonijnie połączone, obraz albo miał wspólny temat, albo mógł mieć całkowicie niezależny obraz z każdej strony, ale wtedy wzór obramowania dawał jedność. Malowali „masowe” skrzynie i szkatułki na zewnątrz na czarnym lub ciemnozielonym tle. Na wieczku umieszczono główną kompozycję w postaci bukietu lub girlandy z dużych róż i tulipanów z drobnymi listkami, na przedniej ścianie wypisano dwie mniejsze grupy kwiatów, boczne jeszcze skromniej zdobiono.
Do niedawna w domach Uralu można było spotkać skrzynie z pomalowanymi ścianami frontowymi, wieczkami i bokami pomalowanymi zieloną, niebieską lub czerwoną farbą, obite w skośną klatkę z żelaznymi paskami.
8. Produkty do cięcia kamienia mistrzów Uralu
Historia krojowni w Jekaterynburgu sięga 1726 roku z małym warsztatem krojczym w zakładzie w Jekaterynburgu. Rozwijający się przemysł szlifierski stworzył wiele gałęzi, działów obróbki kamieni ozdobnych (głównie malachit, jaspis selenitowy). Po zniesieniu pańszczyzny wielu krawców pracowało w domu: w jednym domu rodzina robiła breloczki, w innym - pisanki, w trzecim - popielniczki, w czwartym - pudełka zapałek; malachit był używany do produkcji przycisków do papieru i tablic atramentowych. Z biegiem czasu rzemieślnicy zaczęli używać kamienia ozdobnego do wyrobu biżuterii: koraliki wykonane z kryształu, ametystu, malachitu, selenitu, jaspisu były szeroko stosowane w broszkach, bransoletkach, kolczykach, spinkach do mankietów.
Unikatowe wyroby z Uralu, marmuru i malachitu, wykonane w XVIII - XIX wieku, zdobią wiele muzeów i pałaców w Europie iw naszym kraju. W zbiorach Państwowego Ermitażu znajdują się wazony, lampy podłogowe i świeczniki wykonane w Jekaterynburskiej Fabryce Lapidarium.
Charakterystyczną cechą rozwoju cięcia i produkcji biżuterii w latach 40. - 50. XX wieku. znalazło się rozwiązanie problemów „przebudowy technicznej”, przełożenia rzemiosła, gdzie jest „dużo subiektywizmu” (od techniki mistrza do własnego szczególnego „życia kamienia”), do mechanizacji i automatyzacji . Prowadziło to do powielania się produktów, utraty ich wyjątkowości.
Na początku lat 60 Wraz ze zmianą podejścia do sztuki dekoracyjnej i użytkowej, rzemieślnicy i jubilerzy z Uralu próbują tworzyć produkty o nowych formach, odwołując się do tradycji sztuki ludowej, do doświadczeń kolegów z krajów bałtyckich, Gruzji, Armenii i Ukrainy .
9. Wyroby ceramiczne na Uralu
Wyroby z ceramiki, a także miedzi, zajmowały poczesne miejsce w życiu codziennym Uralu. W XVII wieku na Uralu powstała niezależna produkcja ceramiki. Wśród wyrobów wytwarzanych w Solikamsku były m.in. kafle – kafle do okładzin ściennych, kominków, pieców. W muzeach Usolsky i Cherdynsky przechowywana jest duża kolekcja kafli.
Początkowo świątynie zdobiono kaflami: obramowywały okna, otaczały wieże. Następnie zaczęto produkować kafle do pieców okładzinowych. W zakładzie w Solikamsku wykonywano płytki prostokątne, zakrzywione, wypukłe lub wklęsłe, opasane, do układania fryzów, „miast kształtowych”, „rozet narożnych” i łuków kominowych. Wszystkie były ozdobione malowidłami.
Płytki różniły się zastosowaniem koloru: były monochromatyczne i polichromowane. Jednokolorowe pokryto białym szkliwem i pomalowano niebieską emalią. Układ rysunku na kafelku był różny: czasem rysunek przypominał medalion, centralny wizerunek ujęty był w ozdobną ramę, czasem rysunek był swobodnie rozmieszczony na całej płaszczyźnie.
Wielobarwne płytki zostały pomalowane na białym tle jasnozielonymi, żółtymi, brązowymi farbami. Pośrodku ukazane zostały postacie męskie w stylu popularnych grafik. figury obrysowano cienką, wyraźną brązową linią i wraz z napisem zamknięto w prostokątnej ramce. Wzdłuż samej krawędzi płytki zostały ozdobione kolorowymi ornamentami.
Kafle to kolejny dowód na to, jak w kulturze Uralu przenikało się to, co użytkowe, z tym, co artystyczne.
Na Uralu istniały również rękodzieła, które „obrabiały glinę”. W zasadzie oczywiście robiono naczynia, ale robiono też zabawki. W osadzie Dymkowo, a później w Tawołożach (wieś Niżnie Tawolgi koło Niewiańska) znane są dawne rzemiosła wiackie. O zabawce Dymkovo czy Filimonovo wszyscy wiedzą, mniej o zabawce Tavolozhskaya, po części dlatego, że produkcja zabawek czy gwizdków nie była samodzielnym rzemiosłem: w wolnym czasie dla dzieci własnych lub sąsiadów, rzadziej na sprzedaż rzeźbiono je przez mistrza Uralu. Wyróżniały się one szczególnym rodzajem dekoracji – nie kolorem, lecz przeszkleniami poszczególnych części.
Naczynia porcelanowe i fajansowe rzadko były zdobione ręcznie malowanymi. Zwykle rysunek ryto na tablicach miedzianych, drukowano na papierze, który następnie naklejano na naczynia. Po wypaleniu w piecu papier spalił się, pozostawiając na produkcie kolorowy wzór. Fabuły rysunków w większości przypadków były zapożyczone z czasopism, znacznie rzadziej przedstawiały lokalne krajobrazy lub portrety ukochanego przez lud Ermaka Timofiejewicza.
Wniosek
Ural przekroczył próg XXI wieku. Nadal pozostaje jednym z wiodących ośrodków przemysłowych, naukowych, technicznych i kulturalnych kraju. W dalszym ciągu zachowana jest jedność gospodarcza i etniczno-kulturowa regionu. Wraz z całym krajem Ural przechodził różne etapy swojego rozwoju. W perypetiach kształtowania się jego kultury artystycznej odbijało się jak w zwierciadle wiele zderzeń historii narodowej i własnego losu.
Wydarzenia z niedawnej przeszłości stają się już częścią historii. Rozwój kultury artystycznej Uralu w XX wieku. jawi się jako złożony, czasem sprzeczny proces, nie pozbawiony wewnętrznego dramatu, ale posiadający własną logikę. XX wiek znalazł Ural w „stanie przejściowym”. Region stanął przed zadaniem na dużą skalę - znaleźć swoje miejsce w przestrzeni kulturowej Rosji. Do odegrania w tym procesie ważnej roli powołano kulturę artystyczną, która nieuchronnie przekształciła się w jedną z form regionalnej samoświadomości.
Koniec XX wieku stał się czasem przewartościowań, rewizji znaczenia wielu wydarzeń i zjawisk w dziejach kultury narodowej. Wątkiem przewodnim jest chęć przywrócenia zerwanej „jedności czasów”. To w nowych warunkach, na nowym etapie, przywraca nas do rozwiązania problemów, z którymi borykał się Ural na początku wieku. Znalezienie perspektywy dalszego rozwoju zależy w dużej mierze od tego, jak będziemy w stanie pojąć doświadczenia przeszłości.
Źródłem rozwoju sztuki kamieniarskiej i jubilerskiej na Uralu było niezwykłe bogactwo jego surowców mineralnych. Kolorowe kamienie ozdobne (tzw. klejnoty) odkryto w XVII wieku. Około 1635 roku u podnóża Uralu odkryto rudy miedzi malachitu. Jeszcze wcześniej znaleziono tu „wzorzyste kamienie” - karneol, agat, jaspis. A w 1668 r. Michaił Tumaszew odkrył najbogatsze złoże kolorowych kamieni w pobliżu Murzinskaya Sloboda, niedaleko Verkhoturye, aw 1700 r. - jaspisową górę nad rzeką Argun .
Prawdziwy rozkwit nastąpił w 1700 r., kiedy Piotr I zajął się na poważnie badaniami górniczymi i nakazał ustanowienie specjalnego zakonu dla górnictwa w Moskwie. Przyrodnicy podróżujący po Uralu z ekspedycjami naukowymi przynieśli nowe wieści o nowo odkrytych kamieniach. W 1720 r. Piotr I wysłał Tatiszczewa na Ural, powierzając mu zarządzanie państwowymi fabrykami. Wkrótce po przybyciu na miejsce V.N. Tatishchev planuje budowę fabryki na rzece Iset. W 1723 r. w centrum Uralu powstało nowe miasto - Jekaterynburg, które stało się ośrodkiem przemysłu wydobywczego na Uralu. Rozwój uralskiej sztuki kamieniarskiej w XVIII-XIX wieku wiązał się również z rozwojem Jekaterynburga. Został odkryty w bezpośrednim sąsiedztwie dużych złóż marmuru, a następnie Kolyvanskaya i Loktevskaya. Pierwszymi produktami przygotowanymi pod koniec lat 20. XX wieku na Uralu były drobne przedmioty wykonane z twardych skał. Stopniowo jednak wzrasta zainteresowanie różnymi odmianami kolorowych jaspisów.
Od 1726 r. po raz pierwszy zaczęto stosować drobnoziarnisty plastik w postaci wkładek do uprzęży końskich, ustników, rękojeści noży i sztyletów oraz tabakierek; od 1782 r. - w pieczęciach z agatu i kryształu górskiego; od 1786 - w kałamarzach; od 1787 - w guzikach.
Na początku XVIII wieku uralscy rzemieślnicy nauczyli się obróbki nowo odkrytego kolorowego kamienia, ustanawiając w ten sposób tradycje miejscowej szkoły sztuki kamieniarskiej. Mistrzowie Uralu podeszli do obróbki kamienia z filozoficznego punktu widzenia. Uralska szkoła kamieniarzy zawsze wyróżniała się szczególną miłością do kamienia, zrozumieniem jego naturalnego piękna. Naczelną zasadą kamieniarza było nie naruszanie piękna kamienia danego przez naturę, a jedynie wydobycie go i jak najlepsze podkreślenie. Za jednego z założycieli artystycznej obróbki kamienia na Uralu należy słusznie uznać rosyjskiego mechanika samorodków Nikitę Bakhariewa. Bakharev, po zbudowaniu fabryki, stale ulepsza mechanizmy. On na przykład zrekonstruował maszynę do rzeźbienia. Ivan Susorov to utalentowany mechanik-wynalazca z Uralu, uczeń Bakhareva. Wspólnie stworzyli mechanizmy działające na wodę.
Na Uralu kamienie szlachetne wydobywane w kopalniach wpływały do spiżarni fabryki cięcia Jekaterynburga, która już w 1774 r. Wyrosła na potężne przedsiębiorstwo zajmujące się przetwarzaniem klejnotów. Tutaj, w fabryce, sztuka krojenia stopniowo nabiera kształtów i rozwija się.
Powszechne na Rusi w XVI-XVII wieku przerabianie szlachetnego kamienia na kaboszon było od dawna znane mieszkańcom Uralu. Zasady europejskiego cięcia zaczęły tu przenikać dopiero w XVIII wieku. Ich dystrybucja związana jest z nazwiskami porucznika Ref, wysłanego na Ural przez Piotra I w 1725 r., A także włoskich mistrzów I. Batisty i V. Tortori, robotników fabryki Peterhof F. Tupylewa, I. Nazarowa, S. Kuzmin, który pochodził z Ya Dannenberg.
Kaboszon - okrągły lub owalny kamień polerowany na wierzchu.
Rozkwit jubilerstwa i sztuki kamieniarskiej przypadł na koniec XVIII - początek XIX wieku. W tym czasie Jekaterynburska Fabryka Lapidarna znajdowała się w „stanie rozkwitu”. Był tam dobrze ugruntowany zespół rzemieślników, którzy doskonale opanowali różne metody obróbki kamienia - zarówno gładką powierzchnię, jak i najbardziej skomplikowany ornament oraz wspaniałe rosyjskie mozaiki. Mistrzowie tworzyli dzieła sztuki według projektów znanych rosyjskich architektów i rzeźbiarzy: Woronikhina, Rossiego, Stasowa, Montferranda, Bryulłowa i innych itp. Im uralska sztuka kamieniarska zawdzięcza swój szybki rozkwit.
Pod koniec XVIII, a zwłaszcza w pierwszej połowie XIX wieku, kiedy wydobycie kamienia osiągnęło swój szczyt, z ozdobnych klejnotów wykonywano wielkie ceremonialne wazy i misy, kolumny, rzeźby, ściany, posadzki i stropy majestatycznych pałaców i świątynie były wyłożone kamiennymi mozaikami i płytkami. Wiele produktów z malachitu zostało wyprodukowanych przez fabrykę cięcia w Jekaterynburgu i wysłanych do Petersburga.
Nigdzie, z wyjątkiem Rosji, nie wiedzieli i nie wiedzą, jak robić rzeczy z jaspisu, które natychmiast stały się arcydziełami światowej sztuki. Dotyczy to przede wszystkim prac wykonanych przez uralskich kamieniarzy Jakowa Wasiljewicza Kokowina i Gawriłę Firsowicza Nalimowa. Działali w XIX wieku. w zakładzie rozbioru w Jekaterynburgu. Dzięki utalentowanym kamieniarzom z Jużno-Uralska jaspis stał się znany całemu światu.
Początkowa obróbka kamieni polegała na cięciu ich stalowymi narzędziami, cięciu kamienia piłami do blachy oraz wierceniu żelaznymi wiertłami. Wszystkie narzędzia zwilżono wodą i szmerglem. Po zgrubnej obróbce kamień przekazywano do szczegółowej obróbki na maszynie „prętowej”, gdzie kamień dociskano śrubami do obracającego się drewnianego koła pasowego.
Technologia obróbki twardego kamienia składa się z następujących etapów: sortowanie surowca, piłowanie, wiercenie (wyrywanie), ubijanie, szlifowanie. polerowanie. Kamień jest sortowany według koloru i wzoru; podstawowymi wskaźnikami jakości, na które zwraca się uwagę podczas sortowania, są jednolitość i brak pęknięć.
Od 1802 do 1847 istniała szkoła rzeźbienia „antyków”. Robili wtedy modne kamee. Na początku XIX wieku, wraz z nastaniem wysokiego klasycyzmu, kamee rzeźbione z kamieni szlachetnych i półszlachetnych stały się niezwykle popularne wśród szlachty. Kamei wkładano do broszek, medalionów, pierścionków, obsypywano brylantami, szmaragdami. Kamee przedstawiały greckich i rzymskich bohaterów, bóstwa, starożytnych poetów i filozofów, rosyjskich cesarzy i cesarzowe. Do cięcia wybrano jaspis wstążkowy, agat, sardonyks o równych, prostych warstwach. Postacie wycięto na jasnych warstwach, a ciemniejsze pozostawiono pod tłem. Ale wraz z upadkiem wysokiego klasycyzmu moda na kamee przeminęła, a ich produkcja została ograniczona.
Jednym z najczęstszych produktów kamieniarzy Ural są kamienne pieczęcie. Początek produkcji pieczęci datuje się na koniec XVIII wieku. Większość stanowią pieczęcie wykonane z kryształu górskiego i kwarcu dymnego, następnie pieczęcie z jaspisu, rodonitu, agatu, malachitu, lapis lazuli oraz rzadkie okazy pieczęci - ametystu, akwamarynu, cytrynu. Pieczęcie wykonywano nie tylko w cesarskiej manufakturze, ale w większym stopniu w prywatnych warsztatach. We wcześniejszych próbkach kształt uchwytów był graniastosłupowy, główną rolę dekoracyjną przypisywano samemu kamieniowi. Do drugiej połowy XIX wieku. znajdują się pieczęcie z rzeźbionymi uchwytami w formie miniaturowej rzeźby.
Od lat czterdziestych XIX wieku przyciski do papieru stały się modne. Do końca XIX wieku przechodziły one transformację - od płyt z polerowanego kolorowego kamienia do płyt z jaspisu kalkańskiego lub łupka z kolorowymi obrazami wykonanymi techniką mozaiki florenckiej, a następnie do luksusowych reliefowych martwych natur z różnymi owocami i jagodami.
Epoka malachitu w sztuce kamieniarskiej przypadła na lata 30-40 XIX wieku, kiedy to malachit w monumentalnych przedmiotach dekoracyjnych stał się symbolem rosyjskiego bogactwa. Przedmioty z malachitu zostały wykonane techniką „rosyjskiej mozaiki”.
Technika „rosyjska mozaika” - technika mozaiki w sztuce cięcia kamienia, w której płytki z kolorowego kamienia ozdobnego (zwykle malachitu) są wklejane na podstawę z niedrogiego, trwałego kamienia. Jednocześnie płytki są bardzo starannie dobierane kolorystycznie i wzorniczo, a produkt sprawia wrażenie wykonanego z monolitu. Technika rosyjskiej mozaiki pozwala zmaksymalizować piękno kamienia.
Mozaika rosyjska różni się od mozaiki florenckiej również tym, że jest wykonywana nie tylko na płaskim podłożu, ale także na zakrzywionych powierzchniach (kulistych, cylindrycznych itp.). Znajdują one szerokie zastosowanie przy ozdabianiu nie tylko drobnych przedmiotów sztuki kamieniarskiej (sztuki, blaty, przybory do pisania itp.), ale również do dekoracyjnego wykańczania wnętrz.
W technice cięcia kamienia rosyjskiej mozaiki stosuje się następujące techniki:
Taśma wzór (jet) - płytki kamienne układają się w ciągły pas i są dobierane tak, aby linie wzoru z jednej płytki płynnie przechodziły w linie na drugiej. Wzór powinien płynąć w sposób ciągły.
Miękki aksamit- technikę stosuje się przy wykańczaniu dużych powierzchni, przy czym płytki dobiera się tak, aby linie wzoru płynnie przechodziły w siebie we wszystkich kierunkach, a całość sprawiała wrażenie jednego kamienia.
Wzór z dwóch lub czterech stron- aby zastosować tę technikę, należy odciąć płytkę z kolorowego kamienia o grubości od 3 mm do 6 mm. Wzory na obu odcinkach płytki są takie same, dlatego poprzez odpiłowanie drugiej płytki i wyrównanie jej z pierwszą można uzyskać symetryczny wzór z dwóch stron. Jeśli dwie kolejne płyty zostaną odcięte z tego samego kamienia i połączone z dwoma pierwszymi, uzyskany zostanie czworoboczny wzór. W ten sam sposób można tworzyć kompozycje z sześciu lub więcej stron, łącząc je w różne wzory i ozdabiając różne rzeczy.
Mówiąc o rozwoju sztuki kamieniarskiej i jubilerskiej na Uralu, nie sposób nie wspomnieć o Uralskim Towarzystwie Miłośników Nauk Przyrodniczych (UOLE), założonym w 1870 roku. Jej produktami były kolekcje kolorowych kamieni i skał Uralu. Szczególnie znane były „slajdy” stołowe wykonane przez wykwalifikowanych rzemieślników D.K. Kubin, A.V. Oberyukhtin, NV Frolov. Z inicjatywy Towarzystwa utworzono następnie Pracownię Naukowo-Mineralogiczną, przy której utworzono pracownię cięcia kamieni Uralu.
Prace mistrzów fabryki zyskały światowe uznanie, podziwiała je Europa. Rzemieślnicy wykonywali także bransoletki i naszyjniki z malachitu, koraliki z kryształów i ametystu, używali jaspisu w broszkach, bransoletkach, kolczykach i spinkach do mankietów. Głównym motywem zdobniczym w tym czasie był motyw roślinny pokrywający powierzchnię wyrobu ciągłą siatką. Następnie rzemieślnicy opracowali specjalny rodzaj broszy-gałązki, imitujący kiść winogron i porzeczek w kamieniu. Te elementy biżuterii wyróżniały się różnorodnością, pomysłowością i kunsztem wykonania.
Do lat 80. XIX wieku w Jekaterynburgu i okolicach powstały główne ośrodki rzemiosła krawieckiego: Berezovsky, Nizhne-Isetsk, Verkhne-Isetsk, Uktus, Polevskoy, Mramorskoye. Obróbka twardych skał kamieni rozwinęła się nie tylko w Jekaterynburgu, ale także na terenach do niego przyległych - zakładach Berezovsky, Shartashsky, Nizhne-Isetsky i Verkh-Isetsky. W fabryce Bieriezowskiego zajmowali się głównie wycinaniem koralików, spinek do mankietów, przygotowywaniem iskier czy wkładek. W fabrykach Nizhne-Isetsky i Verkh-Isetsky rzemieślnicy wycinali głównie kolorowe kamienie.
Wiek XX stał się okresem ciężkich prób dla uralskiej sztuki kamieniarskiej i jubilerskiej. Wykrawacze rękodzieła okazali się całkowicie uzależnieni od klientów. Wielcy kupcy prowadzili warsztaty i sklepy nie tylko w Jekaterynburgu. Sprzedawali po niebotycznych cenach wyroby rzemieślników kupowanych za grosze. W pogoni za zarobkiem rzemieślnicy zmuszeni byli spędzać ponad 15 godzin dziennie na pracy, nie dbając o elegancję wyrobów. Wymuszona prędkość, która doprowadziła do psucia się produktów, doprowadziła do nowej, jeszcze większej obniżki cen. Łowisko rozrosło się, rozrosło i… wymarło.
Pierwsza wojna światowa i rewolucja październikowa, która po niej nastąpiła, stawiają pod znakiem zapytania samo istnienie kamieniarstwa i wyrobu biżuterii. Ugruntowani mistrzowie idą na front, ci z nich, którzy wracają po wojnie, nie mogą znaleźć pracy w swoim dawnym zawodzie. I tak w 1918 r. podjęto decyzję o zamknięciu jekaterynburskiej krojowni i sprzedaży jej majątku.
Lata 20. - początek odrodzenia
1919 - zarządzenie Naczelnej Rady Gospodarki Narodowej o przywróceniu działalności szlifierskiej, powrocie mistrzów szlifierskich i jubilerów do fabryki
W 1938 r. powstała krojownia
W 1941 r. - zorganizowano pracownię jubilerską i produkcję biżuterii
1938 - organizacja szlifierni kamieni jubilerskich
1941 - reorganizacja zakładu mineralogicznego w zakład jubilerski i szlifierski.
1945 - otwarcie Szkoły Artystyczno-Rękodzielniczej nr 42, kształcącej jubilerów
W 1959 r. W Fabryce Biżuterii i Cięcia w Swierdłowsku uralscy frezarze A.A. Chizhikov i EA Andreev po raz pierwszy w Rosji wykonali diamenty z diamentów. Lata 60. to okres wielkich innowacji technicznych.
Odrodzenie rozpoczęło się w 1919 roku. Gdy tylko Ural został wyzwolony od Kolczakitów, górska rada Najwyższej Rady Gospodarki Narodowej wydała zarządzenie o przywróceniu cięcia. W latach pięćdziesiątych w Swierdłowsku położono kres pracy domowej. Do fabryki przybyło nowe, młodsze pokolenie robotników, którzy otrzymali dobre wykształcenie w otwartej w 1948 roku szkole artystycznej i zawodowej. Pojawili się pierwsi specjaliści, technolodzy, inżynierowie. Wprowadza się wiele nowinek technicznych i technologicznych, udoskonala się proces złocenia, wytapiania metali szlachetnych.
W pierwszej połowie XX wieku. Znaczący wkład w rzeźbę kamienną w gatunku animalistycznym wniósł A.K. Denisov-Uralsky i N.D. Tataurow. Od połowy XX wieku wybór produktów stał się bardziej zróżnicowany, aw ostatniej trzeciej wieku rozwinęła się produkcja pamiątek i odznak.
Najważniejszym kierunkiem sztuki jubilerskiej jest biżuteria: kolczyki, krzyżyki, koraliki, bransoletki; wynagrodzenia za ikony z jaspisu, rodonitu, szmaragdu, malachitu i innych kamieni.
Sztuka kijowskich mistrzów jubilerskich miała ogromny wpływ na powstanie uralskiej szkoły jubilerskiej. Faktem jest, że podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej Kijowska Fabryka Biżuterii została ewakuowana do Swierdłowsku. Z pomocą swoich specjalistów w 1942 r. W fabryce w Swierdłowsku zorganizowano warsztaty montażu i renowacji zegarków, mechanizmów zegarków, produkcji tarcz, a także produkcji biżuterii ze złotej i srebrnej biżuterii.
Po wojnie fabryka stabilnie stanęła na nogi, co znacznie ułatwiło zastosowanie nowych technologii. Już w pracach uralskich jubilerów z tego okresu widać akcentowanie naturalnego piękna kamienia, połączone z barwną malarstwem.
Stan aktulany
Wraz z początkiem ery rynkowej Ural znów był poszukiwany - dziś sztuka kamieniarstwa w Rosji przeżywa odrodzenie, liczba doskonałych rzemieślników, którzy czasami mogą stanąć na tym samym poziomie z wielkimi rzemieślnikami minionych stuleci, jest rosną, a najlepszym dostępnym surowcem są oczywiście klejnoty wydobywane na Uralu, które są kochane i znane w całej Rosji oraz w dalekiej i bliskiej zagranicy.
W II poł. na Uralu powstały nowoczesne szkoły jubilerskie zajmujące się kamieniami szlachetnymi, półszlachetnymi i półszlachetnymi, uzupełnionymi granulacją i filigranem. XX wiek Jej przedstawiciele: V.Ya.Bakulin, V.F.Vetrov, B.A.Gladkov, V.U.Komarov, L.F.Ustyantsev, V.N.Ustyuzhanin, V.N. Chromcow.
Ziarno - drobna biżuteria złota, platyny lub srebra w postaci kuleczek o średnicy 0,4 mm, które w jubilerstwie przylutowuje się do filigranowego ornamentu.
Filigran, filigran - rodzaj techniki jubilerskiej: ażurowa lub lutowana
na metalowym tle wzór z cienkiego drutu złotego, srebrnego lub miedzianego, gładkiego lub skręconego w liny. Wyroby z filigranu często uzupełniane są granulatem i emalią.
Takie wydarzenie w historii Rosji, jak odkrycie jakuckich diamentów, miało również ogromny wpływ na powstanie uralskiej szkoły jubilerskiej: w końcu w 1959 roku to uralscy frezarze A. A. Chizhikov i E. A. Andreev jako pierwsi w Rosji wykonali diamenty z diamentów . Ural nie zapomniał o swoim bogactwie naturalnym: w tym samym 1961 r. W fabryce utworzono sekcję cięcia kamienia (która później stała się Fabryką Biżuterii w Swierdłowsku, a następnie przedsiębiorstwem Jubilerzy Uralu). Tutaj wykonywano wkładki jubilerskie z kamieni ozdobnych: jaspisu, rodonitu, agatu, turkusu, malachitu, karneolu, kwarcu dymnego, obsydianu, lapis lazuli, amazonitu, onyksu, belomorytu, chalcedonu...
W latach 60-70 XX wieku szkoła jubilerska Ural w końcu nabrała kształtu - oryginalna i jasna. Można było już z pewnością mówić o jego charakterystycznej cesze: w składzie biżuterii jubilerzy Ural niezmiennie preferowali nie metal, ale kamień. W drugiej połowie XIXw. decydującą rolę w ich produkcji odegrali rzemieślnicy.
Młodzi rzemieślnicy byli zdeterminowani, aby tworzyć biżuterię, wypchnąć to, co stare, nudne, przestarzałe. A co najważniejsze - ożywić piękno naturalnego klejnotu Uralu w produktach.
Wraz z pojawieniem się tej grupy aktualizowany jest asortyment wyrobów masowych wykonanych ze złota i srebra z kamieniami półszlachetnymi i półszlachetnymi, opracowywane i doskonalone są wyroby z diamentami, cechy stylistyczne sztuki jubilerskiej Ural i jej kierunek powstaje.
W pracach z ostatnich lat zauważalne są reminiscencje dekoracji barokowej i secesyjnej. Wyroby ze złota zajmują znaczące miejsce w produkcji fabrycznej. Produkowane są w dużych i małych seriach. Bogaty asortyment wyrobów ze złota to przede wszystkim pierścionki, kolczyki, wisiorki, spinki do mankietów, przeznaczone na specjalne okazje: elegancka biżuteria dzienna, drobna biżuteria wieczorowa oraz komplety wizytowe.
Obecnie w sztuce kamieniarskiej wyróżniają się dwa nurty. Niektórzy rzemieślnicy kontynuują twórcze poszukiwania w tradycyjnych formach uralskiego przemysłu kamieniarskiego. Inni rozwijają autorskie produkty w stylu nowoczesnego wzornictwa. Glyptic (rzeźba na kolorowym kamieniu) jest szeroko stosowana, powstają trójwymiarowe mozaiki i masowe obrazy. W swoich pracach rzemieślnicy dążą do jak najpełniejszego ukazania walorów dekoracyjnych i naturalnego piękna półszlachetnego kamienia Ural.
Obecnie istnieje wiele przedsiębiorstw i firm zajmujących się artystyczną obróbką kamienia („Kamienie Uralu”, „KaRo”, „Sylwetka”). Asortyment ich produktów jest szeroki i różnorodny: pamiątki z kamienia naturalnego, ozdobne zegary, przybory do pisania, wazony, pudełka, panele, stoły szachowe, tryktrak, świeczniki itp.
2005 - OAO Jewelers of the Urals otrzymało główną nagrodę konkursu „Rosyjski Narodowy Olimp”
Dziś biżuteria i sztuka obróbki kamienia na Uralu to kalejdoskop obyczajów i stylów.
Kierunki artystyczne – od klasyki do współczesnej awangardy. Dzieła artystów Uralu wyróżniają się czystością stylu i wyraźnym charakterem narodowym. Ich prace przyciągają klasyczną prostotą i klarownością formy.
©2015-2019 strona
Wszelkie prawa należą do ich autorów. Ta strona nie rości sobie praw autorskich, ale zapewnia bezpłatne użytkowanie.
Data utworzenia strony: 2017-12-29
Uralskie fabryki w XVIII wieku rosły tysiące kilometrów od zamieszkałych miejsc, czasem w gęstym leśnym gąszczu. I już w tym fakcie tkwi ich ogromna rola w rozwoju całej rosyjskiej kultury artystycznej: wraz z fabrykami dojrzewała tu również sztuka przez nie urodzona.
Bogactwo i różnorodność rosyjskiej kultury artystycznej jest naprawdę nieograniczone. Rosyjska kultura artystyczna, ukształtowana w procesie kształtowania się i rozwoju samoświadomości narodu rosyjskiego, kształtowania się narodu rosyjskiego, została stworzona dzięki pracy ludzi - utalentowanych rzemieślników ludowych, wybitnych artystów, którzy wyrażali zainteresowania i myśli szerokie masy ludowe.
Różne części Rosji wlewały swoje dary w potężny strumień rosyjskiej sztuki. Nie ma potrzeby wyliczać tutaj wszystkiego, co Rosjanie wnieśli do swojego artystycznego skarbca. Ale bez względu na to, jak niesamowite jest bogactwo kultury artystycznej Rosji, nie można sobie tego wyobrazić bez wkładu Uralu. Wkład Uralu w kulturę artystyczną Rosji był nie tylko wielki, ale i niezwykle wyjątkowy. Solidnym fundamentem, na którym kwitła sztuka dekoracyjna i użytkowa Uralu, był przemysł, którego głównymi ośrodkami były fabryki. Znaczenie przemysłu w rozwoju regionu i jego kultury było dobrze rozumiane przez samych współczesnych. W jednym z oficjalnych dokumentów czytamy: „Jekaterynburg swoje istnienie i swój rozkwit zawdzięcza tylko fabrykom”.
Wszystko to było jakościowo nowym i wyjątkowym zjawiskiem w historii sztuki rosyjskiej. Rozwój uralskiego przemysłu dał początek klasie robotniczej, jej robotniczej inteligencji, obudził myśl twórczą i społeczną. Była to sprzyjająca atmosfera dla rozwoju sztuki.
Uralskie fabryki w XVIII wieku rosły tysiące kilometrów od zamieszkałych miejsc, czasem w gęstym leśnym gąszczu. I już w tym fakcie tkwi ich ogromna rola w rozwoju całej rosyjskiej kultury artystycznej: wraz z fabrykami dojrzewała tu również sztuka przez nie urodzona. Niedźwiedzie zakątki stały się ośrodkami pracy i działalności twórczej narodu rosyjskiego, pomimo straszliwego ucisku i społecznego bezprawia, w jakim się to odbywało. Wszystko to każe nam teraz w nowy sposób wyobrazić sobie obraz rozwoju kultury artystycznej Rosji, której od wschodu nie można już ograniczać błękitną granicą Wołgi. Ural staje się przyczółkiem rosyjskiej kultury artystycznej, ważnym etapem jej dalszego posuwania się w głąb Syberii i Azji, na wschód. I na tym polega jego duże znaczenie historyczne.
Ural to miejsce narodzin wielu rodzajów rosyjskiej sztuki i rzemiosła. To tutaj rodzi się sztuka malowania i lakierowania wyrobów metalowych, która zyskała tak wielką popularność w kraju. Ogromne znaczenie miało wynalezienie przezroczystego lakieru w N. Tagil. Malowanym produktom nadał niezwykłą siłę i jeszcze bardziej przyczynił się do ich sławy. Pod niewątpliwym wpływem uralskich wyrobów metalowych lakierowanych, łączących je z tradycjami lokalnego malarstwa, narodziła się i rozwinęła produkcja malowanych tac w Żestowie, która powstała na początku XIX wieku. Malowane skrzynie w Makariewie (obecnie region Gorky) również doświadczyły wpływu malowanych produktów Ural.
Nie bez powodu możemy uznać Ural za miejsce narodzin rosyjskiej przemysłowej obróbki marmuru, podporządkowanej potrzebom architektury krajowej, tworzenia dzieł monumentalnych i dekoracyjnych. To właśnie te cechy od pierwszych kroków determinowały cechy produkcji marmuru Uralu, w przeciwieństwie do innych regionów sztuki cięcia kamienia w Rosji. Akademik A.E. Fersman zwrócił na przykład uwagę, że w drugiej połowie XVIII wieku najmniej polerowano marmur w Fabryce Lapidarium w Peterhofie. Przygotowanie waz, kominków i detali architektonicznych z marmuru również nie miało szerokiego zakresu w regionie Olonetsky; w Ałtaju przetwarzano głównie jaspis i porfir. Warto zauważyć, że uralscy mistrzowie jako pierwsi podjęli próbę wykorzystania uralskiego marmuru do stworzenia sztalugowych dzieł rzeźbiarskich, w szczególności portretu.
Artyści kamienia uralskiego byli twórcami „rosyjskiej” mozaiki, która wzbogaciła starożytną sztukę mozaikową”. Znana we Włoszech metoda sklejania produktów płytkami kamiennymi została zastosowana do prac o niewielkich rozmiarach. Wynalezienie „rosyjskiej mozaiki” sprawiło, że produkcja monumentalnych dzieł zdobniczych z malachitu, lapis lazuli i niektórych gatunków malowniczych, kolorowych jaspisów stała się bardziej ekonomiczna i otworzyła drogę do ich jeszcze szerszego rozwoju. Po raz pierwszy został użyty na Uralu w architekturze, co widzieliśmy na przykładzie kolumn wyłożonych pstrokatym, czerwono-zielonym jaspisem Kushkulda.
Przemysłowy Ural wzniósł się na nowy poziom, a szereg gałęzi przemysłu artystycznego, które wcześniej istniały w innych regionach Rosji, wlało w nie świeżą żywotność. Rozwinął i udoskonalił starożytne tradycje sztuki rosyjskiej. Tak było z rosyjską bronią artystyczną. W starożytnej Rusi znamy jej wspaniałe okazy, perfekcyjnie kute i umiejętnie „wypchane” złotym wzorem.
Zlatoust grawerowanie na stali, cenne złocenie ostrzy, wykonane przez uralskich mistrzów, kontynuowało wspaniałe tradycje z przeszłości. Nie było to jednak ich mechaniczne powtórzenie, lecz rozwinięcie samej istoty tej sztuki, wyrażanie w nowych warunkach historycznych starożytnej miłości ludu do wzorzystej broni, gloryfikowanie odwagi i wytrzymałości rosyjskiego wojownika, jego umiłowanie do Ojczyzna.
Powszechnie znany był kunszt rosyjskich kowali, ścigaczy, odlewników, którzy tworzyli wspaniałe dzieła zdobnicze. Znany badacz rosyjskiego metalu artystycznego N. R. Levinson pisze o starożytnej rosyjskiej sztuce dekoracyjnej: „Różne metale, żelazne i nieżelazne, od dawna są wykorzystywane nie tylko do celów użytkowych, ale także do twórczości artystycznej. Kucie na zimno i na gorąco, kucie, odlewanie – wszystkie te rodzaje obróbki i wykańczania powierzchni metali lub ich stopów stwarzały różnorodne możliwości artystycznego i technicznego doskonalenia przedmiotów.
Starożytna rosyjska sztuka artystycznej obróbki metali w warunkach rozwiniętej, doskonalącej się technicznie metalurgii Uralu wznosi się na jakościowo nowy poziom rozwoju. Naczynia miedziane zdobione ornamentami, geneza i rozwój brązu uralskiego, monumentalne i ozdobne oraz komorowe odlewy żeliwne, grawerowanie na stali - wszystko to jest dalszą kontynuacją narodowych tradycji rosyjskich. Sztuka cięcia i cięcia kamienia na Uralu kontynuowała również pragnienie kolorowego kamienia nieodłącznie związanego z narodem rosyjskim od czasów starożytnych. Przechodząc ciernistą ścieżkę rozwoju, każdy rodzaj sztuki Uralu wzbogacił artystyczną spiżarnię Rosji.
Uralski odlew żeliwny organicznie wtopił się w rosyjską architekturę, kiedy przesiąknięty został wzniosłymi ideami patriotycznymi. Wyrażając idee wybitnych architektów, podkreślał piękno budowli, nadając jej podniosłego majestatu. Mosty, kraty, rzucane przez Ural, pewnie weszły w zespoły architektoniczne, w codzienne hałaśliwe życie miast. Żelazny odlew Uralu wiązał się z problemem obywatelstwa, który leżał u podstaw architektury rosyjskiej XVIII wieku - pierwszej połowy XIX wieku.
Artystyczna obróbka kamienia na Uralu wzbogaciła sztukę rosyjską o wspaniałe dzieła kamieniarskie, w większości klasyczne w formie, wykonane z materiałów krajowych rękami rzemieślników ludowych. Mistrzom z głębokim zacięciem artystycznym udało się wniknąć w istotę idei konkretnego produktu. Bogactwo ich wyobraźni, zarówno w wyborze naturalnego wzoru, jak iw tworzeniu jego nowego wzoru z malachitu czy lapis lazuli, jest naprawdę niewyczerpane. Dzieła uralskiej sztuki kamieniarskiej były związane z życiem. Nie można ich postrzegać jako czegoś całkowicie oderwanego od rzeczywistości. Z całą specyfiką form artystycznych odzwierciedlały piękno rosyjskiej ziemi, zieleń jej lasów i pól, błękitną przestrzeń jezior, głębię nieba, jaskrawe kolory godzin zachodzącego słońca.
Wszystko to nadało produktom mistrzów Uralu charakter narodowy, co jest jedną z wyróżniających cech rozwoju artystycznej obróbki kamienia na Uralu. Produkty te zawierają w sobie uczucia człowieka, jego doświadczenia i wrażenia, które nadają produktom bezpośredniość, ludzkie ciepło. Dzieła sztuki rzeźbiarskiej Uralu wyrażają optymistyczną, afirmującą życie treść.
Potężne kamienne wazy, lampy podłogowe i żyrandole świadczą nie tylko o doskonałym technicznie wykonaniu i swoistym odzwierciedleniu potężnej rosyjskiej natury, ale także o poczuciu dumy ludu-artysty, wysoko ceniącego niewyczerpane bogactwa swojej ojczyzny. Takie jest patriotyczne znaczenie sztuki rzeźbienia w kamieniu. Przedmioty artystyczne wykonane z kolorowego kamienia Uralu stały się prawdziwie rosyjskimi przedmiotami klasycznymi, które odpowiadają charakterowi rozwoju sztuki rosyjskiej.
Sztuka industrialnego Uralu jest gałęzią rosyjskiej kultury artystycznej. Ale rozwijała się także w bliskim kontakcie ze sztuką zachodnioeuropejską. Siła Uralu, jego kultura nie była w izolacji, ale w połączeniu z całą kulturą światową. Na Uralu pracowało wielu zagranicznych mistrzów o różnym stopniu wiedzy i talentach twórczych.
Pewne korzyści przynieśli Włosi, bracia Tortori, którzy dobrze znali się na technologii obróbki marmuru, Niemcy Shafa, którzy opanowali technikę grawerowania na stali i złoceniu oraz inni. Ale żadni odwiedzający mistrzowie nie mogliby nic dać, gdyby ziarno ich wiedzy nie padło na podatny grunt. Takim gruntem był przemysłowy Ural.
Tutaj, w wielu regionach, jeszcze przed przybyciem obcych mistrzów istniały własne tradycje artystyczne. Jak na przykład w Złatoust, gdzie pod koniec XVIII - na początku XIX wieku działało wielu utalentowanych artystów, których twórczość przyczyniła się do pomyślnego rozwoju rytownictwa Złatoust, rozwoju lokalnej kultury artystycznej. Dlatego W. Bokow absolutnie się nie myli, twierdząc, że to Niemcy „przynieśli kulturę do Złatoustu sto lat temu w odległym i odległym miejscu”. Przynieśli wiedzę o technologii produkcji broni, a nie kulturę w szerokim tego słowa znaczeniu. Nie można bezpodstawnie zaprzeczać studiowaniu obcej kultury Uralu, jego doświadczeniom i osiągnięciom, jak to miało miejsce w przeszłości, ale niedocenianie twórczych sił narodu byłoby wielkim błędem.
Patriotyczne znaczenie sztuki uralskich mistrzów przejawiało się w tym, że tworzyli oni takie dzieła z kamienia, żeliwa, stali itp., które wcześniej wydawały się niedostępne dla Rosji. A dzięki umiejętnościom Uralu, a także sztuce rzemieślników fabryk Petersburga, Tuły, Ałtaju, Peterhofu, Ołońca i innych powstały takie przykłady sztuki przemysłowej, które stawiają Rosję na jednym z pierwszych miejsc w Europa.
Nawet współcześni rozumieli patriotyczne znaczenie sztuki Uralu. Z wyczuciem uchwycili najgłębszy sens rozwoju kultury artystycznej na odległym Uralu, słusznie oceniając go jako przejaw potężnych sił twórczych Rosji. Recenzent pierwszej wystawy produktów rosyjskiej manufaktury w 1829 r., Biorąc pod uwagę wyroby metalowe malowane Ural, bezpośrednio dochodzi do wniosku: „Zgodnie z tym artykułem możemy całkowicie zrezygnować z obcokrajowców”.
Z poczuciem głębokiej patriotycznej dumy czasopismo „Otechestvennye Zapiski” odnotowało wysokie walory artystycznej broni Złotoust: „Kucie ostrzy, polerowanie, rysowanie, trawa, złocenie i ogólnie wszelkie zdobienia broni tej produkcji wyłącznie przez ich własnych rosyjskich rusznikarzy i nie ustępuje w doskonałości najlepszym tego rodzaju dziełom wersalskim” .
Słynny rosyjski pejzażysta Andriej Martynow, odwiedzając Ural i zapoznając się z artystyczną obróbką kamienia, podziwiając umiejętności i talent artystów z ludu, pisał o produktach Uralu, „które pod wieloma względami nie ustępują starożytnym antyków, wszystko to robią rosyjscy chłopi”. Artysta wysoko ocenił także malowane tacki Tagil, na których, jak zauważył, „widoczne było nawet mistrzowskie malowanie”.
Jakby podsumowując opinię najbardziej zaawansowanych przedstawicieli społeczeństwa rosyjskiego, „Dziennik górniczy” pisał w 1826 r. o Uralu: jego poprawie”.
Ale dzieła mistrzów Uralu zyskały sławę nie tylko we własnym kraju, wywołując entuzjastyczne recenzje współczesnych. Wyjeżdżając za granicę, tam też nie stracili piękna i imponującej siły. Na wszystkich międzynarodowych wystawach produkty do cięcia kamienia, odlewy żeliwne, broń artystyczna Uralu były niezmiennie oznaczane nagrodami, zdobywając światowe uznanie i znaczenie. Na przykład prace kamieniarzy Uralu na Wystawie Światowej w 1851 roku w Londynie zasłużyły na wysokie uznanie: „Niesamowite kapitele i wazy wyprodukowane tam (Ekaterinburg Lapidary Factory. - B.P.) z najcięższych materiałów, można powiedzieć, przewyższały wszelkie podobne dzieła starożytna sztuka…”. 12
Dzieła sztuki z odległego Uralu były niezwykle szeroko rozpowszechnione na całym świecie: można je było znaleźć nie tylko w Europie, ale nawet w odległej Australii13. Popularyzowały one różnorodność sztuki rosyjskiej, twórczość utalentowanych artystów z ludu.
Sztuka industrialnego Uralu jest jednym z najważniejszych osiągnięć rosyjskiej kultury artystycznej. Odzwierciedlał twórczą inicjatywę, dociekliwy umysł człowieka pracy, nieśmiertelną umiejętność. Bez tego nie można sobie wyobrazić całego prawdziwego zakresu rosyjskiej sztuki i rzemiosła.
Historia powstania biżuterii sięga tysięcy lat wstecz. Pragnienie człowieka, by się ozdabiać, objawiło się u zarania narodzin ewolucji. W epoce kamiennej nasi dalecy przodkowie tworzyli biżuterię z kolorowych kamyków, przezroczystego kryształu górskiego i muszli. Słynny indyjski mineralog Rao Bahadur twierdzi, że sądząc po znaleziskach archeologicznych w Indiach i Birmie, mężczyźni i kobiety nie tylko nosili różnorodną kamienną biżuterię, ale także dekorowali swoje domy, broń i artykuły gospodarstwa domowego 7,5-10 tysięcy lat temu. Były to lokalne kamienie - chalcedon, agat, jadeit. Stosowanie szmaragdów rozpoczęło się 2000 pne, szafirów i rubinów z placerów na Cejlonie - 600 pne. Diamenty pojawiły się w tych samych Indiach - na 1000-500 lat pne. Znaleziska wyrobów z lapis lazuli, granatów, ametystu, amazonitu na terenie współczesnego Egiptu sięgają neolitu. Obecnie ustalono, że szmaragdy wydobywano w górach nad Morzem Czerwonym prawie 2000 lat pne. mi.
Przed odkryciem metali przez człowieka kamienie szlachetne były oprawiane przez starożytnych rzemieślników w drewno lub w ogóle nie były oprawiane. Wśród wyrobów starożytnego Egiptu przechowywanych w Muzeum Kairskim perfekcją zachwycają bransolety z grobowca faraona Dżesera (początek III tysiąclecia p.n.e.). Kultury antyczne kojarzone są z kulturami starożytnego Egiptu i Wschodu. Na przestrzeni wieków jubilerzy doskonalili swoją sztukę, odkrywając nowe sposoby obróbki materiału.
W okresie rozkwitu kultury jubilerskiej w starożytnym Rzymie realizowano nie tylko estetykę, ale także wartość materialną drogocennej biżuterii. W kolejnych stuleciach niejeden dworzanin zabiegał o wzbogacenie się, a dziesiątki, setki rzemieślników tworzyło arcydzieła jubilerskiego rzemiosła.
Sztuka jubilerska przeżywała wzloty i upadki, wzloty i upadki, podczas gdy jakaś jej część zaginęła, coś się odrodziło. Należy zauważyć, że sztuka jubilerska Rosji pochłonęła nie tylko trendy starożytnych epok, ale także oryginalność kultur Zachodu i Wschodu, które tradycyjnie wpływają na naszą kulturę jako całość.
Kamienie szlachetne wydobywane w kopalniach płynęły do spiżarni jekaterynburskiej fabryki cięcia, która już w 1774 r. Wyrosła na potężne przedsiębiorstwo zajmujące się przetwarzaniem klejnotów. Tutaj, w fabryce, stopniowo kształtuje się sztuka kucia, rozwija się, której świadectwa zachowały się w pamięci stuleci jako folklor, opowieści i legendy, które karmią pracę współczesnych jubilerów Uralu.
Powszechne na Rusi w XVI-XVII wieku przerabianie szlachetnego kamienia na kaboszon było od dawna znane mieszkańcom Uralu. Zasady europejskiego cięcia zaczęły tu przenikać dopiero w XVIII wieku. Ich dystrybucja związana jest z nazwiskami porucznika Ref, wysłanego na Ural przez Piotra I w 1725 r., A także włoskich mistrzów I. Batisty i V. Tortori, robotników fabryki Peterhof F. Tupylewa, I. Nazarowa, S. Kuzmin, który pochodził z Ya Dannenberg.
Kaboszon - okrągły lub owalny kamień polerowany na wierzchu.
Niestety, w dokumentach nie pojawiają się pierwsi uralscy kuterowie, ale nazwiska Sołoninów, Morozowów, Paderinów, Kowalewów, Żdanowskich, Siemionowów, Pietrowskich często pojawiają się w XIX-wiecznych spisach imiennych oraz w listach płac kutrów. Kto wie, może to wnuki i prawnuki tych, którzy jako pierwsi weszli na zawiłą krawędź.
Rzemieślnicy fabryczni szybko opanowali tajniki i subtelności cięcia klejnotów w „gwiazdkę”, „różę”, we wstążkę i diamentową fasetę. Jednak rzemiosło prawdopodobnie pozostałoby rzemiosłem, gdyby nie „życie w biznesie”, które wyprowadziło Uralu z liczby uczniów, zyskując dla nich sławę nie tylko w Rosji, ale także wśród jubilerów Europa.
Nie ma dwóch identycznych klejnotów, chyba że pochodzą z tego samego kryształu. Oznacza to, że nie może być tego samego cięcia. Lapidarzysta zamyślił się nad każdym kamyczkiem, szukając odpowiadającego mu fasetki, wyrazistego rysunku. Czasami kryształ spadał w wąskiej kolumnie. Po co go odcinać i ciąć „brylantem”? Sama natura sugeruje - daj otwartą krawędź. Kamień o gęstej barwie (szafir, aleksandryt, szmaragd, granat) również wymaga otwartej strony polarnej. Wtedy stanie się jaśniejszy, piękniejszy.
Brylantowa, grecka faseta, czyli „róża”, służyła do cięcia przezroczystych, jasnych topazów, akwamarynów, ametystów. Na dużym kamieniu kliny były ułożone w trzech lub czterech poziomach. Aby zwiększyć blask, doświadczeni rzemieślnicy wykonali więcej pęknięć na pośrednich układach ścian, a liczba płaszczyzn dochodziła czasem do 70-80. Płaszczyzny układały się z matematyczną precyzją, krawędzie były ostre, wyraźne. Ze względu na te cechy strona Jekaterynburga była szczególnie ceniona, nazywali ją „odcięciem”.
Wiele rysunków fasetowych było znanych krajaczom Ural. W meldunkach dozorców fabrycznych jest mowa o „gruszce”, „elipcie”, okrągłym, owalnym „kapturku”, czworobocznej, ośmiobocznej twarzy.
W latach 20-30 XIX wieku szeroko stosowano wycinanie iskier z kryształu górskiego i fenakitu. Szczególnie znani byli mistrzowie fabryki Bieriezowskiego. Zrobili dużą, średnią i małą iskrę. Duże i średnie poszły do główek po krzyże, małe po kupę pierścionków, diademów.
Cięcie dobrego minerału nie jest oczywiście zadaniem łatwym, ale nie tak kłopotliwym, jak cięcie minerału z wadą. Wtedy Ural pokazał swoją sztukę.
Pod ręką przecinaka, jak za dotknięciem czarodziejskiej różdżki, zniknęły wszelkiego rodzaju wady kamienia. Rzemieślnicy znali prosty sekret: mała krawędź nie ukryje ani jednej rysy, a wypolerowana ją ukryje. Pod płótnem kładą pęknięcie za pomocą stojaka, polerują - i nic nie widać. Blady ametyst wrzucono do szklanki z wodą. Farba z całego kryształu spłynęła na jeden krzak. Ten krzak został umieszczony na dnie kamienia. Światło, załamane w fasetach, osiągnęło kolor i rozlało się po całym kamieniu. W celu uzyskania czystości polerki w trakcie pracy wymieniano tarcze tnące, dopuszczano je do pracy w przeciwnym kierunku. Jeśli nie wziąłeś mielonego tripoli, używali „smażonego” lub krokusa.
Kamienie fasetowane, z nielicznymi wyjątkami, wysyłano w konwojach do Petersburga. Najlepsze próbki „ze względu na ich rzadkość, doskonałą czystość, celowo dobry kolor” natychmiast wpadły w ręce stołecznych jubilerów, takich jak Pozier, Gravereaux, Louis-David, Duval, którzy prawie zmonopolizowali tworzenie biżuterii w Rosji.
Frezy fabryczne tylko sporadycznie otrzymywały zamówienia. Od miejscowej szlachty, od przyjezdnych urzędników i wojska. Wykonywali głównie kaftanowe guziki z jaspisu i skalenia, z jaspisu robiono także rękojeści do noży, tabakiery z malachitu, różne sprzączki i wkładki do łańcuszków do zegarków.
Ponadto samoucy próbowali swoich sił w złożonej sztuce rzeźbienia klejnotów3. Wiadomość o tym zainteresowała prezesa Akademii Sztuk, hrabiego A. S. Stroganowa. Zainteresowany, oczywiście, bezinteresowny. Faktem jest, że na początku XIX wieku, wraz z ustanowieniem wysokiego klasycyzmu, kamee rzeźbione z kamieni szlachetnych i półszlachetnych stały się niezwykle popularne wśród szlachty. Kamei wkładano do broszek, medalionów, pierścionków, obsypywano brylantami, szmaragdami. Rzemieślnicy Peterhof nie mieli czasu, aby poradzić sobie z zamówieniami.
Wiosną 1802 roku do fabryki w Jekaterynburgu dotarł list4 z propozycją skierowaną do Pawła Ponomariewa, Firsa Nalimowa, Michaiła Ptuchina, Andrieja Matwiejewa i Wasilija Pykina, aby pilnie udali się do Peterhofu w celu nauczenia się antycznej rzeźby. Jednak uralscy rzemieślnicy odmówili wyjazdu, ponieważ „mają na utrzymaniu żony, rodziny i starszych rodziców”.
Stroganow nie wycofał się ze swojego przedsięwzięcia. Pod koniec kwietnia 1802 r. wysłał Iwana Szteienfelda do Jekaterynburga na szkolenie rzemieślników. „Aby sztuka ta rozwijała się z wielkim powodzeniem” — pisał — „nauczać będzie Iwan Szteienfeld, któremu będzie się płaciło 50 rubli rocznie”.
Po przybyciu do fabryki I. Shteienfeld zabrał się do pracy. Pierwszymi uczniami „szkoły antykwariatu”, która trwała podobno do 1847 r., byli wspomniani już robotnicy. Później dołączyli do nich S. Odincow, A. Piwowarow, A. Panow, D. Pietrowski, bracia Nikołaj i Andriej Kaluginowie. Rozpoczynając od kopiowania rysunków i sampli, wyszkoleni „na marmurach”, uralscy mistrzowie osiągnęli prawdziwą wirtuozerię. „Pod względem małości figur, jasności, poprawności i czystości” – pisze mierniczy Grammatchikov w „Dzienniku Górniczym” z 1827 r. perfekcji w lokalnej fabryce.”
Kamee przedstawiały greckich i rzymskich bohaterów, bóstwa, starożytnych poetów i filozofów, rosyjskich cesarzy i cesarzowe. Do cięcia wybrano jaspis wstęgowy,] agat, sardonyks o równych, prostych warstwach. Postacie wycięto na jasnych warstwach, a ciemniejsze pozostawiono pod tłem. Subtelne zrozumienie plastycznych i dekoracyjnych możliwości kamienia jest najcenniejsze w pracach Uralu. Szczególnie ukochali jaspis, podkreślając jego twardość, upór, ujawniając zasadę silnej woli na obrazie („Głowa mężczyzny bez brody”), wykorzystując elementy jego koloru do stworzenia niezwykłego, romantycznego obrazu („Posejdon”).
W latach trzydziestych XIX wieku w fabryce wycięto kilkadziesiąt kamei. Pracy starczyło zarówno dla mistrzów, jak i dla uczniów.
Ale wraz z upadkiem wysokiego klasycyzmu moda na kamee przeminęła, a ich produkcja została ograniczona. Ostatnie wzmianki o kameach znajdują się w inwentarzach „Goth-made at the Ekaterinburg factory of things” z 1852 r., Gdzie podano, że kamea „Samson” jest wymieniona w głównej parafii fabryki, a kamea „Dionisevsky Ox” został wysłany do Petersburga.
Bez względu na to, jak krótkie było istnienie „szkoły antyków”, pozostawiła ona ślad w sztuce kamieniarskiej (ostateczna dekoracja mis kamiennych stała się doskonalsza, delikatniejsza, ornamenty stały się bardziej skomplikowane, wszelkiego rodzaju nakładki rzeźbione z kolorowego kamienia w postaci skupisk jagód, owoców itp. e) oraz w dziedzinie artystycznej obróbki metali (absolwenci szkoły N. Płatonow, F. Ponomariew grawerowali na miedzi, wykonywali medale). Jej wpływ można uchwycić także w swoistej manifestacji gliptyki uralskiej4, która ukształtowała się w drugiej połowie XIX wieku. Dokładniej - po reformie i86i.
Po otrzymaniu „wolności” krajacze zaczęli pracować w domu. Na ziemi nie było żadnego szczególnego zwyczaju, a praca w kamieniu pozostała pierwszą i najważniejszą. Kupili proste narzędzie, w chatach włożyli ściernice. Do lat 80. w Jekaterynburgu i okolicach powstały główne ośrodki rzemiosła krawieckiego: Bieriezowski, Niżne-Isieck, Wierchnie-Isieck, Uktus, Polewskoj, Mramorski.
Rzemieślnicy, którzy przeszli szkolenie fabryczne, ściśle przestrzegali tajemnic rzemiosła, nie współpracowali z obcymi, aby nie pojawili się konkurenci. Niemniej jednak coraz więcej nowych pokoleń przystosowywało się do obróbki kamienia. Częściowo poprzez przekazywanie doświadczeń ojca synowi, częściowo poprzez wytropienie tajemnic.
Rozwijający się przemysł skrawaniem stworzył wiele gałęzi, gałęzi przemysłu do wyrobu przedmiotów z kamienia ozdobnego. Głównymi z nich były malachit, jaspis i selenit. A ile wąskich specjalizacji było w branży! W jednym domu rodzina zrobiła breloki do kluczy, w innym pisanki, w trzecim popielniczki, w czwartym pudełka zapałek w kształcie buta – naprawdę wszystkiego nie da się policzyć. I co najciekawsze - rzemieślnicy zaczęli wykorzystywać kamienie ozdobne do wyrobu biżuterii.
Twórcy malachitu Iwanow, Turuniew, Aleksiejew, Kwasnikow wykonali malachitowe bransoletki i naszyjniki z pluszu Gumeszewa i lekkiego malachitu z rudy miedzi, a także przyciski do papieru, tablice atramentowe, świeczniki, szkatułki. W nitce znajdowało się nawet sto kawałków kulek, wyrzeźbionych ręcznie, starannie dobranych pod względem wielkości i koloru. Czasami wszystkie koraliki były takie same, czasami ich rozmiar zwiększał się stopniowo, a największy znajdował się na środku.
Te same koraliki wykonano z kryształu, ametystu, rzadziej z topazu. Piękny, różowawy, jedwabisty selenit trafiał również na naszyjniki, jednak nie mając dostatecznej twardości, szybko blakł, tracił swój pierwotny wygląd. Dlatego koraliki selenitowe zostały wykonane na sezon i były niedrogie.
Twórcy jaspisu Siemionow, Kalugin, Płochow, Chomiakow szeroko stosowali wosk i jaspis Kalkan w broszkach, bransoletkach, kolczykach i spinkach do mankietów.
Specjalnym przemysłem było wycinanie tzw. „nakładek” na przyciski do papieru: księżniczek z malinowego schorlu, winogron z przydymionego kryształu i ametystu, jabłek i gruszek z selenitu, wiśni z karneolu. Następnie mistrzowie nakładek opracowali specjalny rodzaj broszki-gałązki, imitującej kiść winogron, porzeczek itp. w kamieniu.
Początkowo wyróżniała się różnorodnością, inwencją, wirtuozerią, która ukazywała życie i piękno kamienia. Co się wtedy stało, dlaczego sztuka nagle przekształciła się w pospolite rzemiosło?
Rzecz w tym, że uralski przemysł krojczy nie powstał jako ośrodek sztuki ludowej, jak na przykład Palech, Mstera czy Chochloma, dla których tradycje artystyczne były czymś oczywistym. Statek był, a raczej wydawał się być, dostępny dla każdego, kto miał ręce. Byli przywiązani do nauki nie z własnej woli, ale z konieczności, aby się wyżywić. Nowa generacja kutrów żyła zgodnie z prawami rynku, zgodnie z prawami sprzedaży i zakupu, które dyktowały im warunki.
Na początku XX wieku niemal wszyscy rzemieślnicy-krojnicy byli całkowicie uzależnieni od „zleceniodawców”. Duzi kupcy prowadzili warsztaty, sklepy nie tylko w Jekaterynburgu. Mieli dostęp do jarmarków w Irbicie i Nowogrodzie, gdzie sprzedawali rękodzieło kupowane za grosze po niebotycznych cenach.
W pogoni za zarobkiem rzemieślnicy zmuszeni byli spędzać ponad 15 godzin dziennie na pracy, nie dbając o elegancję wyrobów. To było błędne, błędne koło. Wymuszona prędkość, która doprowadziła do psucia się produktów, doprowadziła do nowej, jeszcze większej obniżki cen.
Ale chyba najbardziej ucierpieli szlifierze klejnotów. Kupujący wydawali i przyjmowali kamienie na wagę. Co zostało mistrzowi? Oczywiście należy zadbać o wagę wyjściową kamienia, a nie o czystość i dokładność krawędzi.
Tak, handel żył ciężko, nerwowo, a nawet okrutnie. Prawdziwym mistrzem był w nim rubel, a nie sztuka, nabywca, a nie mistrz. To prawda, że od czasu do czasu pojawiały się różne pomysły i projekty, aby go uratować. W celu podniesienia poziomu artystycznego wyrobów w 1896 r. w prawdziwej szkole w Jekaterynburgu zorganizowano kursy z „praktycznym rysunkiem dla chętnych rzemieślników”. W 1902 roku otwarto Szkołę Artystyczno-Przemysłową z pracownią szlifierską i jubilerską, która istniała do 1917 roku. Jednak niewielu jej absolwentów pozostało na Uralu. Próbowali osiedlić się w stolicach.
Łowisko rozrosło się, rozrosło i… wymarło.
Odrodzenie rozpoczęło się w 1919 roku. Gdy tylko Ural został wyzwolony od Kolczakitów, górska rada Najwyższej Rady Gospodarki Narodowej wydała zarządzenie o przywróceniu cięcia.
Na początku było trudno. Wojna domowa rozproszyła mistrzów w różne miejsca. Kto służył w wojsku, kto na kolei, kto przystosował się do naprawy szycia i maszyn do pisania. Szukali, namawiali do zajęcia się starym biznesem.
Stopniowo krajacze wznowiły pracę. Niektórzy nadal są w domu, niektórzy przenieśli się do dawnej fabryki w Jekaterynburgu, która w tamtych latach została przekształcona w państwowy warsztat, a niektórzy trafili do artelów.
Wśród rzemieślniczych „zakładów” znajdowała się niepozorna pracownia mineralogiczna w muzeum Uralskiego Towarzystwa Miłośników Przyrodoznawstwa. Jej produktami były kolekcje kolorowych kamieni i skał Uralu. Szczególnie znane były „slajdy” stołowe wykonane przez wykwalifikowanych rzemieślników D.K. Kubin, A.V. Oberyukhtin, N.V. Frolov.
Wkradli się wszyscy poważni ludzie: mineralogowie, geolodzy, górnicy, doświadczeni szlifierze. A praca w warsztacie niepostrzeżenie, z roku na rok nabierała rozmachu, solidności przedsiębiorstwa państwowego. Już w 1938 r., wraz z produkcją kolekcji, zaczął tu działać warsztat szlifierski, który przejął kontrolę nad domownikami Pyshma, Berezovsky, Polevskoy. Rok później uruchomiono produkcję biżuterii.
Starzy robotnicy, weterani obecnej fabryki jubilerskiej, którzy zaczynali swoją karierę w tym warsztacie, często wspominają Władimira Gawriłowicza Roshchina (1888-1960), doskonałego rzemieślnika z bogatym doświadczeniem zawodowym zdobytym w Petersburgu w warsztatach firmy Faberge. Pod jego okiem opanowano podstawy jubilerstwa: topienie metali, wytwarzanie półfabrykatów, montaż, szlifowanie. Początkowo zajmowali się renowacją produktów, potem opanowali produkcję medalionów, pierścionków, broszek z kryształowymi piargami, obrączek. Style biżuterii zostały zaczerpnięte ze starych katalogów, których szukał V. Roshchin. Pod jego rządami opanowano wiele stylów, a wraz z nimi wszystkie główne rodzaje rygli.
Rozwijające się przedsiębiorstwo, które zatrudniało już ponad dwieście osób, wymagało nowoczesnych form zarządzania, planowania, zaopatrzenia w surowce, marketingu produktów oraz szkolenia personelu. W sierpniu 1941 r. zakład mineralogiczny przekształcono w zakład jubilerski i szlifierski.
Wojna... Eszelony z ewakuowanymi ciągnęły się na Ural niekończącą się linią. Trzeba było się spotkać, umówić, umówić. W zgiełku niespokojnych dni, wypełnionych do granic możliwości zmartwieniami, niespodziewanie pojawili się pracownicy Kijowskiej Fabryki Biżuterii. I nie przyszli z pustymi rękami. Przywieźli część sprzętu, półprodukty.
Wykonywał głównie rozkazy z frontu. Guziki, odznaki wojskowe, papierośnice, chronometry, zegarki. Na szczególną uwagę zasługuje jedynie renowacja srebrnych naczyń i biżuterii, które pochodziły w dużych ilościach z Państwowego Funduszu ZSRR.
Fabryka stłoczyła się w ciasnym parterowym domu. Pilne zadanie stworzenia minimalnych warunków pracy i mechanizacji produkcji zaczęto podejmować po wojnie.
W latach 1949-1950 dobudowano drugie piętro budynku głównego, dobudowano dobudówkę na warsztat mechaniczny i biuro oraz zaczęto wprowadzać półautomatyczne maszyny do cięcia. W latach pięćdziesiątych w Swierdłowsku położono kres pracy domowej. Do fabryki przybyło nowe, młodsze pokolenie robotników, którzy otrzymali dobre wykształcenie w otwartej w 1948 roku szkole artystycznej i zawodowej. Pojawili się pierwsi specjaliści, technolodzy, inżynierowie. Wprowadza się wiele nowinek technicznych i technologicznych, udoskonala się proces złocenia, wytapiania metali szlachetnych.
Radykalne techniczne przezbrojenie produkcji umożliwiło rozwiązanie pilnych, złożonych problemów. W 1958 roku fabryka otrzymała pierwszą partię jakuckich diamentów. Nieregularne kryształy, nierówne krawędzie. Niezwykła twardość i najzwyklejsza kruchość. Doświadczeni mistrzowie i ci cofnęli się.
Najlepsi szlifierze diamentów z Antwerpii i Paryża ujawnili mieszkańcom Uralu sekrety przekształcania niepozornego diamentu w lśniący diament. Nasi rzemieślnicy szybko opanowali cięcie, toczenie, polerowanie kamienia, a na Uralu pojawił się nowy zawód - przecinak diamentów. Gazety tamtych lat donosiły o pierwszych sukcesach J. Shara, N. Savinova, A. Khananova, N. Sonina. Zwykle do diamentu nakłada się 57 faset. Pobili też swego rodzaju rekord, otrzymując diamenty o fasetach 97 i N3. Alexander Portnyagin oszlifował diament na 121 faset i jako pierwszy w naszym kraju wykonał najmniejszy diament o wadze 0,02, a następnie w o, oi karatach. Przed nim takie kamienie marnowały się.
Pod koniec lat pięćdziesiątych przypada kolejne wydarzenie - rozwój filigranu. Wszystko zaczęło się od kolczyków, które zostały wysłane z Moskwy z prośbą o powtórzenie. Kolczyki są duże, w misternej filigranowej oprawie. Próbka została wykonana w Krasnoje Siole, ale znani twórcy filigranu odmówili masowej produkcji. Technologia była bardzo trudna. I mogliśmy odmówić, ale oni nie odmówili.
A jednak oceniając okres lat czterdziestych – pięćdziesiątych z dzisiejszego punktu widzenia można powiedzieć, że biżuteria powstawała głównie według dawnych wzorów. Broszki, bransoletki, pierścionki nie były niczym nowym w formie. Obojętność na artystyczne możliwości materiału doprowadziła do imitacji, imitacji. Prawie zapomniano o kamieniu naturalnym. W trakcie tłoczono szkło, syntetyczny korund.
Podobne zjawiska obserwowano prawie wszędzie, więc Swierdłowska Fabryka Biżuterii i Cięcia nie była pod tym względem wyjątkiem. Nowe trendy stały się zauważalne dopiero po 1955 r., Kiedy KC KPZR i Rada Ministrów ZSRR przyjęły uchwałę „O likwidacji ekscesów w projektowaniu i budowie”. Postawił przed artystami zadanie: znaleźć nowoczesne formy budynków mieszkalnych i użyteczności publicznej, wykorzystać nowoczesne materiały, zdobycze techniki, uwolnić się od eklektyzmu i naśladownictwa stylów z poprzednich stuleci.
Nic dziwnego, że mówią, że architektura definiuje oblicze epoki. Zmieniając się, obejmuje wiele rodzajów sztuk pięknych w pierestrojce, ale przede wszystkim - sztukę i rzemiosło.
Na początku lat sześćdziesiątych kryteria estetyczne we wszystkich gatunkach sztuki i rzemiosła uległy zasadniczej zmianie. Nadchodzi czas na jego niezależne znaczenie artystyczne, uznanie siły jego wpływu na człowieka, na organizację obiektywnego środowiska. Na wystawach strefowych, republikańskich, ogólnounijnych całe sekcje poświęcone są sztuce i rzemiosłu. Istnieją również wystawy specjalne, które przyciągają ogromną liczbę widzów. Tak więc w 1961 r. W Moskwie odbyła się wystawa „Art for Life”, na której zaprezentowano szeroką gamę produktów, z których wiele zalecono do produkcji.
W orbitę życia artystycznego zaangażowana była również swierdłowska fabryka biżuterii i kroju. Zaczęli tu pracować pierwsi profesjonalni artyści (NA Statsenkova, B.A. Gladkov) i powstała silna kreatywna grupa projektantów mody. Młodzi rzemieślnicy byli zdeterminowani, aby tworzyć biżuterię, wypchnąć to, co stare, nudne, przestarzałe. A co najważniejsze - ożywić piękno naturalnego klejnotu Uralu w produktach.
Główne poszukiwania i eksperymenty nad rozwojem nowych modeli biżuterii z intarsjami z kamienia naturalnego są związane z organizacją w fabryce w 1963 roku wyspecjalizowanej grupy twórczej, w skład której wchodzili artyści, projektanci mody, technolodzy, rytownicy, ślusarze, standaryzatorzy.
Wraz z pojawieniem się tej grupy aktualizowany jest asortyment wyrobów masowych wykonanych ze złota i srebra z kamieniami półszlachetnymi i półszlachetnymi, opracowywane i doskonalone są wyroby z diamentami, cechy stylistyczne sztuki jubilerskiej Ural i jej kierunek powstaje.
Nowa tektonika przedmiotów, nowe formy i materiały wymagały bardziej zaawansowanej technologii. A początek lat siedemdziesiątych był okresem wielkich nowinek technicznych.
W krótkim czasie powstają kolejne budynki fabryczne. Uruchomiono odlewnię odśrodkową precyzyjną, uruchomiono wyżarzanie bezutleniające, zgrzewanie punktowe i lutowanie wyrobów w piecu przenośnikowym Solo, mycie ultradźwiękowe, anodowanie odlewów ze złota, chromowanie i rodowanie wyrobów, elektrotłoczenie. Pojawia się miejsce do produkcji emalii i nakładania ich na produkty, laboratorium do hodowli kryształów szmaragdu. Potężne zaplecze techniczne umocniło pozycję sztuki, przyczyniło się do jej szybkiego rozwoju, jej osiągnięć.
Teraz o uralskiej sztuce jubilerskiej można mówić nie tylko w bezstronnym tonie kronik, które dokładnie rejestrują fakty i wydarzenia. Interesujące jest również przedstawienie jej w analizie głównych nurtów rozwoju artystycznego, w ich krzyżowaniu się i przeplataniu. Od lat sześćdziesiątych twórczość artystów stała się bardziej zróżnicowana. Już nie jeden czy dwóch, jak to było w okresie formacji, ale cała grupa mistrzów tworzyła zespół, który podjął się wszystkich trudów pierwszych poszukiwań i odkryć.
Przejście od starych form produktów do nowych, nowoczesnych rozpoczęło się wraz z rozwojem i zrozumieniem dekoracyjnej i figuratywnej ekspresji samego materiału. Próbowali kamienia i metalu, studiowali technologię, ujawniali swoje skłonności do jednej lub drugiej metody obróbki.
A im bardziej wytrwałe były poszukiwania, tym żywotniejsze okazywano zainteresowanie tradycjami sztuki minionych wieków.
W tych latach wielu artystów zwróciło się do historii sztuki użytkowej na Uralu, do tradycji sztuki ludowej. Ożyły świadectwa tych, którzy czarowali nad żeliwnym odlewem, nad poczerniałą stalą, nad ciepłym pniakiem lipy, nad żyłką malachitu, nad półszlachetną krawędzią. Na nowo odkryto tajemnicę ludowych rzemieślników w obchodzeniu się z materiałem. W końcu nie używali tylko, powiedzmy, drewna, metalu, kamienia, ale mieli własne wyobrażenie o poezji każdego z nich. I forma, którą stworzył artysta, odpowiadała temu zamysłowi. Produkt narodził się zgodnie z prawami piękna materiału, żyła w nim pewność mistrza, że każdy materiał powinien „mówić” sam za siebie. Niepowtarzalny humor, niesamowita fantazja decydowały o tym, z czym artyści najczęściej się komunikowali, zwracając się do tradycji ludowych.
Oryginalna koncepcja kształtowania biżuterii powstała z ufnego, oryginalnego podejścia w stylu Uralu do kolorowego kamienia. Gdyby udało się zebrać produkty z ostatnich 15-20 lat, wówczas oczom ukazałyby się zdumiewająco piękne kamienie ozdobne: jaspisy wszystkich kolorów i odcieni, wzorzyste malachity, agaty, zimne z błękitem jak cienka wiosenna kry, ciepłe , pędzle ochra karneol, turkus, mieniący się ametyst i chalcedon, lapis lazuli, jadeit. A w sposobie, w jaki pieczołowicie zachowane są pewne znaki szczególne - narośla, chropowatości, żyłki, jasne lub rozmyte plamy barwne - można wyczuć fascynację, szczery podziw dla wyjątkowości tego czy innego kamienia.
Entuzjazm, bezinteresowna wiara w moc klejnotu w dużej mierze determinowała styl i metodę twórczą uralskich jubilerów. Dla nich klejnot stał się aktywnym i być może najważniejszym czynnikiem kształtującym, sugerował pomysł, rozwiązanie ramy, jej ozdobne wykończenie.
Oczywiście z czasem iw miarę nabywania doświadczeń myśli stawały się śmielsze, zarysowana zasada tworzenia rzeczy zauważalnie się rozwijała, pogłębiała i wzbogacała. W końcu bez względu na to, jak dobry jest kamień naturalny, ale poleganie tylko na nim oznacza świadome ograniczanie się, zubożenie. Tak, i nie zawsze można było znaleźć tak interesującego, nie zawsze można było go całkowicie słuchać. Wiele pozostało „niewypowiedzianych”. Dlatego na początku lat siedemdziesiątych niektórzy, być może najbardziej wrażliwi na wymogi sztuki, coraz częściej zaczęli zwracać się ku metalowi, w poszukiwaniu trójwymiarowego, plastycznego rozwiązania dla biżuterii. Nie oznacza to wcale, że zainteresowanie klejnotem zmalało lub przynajmniej zmalało. Po prostu relacja między kamieniem a metalem (stąd wstawki i ramy) stała się bardziej wyrównana, bardziej zróżnicowana. W produkcie nie widać kamienia, ale sam produkt jako całość, którego piękno wyraża się poprzez plastyczność, poprzez rytmy, proporcje, przestrzenne konstrukcje zorganizowane w metalu, poprzez kombinacje kolorów i faktur.
Stosunek uralskich jubilerów do tradycji jest pozbawiony prostoty. Nie zapożyczono istniejącej ikonografii rzeczy, rozwiązań kompozycyjnych, ale odnaleziono głębokie, fundamentalne powiązania twórcze. Tak więc starożytna sztuka rosyjska - architektura, malarstwo, jubilerstwo - przyciąga artystów z Uralu czystością stylu i wyraźnym charakterem narodowym. Ponadto lakoniczność i emocjonalne bogactwo form, monolityczna siła całości i niezwykła ekspresja detali tej sztuki wpisują się w współczesne aspiracje estetyczne. W ten sposób stopniowo kształtuje się styl i pismo artystów z Uralu. Ich prace wyróżnia klasyczna prostota i klarowność formy, ściśle związana z bezpośrednim przeznaczeniem przedmiotu, figuratywna emocjonalność, harmonia barw, bogactwo ornamentyki, wreszcie staranne wykonanie. Oczywiście znaki te nie pojawiają się w pracach jawnie. Różnią się one w zależności od indywidualnych upodobań autora, czasem stają się niemal niepozorne, ale wpływ „szkoły” jest zawsze uchwycony, nawet w najnowocześniejszym rozwiązaniu sprawy.
Wachlarz wybranych tradycji poszerza się z roku na rok. W pracach z ostatnich lat zauważalne są reminiscencje dekoracji barokowej i secesyjnej. Zainteresowanie ugruntowanymi już tradycjami radzieckiej sztuki jubilerskiej jest coraz większe, kontakt z czołowymi artystami Moskwy, Petersburga i krajów bałtyckich jest coraz bliższy.
Uralianie często odwiedzają twórczą daczę w Połądze, współpracują ramię w ramię z jubilerami z Gruzji, Armenii, Ukrainy, Białorusi, co znacznie wzbogaca ich język figuratywny i plastyczny, urozmaica techniki zdobnicze.
Uralscy artyści od samego początku z powodzeniem pracują nad tworzeniem dzieł unikatowych i to bezpośrednio dla branży jubilerskiej. Doprowadziło to do powstania dwóch głównych nurtów – przemysłowego i wystawienniczego. Pod względem zadań i formalnych środków wyrazu różnią się od siebie szeregiem specyficznych cech.
Industrial - zapewnia tworzenie wygodnych w noszeniu, holistycznych w kształcie, doskonałych pod względem estetycznym wyrobów, spełniających wysokie wymagania przemysłowe i techniczne. Łączy w sobie wiele biżuterii różniącej się materiałem (złoto, srebro), asortymentem (kolczyki, broszki, wisiorki itp.), liczbą nakładów.
Zatrzymajmy się przede wszystkim na przedmiotach ze złota, które zajmują znaczące miejsce w produkcji fabrycznej. Produkowane są w dużych i małych seriach.
Wytwarzalność wyrobów wielkogabarytowych jest jednym z kryteriów oceny jakości nie tylko z ekonomicznego, ale także artystycznego punktu widzenia. Dlatego przy tworzeniu próbek do masowej replikacji należy wziąć pod uwagę możliwości techniczne przedsiębiorstwa, opłacalność ekonomiczną produktów oraz poziom zawodowy mistrzów wykonania i prośby konsumentów. Trzeba wziąć pod uwagę fakt, że formę przedmiotu biżuterii masowej wyznacza już w pewnym stopniu standardowy szlif kamienia, zestandaryzowane i ujednolicone detale (trzonki pierścionka, uszka medalionu, zamki kolczyków itp.).
Ale praca jubilerów Uralu zawsze wyróżniała się prawdziwym zainteresowaniem produkcją fabryczną, chęcią uczynienia technologii integralną częścią „estetyki” rzeczy. W rezultacie pojawiły się produkty, prześledzone, przemyślane, same mówiące o metodzie ich narodzin - mechanicznej replikacji.
Bogaty asortyment wyrobów ze złota to przede wszystkim pierścionki, kolczyki, wisiorki, spinki do mankietów, przeznaczone na specjalne okazje: elegancka biżuteria dzienna, drobna biżuteria wieczorowa oraz komplety wizytowe.
Obraz tworzony jest poprzez kompozycję na płaszczyźnie poprzez połączenie fakturowanych i polerowanych powierzchni, wyraźnej sylwetki i rytmu linii. Biżuteria ma prostą formę, przekupuje kompletnością.
„Przeciętność” form typowego obiektu przełamuje różnorodność dekoracji, bogactwo barw kamienia, jego jasne brzmienie na tle żółtego złota. Złote rzeczy z emaliowaną powłoką przyciągają soczystym, szczerym kontrastem.
W połowie lat siedemdziesiątych stworzono i opanowano w produkcji złotą biżuterię bez wkładek. Dekoracyjna wyrazistość tych produktów opiera się na czysto teksturowanych efektach metalu. Lustrzana powierzchnia polerowania i luz odlewu tworzą niepowtarzalną grę. Kształt jest ściśle geometryczny (koło, prostokąt, romb). Ornament, jeśli jest używany, jest szczególnie dobrze narysowany i ma nowoczesną technikę.
