L'art de la taille de pierre de l'Oural: une histoire avec une suite. Résumé: Formation des centres d'artisanat d'art du sud de l'Oural
Formation des centres d'artisanat d'art du sud de l'Oural
1.3 Art de taille de pierre de l'Oural
Dans l'Oural, des objets en pierre ont commencé à être fabriqués à l'ère du classicisme, bien que la production de taille de pierre ait commencé à s'établir sous V.N. Tatichtchev. À la fin du XVIIIe siècle, à la suite des activités de l'expédition de recherche de pierres colorées, de nombreux nouveaux gisements de marbre, de jaspe et d'autres roches ont été découverts ici. Dans le même temps, le noyau principal d'artisans s'était formé dans l'Oural et l'art de la taille de la pierre est devenu une activité héréditaire.
Pendant presque tout le XVIIIe siècle, de grosses commandes ont été faites à partir de marbre plus tendre que le jaspe ou l'agate. En particulier, l'Oural en a fait des détails en marbre - marches, dalles, mains courantes, colonnes - pour le monastère Smolny, Peterhof et de nombreux bâtiments de Tsarskoïe Selo, ainsi que de nombreux détails et décorations pour le célèbre palais de marbre de Saint-Pétersbourg, conçu par l'architecte A. Rinaldi. Au XVIIIe siècle, seuls de petits objets étaient fabriqués à partir de roches dures (topaze de Murzin, cornaline, cristal de roche) - sceaux, becs, tabatières, manches de poignard, etc.
Depuis les années 1780, l'usine de broyage d'Ekaterinbourg s'est complètement tournée vers le traitement des roches dures et les artisans locaux ont commencé à adopter en toute confiance des formes arrondies difficiles à fabriquer.
Le processus de traitement de la pierre était laborieux et en plusieurs étapes, la fabrication des produits nécessitait une prudence et un soin particulier. Par exemple, lors de la planification de la fabrication d'un bol à partir d'un monolithe d'orlets roses (rhodonite) de 1000 pouds, les experts d'Ekaterinbourg ont écrit au client: la commande peut être effectuée au plus tôt quatre ans. En fait, la fabrication de ce vase a nécessité non pas quatre, mais dix ans de travail acharné.
Tout d'abord, les pierres ont été taillées avec des outils en acier et coupées avec des scies à tôle. Si un produit rond était en cours de préparation, le traitement initial était effectué avec des tuyaux ou des cylindres, également en tôle de fer. Les scies et les perceuses ont été mouillées avec de l'eau et de l'émeri pendant le fonctionnement. Ainsi, la pierre a reçu le premier dessin approximatif. Puis il est entré dans le traitement détaillé sur la machine "barrée": la pierre était pressée contre une poulie en bois rotative avec des vis. Au contraire, une pierre destinée à un produit rond était renforcée au centre, tournait autour de son axe et recevait sa forme au contact de râpes et de barres. Après le traitement ornemental, ils ont procédé au meulage et au polissage. Poli avec des râpes en émeri et en cuivre. Poli avec des râpes en étain ou des poulies avec un bang.
Pour les objets dont les murs étaient décorés d'images en relief, ils ont d'abord fabriqué un modèle en cire d'après le dessin. Après les figures ont été dessinées sur la pierre avec un crayon de cuivre, esquissées avec un cutter et plus étroit, puis tournées, meulées et polies.
Cependant, cette méthode convenait aux produits en marbre, rhodonite, jaspe et peu adaptée pour révéler la beauté particulière de la malachite et du lapis-lazuli.
Pendant ce temps, de nombreux produits à base de malachite ont été fabriqués par l'usine de découpe d'Ekaterinbourg et envoyés à Saint-Pétersbourg. L'Oural possède les meilleurs et les plus riches gisements de malachite au monde. Des pièces pesant jusqu'à 1 500 kilogrammes ont été extraites à la mine Gumeshevsky près de l'usine de Polevsk, et un bloc de 25 tonnes a été découvert à la mine Mednorudyansky dans la région de N. Tagil. Par la suite, ce bloc, brisé en morceaux pesant 2 tonnes, a été utilisé pour faire face à la fameuse salle de malachite du Palais d'Hiver. Pour la fabrication d'articles en malachite et en lapis-lazuli, les artisans de l'Oural utilisaient la technique dite de la "mosaïque russe".
Il s'avère que d'énormes vases ou comptoirs en malachite ne sont pas fabriqués à partir d'un morceau entier de malachite : leur volume est fait de serpentine, de marbre ou d'une autre pierre. Les caractéristiques naturelles de la malachite - l'abondance de grands et petits vides, les inclusions étrangères, la narine nous ont obligés à abandonner les idées habituelles sur toute la beauté de la façade de la pierre, ce qui permet de faire des choses volumineuses. La malachite est découpée en fines tuiles et utilisée comme matériau de parement : elles se collent sur la forme préparée, ronde, s'il s'agit d'un vase, ou plate (comptoir). En Occident, une telle technique - coller une simple pierre avec des plaques de roches coûteuses est connue depuis longtemps, cependant, l'originalité de la "mosaïque russe" était que des objets à surface arrondie étaient collés: vases, colonnes, choses avec ornementation en relief, et surtout - objets colossaux . (Annexe A, Figure A.2).
Les produits de malachite, de lapis-lazuli et de jaspe, fabriqués selon la méthode de la mosaïque russe, faisaient la fierté de l'Oural. Au milieu du XIXe siècle, une mode générale de la malachite dans la décoration intérieure se développe : dans les années 1830-1840, la malachite se transforme d'une pierre utilisée par les bijoutiers en un matériau de décoration architecturale. L'artiste A. Venetsianov, dans une de ses lettres privées, a écrit sur la création d'une "salle de malachite" dans le palais d'hiver nouvellement terminé (après un fort incendie): "Le palais est presque terminé (je n'y suis pas encore allé) , et il y aura une chambre en malachite - ils portaient des bagues en malachite, tu te souviens ? .
Au milieu du XVIIIe siècle à Ekaterinbourg, en plus des produits en marbre, les premières mesures ont été prises pour traiter les roches dures et en faire divers objets artistiques. Dans les années 1750 et 1760, la mode des tabatières fleurit, chaque costume était accompagné d'une certaine tabatière, faite d'une grande variété de matériaux : métal, os, porcelaine, etc. Dans l'Oural, les tabatières en pierre étaient fabriquées en grande quantité.
En 1754, les étudiants du "moulin" d'Ekaterinbourg sous la direction de I. Susorov ont travaillé sur des produits de forme plus complexe que des tabatières, des tasses et des plateaux de formes diverses en jaspe vert foncé, etc. La maîtrise de la technique de traitement de la pierre dure se poursuit dans années suivantes sous la direction de S. Vaganov. En 1769, de petits bols ronds en agate rouge, jaspes bleus et noirs étaient déjà en cours de traitement. Au cours de ces années, pour la première fois, des informations indiquent que les bols ont été fabriqués «avec une encoche à l'intérieur», c'est-à-dire creux. Des produits inattendus ont également été rencontrés dans la production, par exemple des cuillères de table en jaspe rouge.
Depuis les années 1780, l'usine de broyage d'Ekaterinbourg est complètement passée au traitement uniquement des roches dures. Début septembre 1782, une commande est reçue de Saint-Pétersbourg pour la fabrication de vases et de dessins spéciaux. Des pierres appropriées ont été sélectionnées pour chaque dessin, principalement des jaspes de couleurs sombres et sobres. Le classicisme, avec son culte de la clarté et des formes architectoniques, détermine le style des produits de l'Oural des années 1770-1780. Au milieu du XVIIIe siècle, les œuvres des maîtres de l'Oural ne jouaient pas encore un rôle aussi important dans la décoration intérieure que dans les dernières décennies du siècle, lorsque les intérieurs étaient décorés de statues en pierre, de vases, de lampadaires. Dans les années 1780, une usine d'Ekaterinbourg a commencé à créer des vases en pierre, pour lesquels l'histoire de la taille de pierre russe est devenue célèbre.
Le plus grand épanouissement de la production à l'usine d'Ekaterinbourg tombe sur la première moitié du XIXe siècle. Au cours de ces années, des vases en pierre, des bols, des obélisques et des lampadaires ont été créés selon les dessins des plus grands architectes russes. Les meilleurs produits de l'usine ont été présentés à plusieurs reprises lors d'expositions mondiales en Europe et ont reçu les plus hautes récompenses. .
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* Ce travail n'est pas un travail scientifique, n'est pas un travail final qualifiant et est le résultat d'un traitement, d'une structuration et d'une mise en forme des informations collectées, destinées à être utilisées comme source de matériel pour l'auto-préparation d'un travail pédagogique.
Introduction
La culture artistique de l'Oural fait partie intégrante de l'histoire de la culture russe. En même temps, ce n'est pas seulement une version provinciale d'une culture nationale, mais un phénomène indépendant avec ses propres modèles et logique de développement. C'est la particularité de l'existence d'un phénomène tel que la culture régionale.
L'emplacement unique de la chaîne de l'Oural - entre les deux principaux centres des civilisations mondiales - l'Europe et l'Asie, a créé une opportunité d'interaction constante entre l'Est et l'Ouest ; la diversité des conditions naturelles et géographiques de l'Oural a conduit à la diversité des structures culturelles et économiques qui y sont apparues depuis l'ère paléolithique et ont eu un impact sur l'ensemble du cours ultérieur des événements historiques.
L'histoire de la culture de l'Oural est inextricablement liée au développement des terres de l'Oural et de la Sibérie par le peuple russe. A partir du 16ème siècle Les villes se construisent dans les territoires colonisés. Au XVIIIe siècle. la colonisation et le développement de la région se poursuivent : l'Oural moyen devient le centre minier du pays. Ici apparaît une culture minière unique, qui diffère de la culture du reste de la Russie paysanne, qui a reçu l'incarnation la plus complète dans l'artisanat d'art de l'Oural, combinant les traditions de l'art populaire et les nouvelles formes de la méthode industrielle d'organisation de la production.
La formation de l'art professionnel dans l'Oural a lieu assez tard, principalement au XIXe et au début du XXe siècle, lorsque les premiers écrivains, peintres et troupes de théâtre de l'Oural sont apparus. Ce fut une période de croissance de la conscience régionale, de l'émergence d'un intérêt constant pour l'histoire de la région, son identité, l'émergence de sociétés d'histoire locale et la création de musées.
Processus de modernisation, destruction du mode de vie traditionnel du début du XXe siècle. et surtout les bouleversements révolutionnaires ont, à leur manière, affecté le développement de la culture de l'Oural, modifiant radicalement son destin. Les tentatives de création d'une culture socialiste étaient fondées sur la négation de l'héritage culturel du passé. Une tentative a été faite pour créer artificiellement une nouvelle tradition de créativité artistique professionnelle sur le sol de l'Oural.
Ainsi, le but de ce travail est d'étudier la culture artistique de l'Oural.
À partir de là, suivez les tâches suivantes :
envisager le moulage d'art en fer ;
analyser la gravure de Zlatoust sur acier ;
étudier la peinture sur métal de Nizhny Tagil;
mettre en valeur les produits céramiques de l'Oural.
1. Art populaire
Une place particulière dans la culture populaire est jouée par le maître - une personne créative spéciale, spirituellement liée à son peuple, à la culture et à la nature de la région où il vit. Il est porteur de tradition et d'expérience spirituelle collective.
M. A. Nekrasova écrit à propos de la place qu'occupe le maître dans la culture populaire: «Puisque le concept de« culture »inclut tout ce qui a été réglé dans le temps, les valeurs du durable, alors leurs porteurs sont le plus souvent des représentants des générations plus âgées , des personnes célèbres. … Ces maîtres qui sont capables de synthétiser l'expérience de l'équipe dans leur travail. … La continuité ancestrale de l'artisanat était valorisée. Le niveau de l'école était déterminé par les travaux du maître. Un tel concept de maître ... comprenait non seulement sa compétence, mais aussi les hautes qualités de la personnalité d'une personne respectée de tous. Dans les représentations folkloriques, la sagesse et l'expérience étaient associées à l'habileté. Le critère moral était indissociable de la notion de « maître populaire » en tant que personne créatrice, porteuse du monde poétique.
Quelle est cette personnalité ? Tout d'abord, il se distingue par la conscience historique, le souci de préserver les valeurs du passé et de les transférer vers l'avenir, et une appréciation morale de la réalité. Une telle conscience crée une image d'une vision particulière du monde. … Souvent, un artisan populaire est doté des caractéristiques d'une personne spéciale et inhabituelle, parfois il est célèbre en tant qu'excentrique. Et ce sont toutes les facettes du talent populaire, du talent spirituel. Sa coloration individuelle ne contredit pas l'implication dans l'ensemble, qui constitue la vision du monde du maître folklorique, détermine son rôle culturel en tant que créateur.
Fonte de Kasli, gravure sur acier de Zlatoust, peinture sur métal de Nizhny Tagil, cuivre de Suksun, taille de pierre et art de la joaillerie - on peut dire que leur importance est à la hauteur de la valeur de la région en tant que centre métallurgique historiquement établi. Ils ont été générés et sont devenus une expression du mode de vie gornoural, où les traditions paysannes déterminaient largement le travail des ouvriers et des artisans, où la créativité des artisans uniques coexistait avec la production industrielle, où le matériau principal était le fer et la pierre, où le lien avec l'esprit des traditions n'a pas rejeté, mais a assumé une recherche constante, où ont été créées des œuvres qui ornaient les palais et les huttes paysannes de la capitale, les demeures des marchands et la vie ouvrière.
Les œuvres d'art industriel de l'Oural, avec toute la diversité de la nature et des formes d'existence de l'artisanat, se distinguent par un lien étroit avec la vie quotidienne, avec les besoins pratiques de la vie elle-même. Cependant, il n'y a pas d'attitude étroitement utilitaire envers les choses créées. Ce type de relation est caractéristique de la culture populaire traditionnelle qui, de par son syncrétisme, ne connaît pas d'attitude extra-esthétique face à la réalité. Le sens et le contenu principal de cet art ne se limitent pas à la production de beaux objets. Le processus de fabrication de tout objet dans cette culture agit non seulement comme un développement pratique, mais aussi comme un développement spirituel du monde environnant.
L'art populaire de tout temps est une création permanente du monde. Ainsi, chaque œuvre est à la fois l'affirmation du monde dans son ensemble et l'affirmation de soi de l'homme comme membre du genre-collectif. Le monde de la culture populaire est un cosmos à part entière : il comprend tous les éléments de la vie, ce qui détermine la haute structure figurative des œuvres d'art populaire.
Les caractéristiques de l'artisanat populaire de l'Oural, formé dans les entrailles de la culture minière, ont été déterminées par l'importance du rôle de l'individualité créative, l'importance acquise par la recherche de leurs propres moyens d'expression et de nouveauté artistique, l'interaction avec les technologies de production industrielle, la particularités de l'existence sociale des producteurs eux-mêmes et des consommateurs de leurs produits, parmi lesquels se trouvaient des personnes de différents horizons.
Dans l'un des contes, P. P. Bazhov dessine une manière d'organiser le travail en période d'existence active de l'artisanat: «Il est également arrivé que dans une hutte, près du poêle, des couteaux et des fourchettes aient été découpés selon un motif, à la fenêtre ils ont été affûtés et poli la pierre et tissé des nattes sous les rideaux ». Il souligne la nature particulière du travail non seulement des artisans isolés, mais aussi des ouvriers d'usine de cette époque : la primitivité de la technologie de production, basée principalement sur le travail manuel, rendait la qualité du produit dépendante de l'expérience et de l'individualité du maître. Cela a donné lieu à la compétitivité et à la compétition entre artisans, les secrets professionnels se sont transmis dans des dynasties familiales de fondeurs, forgerons, tailleurs de pierre de génération en génération. Ce n'est pas un hasard si une telle place dans l'esprit de l'Oural est occupée par l'image du Maître, s'efforçant de connaître le Mystère.
Le phénomène du Maître est ancré dans la culture populaire de l'artisan qui est responsable de son travail, responsable de lui-même et de ses proches. Son travail est peu mécanisé, il est plus manuel que machine, il garde la chaleur des mains humaines. Bien sûr, le travail d'un artisan est un travail pour le marché. Mais ce n'était jamais une réplique irréfléchie.
Un vrai maître n'est pas pressé de se séparer des secrets de son savoir-faire. Il est seul, il n'enseignera son métier que "intelligent et pas paresseux pour le travail", à qui vous pouvez ouvrir un "mot orthographique". Il est intéressant de noter que l'attitude des autres envers le maître dépendait de la mesure dans laquelle la personne comprenait la valeur de son travail.
La valeur de la culture populaire réside dans le fait qu'elle nous permet de réaliser le lien entre modernité et tradition. L'art populaire peut périr là où le lien entre une personne et sa terre est perdu. Cela peut être pleinement ressenti en se référant à l'histoire de l'artisanat de l'Oural, dont le sort s'est développé de différentes manières. Des types distincts d'art industriel de l'Oural, ayant prospéré, ont été relégués au second plan, ont disparu, ils ont été remplacés par d'autres. Mais malgré toutes les vicissitudes de l'histoire, ils ont été et restent les porte-parole de la conscience de soi de ceux qui les ont créés.
2. Coulée d'art en fonte
La fonte dans l'Oural était principalement associée aux besoins des ménages: le besoin de portes de four, de chaudières, de braseros, de moules pour la cuisson du pain d'épice et des petits pains fait que des articles ménagers sont fabriqués dans de nombreuses usines de l'Oural aux XVIIIe et XIXe siècles. Pendant longtemps, la fabrication d'objets, même ceux liés à la fonderie d'art, a été mise sur le même pied que les autres produits des fonderies de fer.
A cette époque, les produits en fer de l'Oural étaient très populaires : ils étaient utilisés pour décorer les structures architecturales et à l'intérieur des manoirs. Les grilles en fonte à motifs, qui conservent encore le charme du tricot de dentelle, ont acquis une renommée particulière. Et dans le premier tiers du XIXème siècle. l'architecture russe connaît un nouvel essor puissant, des ensembles grandioses se créent, les architectes recourent largement à la sculpture et à la fonte. Aux XVIIIe - XIXe siècles. la coulée artistique du fer dans l'Oural est produite dans de nombreuses entreprises, privées et publiques: dans les usines de Kamenskoi, Kyshtymsky, Kushvinsky, Verkh-Isetsky, Kasli, Chermozovsky, Pozhevsky, Nizhny Tagil, Bilimbaevsky.
En 1830 - 1840. la fonte figurée apparaît à l'usine de Kasli. Des grilles, des meubles de jardin, des cheminées et des sculptures de chambre ont été coulés à Kasli. Ils étaient différents dans la forme, mais toujours émerveillés par l'habileté de l'exécution. Le succès de Kaslinsky a été largement facilité par la coopération avec les talentueux sculpteurs P. Klodt, M. Kanaev, N. Bach (les motifs du son de la nature de l'Oural dans ses œuvres), ainsi que la création de moulages selon les modèles d'E. Lansere, A. Ober, N. Liberich et bien d'autres .
Après la révolution, le développement de la fonte artistique a subi des changements importants: d'abord, la technologie de production a commencé à changer, pour des raisons de rapidité, les traditions de coulée ont été détruites et la préférence a été donnée à la production de fonte "pure". La fonte a cessé d'occuper une place significative, où elle s'est transformée en une diminution du niveau artistique des produits.
3. Gravure Zlatoust sur acier
Dans l'armurerie du Kremlin de Moscou et dans les collections des musées de l'Oural, des expositions uniques sont présentées - des armes décorées de gravures. Au début du XIXème siècle. dans l'Oural, un centre spécial pour la fabrication d'armes décorées à froid est apparu dans la ville de Zlatoust. Il était le plus demandé à une époque où l'armée russe combattait, ou lors des anniversaires des glorieuses victoires des armes russes, lorsqu'il devenait nécessaire de récompenser des officiers et des généraux distingués.
Initialement, la gravure de Zlatoust sur acier est influencée par les armuriers allemands : ils travaillent à l'usine à l'invitation du gouvernement. La lame de sabre (1822), gravée par le maître Shaf, est qualifiée d'œuvre la plus significative de cette époque par les chercheurs. La chronique des batailles de la guerre patriotique de 1812 de Moscou à Paris est gravée sur la lame.
Les artistes de l'Oural créent le style unique de gravure de Zlatoust sur acier dans les années 1920 et 1930. 19ème siècle Ils introduisent dans la gravure non seulement des motifs ornementaux, comme c'était la coutume chez les armuriers allemands, mais aussi des scènes d'intrigue.
4. Cuivre domestique et artistique des usines de l'Oural
L'Oural est connu pour ses produits ménagers et artistiques en cuivre. Vaisselle et ustensiles d'église, chandeliers et cloches, lavabos suspendus et lampes fabriqués dans des usines minières dispersées dans toute la Russie.
L'un des premiers à fabriquer des ustensiles en cuivre a été les artisans de l'usine publique d'Ekaterinbourg. Le 12 juin 1723, V. de Gennin, l'organisateur de l'activité minière et l'un des pères fondateurs d'Ekaterinbourg, envoie une lettre à l'épouse de Pierre Ier, Ekaterina Alekseevna, accompagnée d'un plateau de cuivre raffiné. Il était carré, « à coins fourchus et à côté recourbé », marqué d'un cartouche octogonal, en forme de rouleau à demi plié, qui figure les armoiries sous la couronne impériale avec l'inscription suivante : « Sa Majesté et Autocrate de toute la Russie à l'usine nouvellement construite de Katharinburkh et le premier échantillon de cuivre sibérien entièrement forgé commodément à la gloire du nom de Leur Majesté par la diligence de l'artillerie, le général de division Vilim Gennin. juin 8 jours. 1723. La datation du plateau suscite des doutes chez les chercheurs. Il s'avère qu'il a été fabriqué ... avant la construction de l'usine. Evidemment, l'époque de création du plateau est postérieure - 1728 - 1729. Maintenant, ce plateau est stocké à l'Ermitage de l'État.
Divers ustensiles ménagers ont été produits à l'usine d'Ekaterinbourg. Ils disent que les plats préparés ici étaient assez bon marché et étaient en demande constante aux foires d'Irbit et d'Orenbourg. Il ne faut pas croire que la fabrication d'objets utilitaires ne nécessitait pas la maîtrise du travail du cuivre. Le grand art est attesté par le fait cité par le critique d'art A. S. Maksyashin: en 1728, une cloche a été coulée à l'usine d'Ekaterinbourg pour l'église de l'Ascension avec. Brusnyansky, Aramilskaïa Sloboda. Et en 1732, des artisans d'Ekaterinbourg ont coulé des cloches pour Saint-Pétersbourg (8 pouds) et 50 pouds pour Irkoutsk. La plus grande des cloches survivantes coulées à Ekaterinbourg, dix livres, est maintenant stockée dans le musée local des traditions locales.
À l'usine de Suksun des Demidov, il y avait une fonderie de cuivre et une fabrique de cloches, un atelier de fusion du cuivre rouge en laiton et un atelier de tournage pour tourner les plats et les cloches. Cette usine est appelée le deuxième centre le plus important pour la fabrication de produits en cuivre après Ekaterinbourg. Comme en témoignent les historiens, A.F. Tourchaninov (1701 - 1787) était le meilleur parmi les éleveurs qui ont réussi à mettre en place le «commerce du cuivre» à l'usine de Troitsk, fondée en 1734.
Divers objets ont été fabriqués à partir de cuivre à la fois pour les besoins d'une famille individuelle et pour des villes entières. De nombreux objets en cuivre étaient décorés d'ornements. Les ornements étaient graphiques et en relief.
Habituellement, les artisans travaillaient sur des pochoirs, mais l'imagination de l'artiste l'emportait souvent sur la réglementation, surtout lorsqu'elle n'était pas reproduite, mais un article cadeau sur mesure était fabriqué.
Le savoir-faire virtuose dans la fabrication et la décoration des produits en cuivre est aujourd'hui presque perdu : il n'y a pas de chaudronniers, les secrets de l'ancien métier ont été perdus. Maintenant, nous ne pouvons rencontrer leurs produits que dans le musée.
5. Nizhny Tagil peinture sur métal
Depuis le milieu du XVIIIe siècle. dans un certain nombre d'usines de l'Oural, en plus des articles ménagers, des ustensiles nécessaires au ménage, ils commencent à produire des "plats et plateaux en laque".
Nizhny Tagil est devenu le centre de pêche. "L'art de la peinture", - note le chercheur de la peinture de l'Oural V. A. Baradulin, - s'est développé ici dans les zones habitées par les vieux croyants sur Vyya et dans les Keys. Le problème de la main-d'œuvre à l'usine de Nizhny Tagil avait été résolu à ce moment-là, de sorte que les propriétaires de l'usine ont commencé plus souvent à autoriser les maîtres serfs à payer la main-d'œuvre obligatoire de l'usine ou à embaucher des personnes libres à la place, ce qui leur a donné la possibilité de se livrer uniquement à l'artisanat. , y compris la peinture.
Les plateaux fabriqués par les artisans de Nizhny Tagil ont la même valeur artistique que, par exemple, les célèbres plateaux Zhostovo. Il existait deux types de plateaux : les plateaux-images et les plateaux réels. Ils différaient par la nature de leur utilisation: "nappe" (ils faisaient toute la largeur de la table et, pour ainsi dire, remplaçaient le plateau), "thé", "verre" ...
Les plateaux étaient décorés de "peinture florale décorative", une place importante était occupée par la "découpe décorative" - peinture "sous malachite", "sous la tortue", "sous l'arbre".
Des plateaux-images étaient utilisés pour décorer la maison, ils représentaient souvent des paysages, des scènes d'intrigue et des natures mortes. Les parcelles de plateaux de peinture représentaient le plus souvent des scènes au contenu héroïque et romantique. Lors du choix d'une parcelle, les artistes ont été attirés par la possibilité de créer des panneaux décoratifs lumineux. Les images pittoresques étaient encadrées d'une bande rouge et noire avec une ceinture ornementale, ainsi que d'un riche motif doré.
Désormais, les plateaux des habitants de Tagil sont exposés dans de nombreuses expositions en Russie et à l'étranger, les œuvres de maîtres contemporains sont conservées dans les expositions des musées locaux et métropolitains. C'est juste que le secret de la "laque de cristal" est resté non résolu ...
6. Les artistes serfs Khudoyarovs
La famille Khudoyarov occupe une place particulière dans le développement de l'art pictural à Nizhny Tagil. La rumeur populaire attribuait l'invention du "vernis cristal" à l'un des frères Khudoyarov.
Les Khudoyarov descendent des vieux croyants. Comme en témoigne la tradition familiale, leurs ancêtres ont fui la Volga vers l'Oural afin de préserver la «vieille foi». Les Khudoyarov étaient connus comme des peintres d'icônes. Cet artisanat, sous l'influence des conditions locales, a reçu une nouvelle direction, devenant principalement laïque.
Une partie importante du travail des Khudoyarov a été réalisée sur ordre de N. A. Demidov pour ses palais de Moscou et de Saint-Pétersbourg. Dans la maison de banlieue de Moscou de Demidov, il y avait une pièce avec un plafond en miroir, décorée sur les murs de "vernis, recouvert de peintures", sur laquelle les oiseaux et les papillons les plus divers et les plus colorés sont représentés avec beaucoup d'art. Pour ce travail, étonnant par sa subtilité et son habileté, Demidov "a accordé" à ses peintres serfs chacun une ceinture, un chapeau et des "caftans", et son père, Andrei Khudoyarov, "renvoyé du travail d'usine".
7. Pêche à la poitrine
Signé dans l'Oural, non seulement des plateaux, mais aussi des coffres, des cercueils. Rembourrés en étain, avec des serrures "rusées", richement décorés, ils étaient un attribut nécessaire dans la maison de l'Oural. Les coffres de mariage revêtaient une importance particulière.
Les coffres et les coffrets étaient de tailles très différentes : les plus grands atteignaient 1,5 mètre, les plus petits de 27 à 55 cm. Les plus populaires étaient la "place" de quatre cercueils et de trois ou quatre coffres.
Pour confectionner un coffre, les efforts d'artisans de différentes spécialités étaient nécessaires, parfois leur nombre atteignait sept : certains fabriquaient des caisses en bois, d'autres fabriquaient des serrures en métal, d'autres fabriquaient des poignées, des charnières, un quatrième préparait le fer et l'étain, le vernissaient, les imprimeurs et les ciseleuses décorées feuilles avec motifs.
Le coffre était une œuvre d'art et d'artisanat complète, ses volumes et ses plans étaient harmonieusement reliés, la peinture avait soit un thème commun, soit pouvait avoir une image complètement indépendante de chaque côté, mais le motif de cadrage donnait l'unité. Ils ont peint à l'extérieur des coffres et des coffrets "de masse" sur un fond noir ou vert foncé. Sur le couvercle se trouvait la composition principale sous la forme d'un bouquet ou d'une guirlande de grandes roses et de tulipes à petites feuilles, deux petits groupes de fleurs étaient écrits sur le mur avant, les latéraux étaient décorés encore plus modestement.
Jusqu'à très récemment, dans les maisons de l'Oural, on pouvait voir des coffres aux façades peintes, des couvercles et des côtés peints de peinture verte, bleue ou rouge, tapissés dans une cage oblique avec des bandes de fer.
8. Produits de taille de pierre des maîtres de l'Oural
L'usine de découpe d'Ekaterinbourg remonte à 1726 avec un petit atelier de découpe à l'usine d'Ekaterinbourg. En se développant, l'industrie de la taille a créé de nombreuses branches, des branches de transformation des pierres ornementales (principalement malachite, jaspe sélénite). Après l'abolition du servage, de nombreux coupeurs travaillaient à domicile: dans une maison, la famille fabriquait des porte-clés, dans une autre - des œufs de Pâques, dans la troisième - des cendriers, dans la quatrième - des boîtes d'allumettes; la malachite était utilisée pour fabriquer des presse-papiers et des planches à encre. Au fil du temps, les artisans ont commencé à utiliser une pierre ornementale pour la fabrication de bijoux: des perles en cristal, améthyste, malachite, sélénite, le jaspe étaient largement utilisées dans les broches, bracelets, boucles d'oreilles, boutons de manchette.
Des produits uniques des pierres de l'Oural, du marbre et de la malachite, fabriqués aux XVIIIe et XIXe siècles, ornent de nombreux musées et palais en Europe et dans notre pays. Les collections de l'Ermitage d'État contiennent des vases, des lampadaires et des chandeliers fabriqués à l'usine lapidaire d'Ekaterinbourg.
Un trait distinctif du développement de la coupe et de la production de bijoux dans les années 1940 - 1950. il y avait une solution aux problèmes de "reconstruction technique", la traduction de l'artisanat, où il y a "beaucoup de subjectif" (des techniques du maître à sa propre "vie de pierre"), à la mécanisation et à l'automatisation . Cela a conduit à la réplication des produits, à la perte de leur unicité.
Au début des années 1960 Avec un changement d'attitude envers les arts décoratifs et appliqués, les tailleurs et les bijoutiers de l'Oural tentent de créer des produits de nouvelles formes, se tournant vers les traditions de l'art populaire, vers l'expérience de collègues des États baltes, de Géorgie, d'Arménie et d'Ukraine. .
9. Produits céramiques dans l'Oural
Les produits en céramique, ainsi qu'en cuivre, occupaient une place prépondérante dans la vie quotidienne de l'Oural. Retour au 17ème siècle dans l'Oural, une production de céramique indépendante est née. Parmi les produits fabriqués à Solikamsk figuraient notamment des carreaux - carreaux pour murs de parement, cheminées, poêles. Une grande collection de carreaux est conservée dans les musées Usolsky et Cherdynsky.
Initialement, les temples étaient décorés de tuiles : elles encadraient des fenêtres, entouraient des tours. Ensuite, des tuiles ont commencé à être fabriquées pour le revêtement des poêles. À l'usine de Solikamsk, on fabriquait des tuiles rectangulaires, courbes, convexes ou concaves, ceinturées, pour la pose de frises, de "villes en forme", de "rosaces d'angle" et d'arcs de cheminée. Tous étaient décorés de peintures.
Les carreaux différaient dans leur utilisation de la couleur : ils étaient monochromes et polychromes. Les unicolores étaient recouverts de glaçure blanche et peints d'émail bleu. La disposition du dessin sur la tuile était différente: parfois le dessin ressemblait à un médaillon, l'image centrale était enfermée dans un cadre orné, parfois le dessin était librement situé sur tout le plan.
Des carreaux multicolores ont été peints sur un fond blanc avec des peintures vert clair, jaune et marron. Au centre, des personnages masculins étaient représentés dans le style des estampes populaires. les figures étaient entourées d'une fine ligne brune claire et, avec l'inscription, étaient enfermées dans un cadre rectangulaire. Le long du bord même des carreaux étaient décorés d'ornements colorés.
Les carreaux sont une autre preuve de l'entrelacement de l'utilitaire et de l'art dans la culture de l'Oural.
Dans l'Oural, il y avait aussi des objets artisanaux qui "travaillaient l'argile". En gros, bien sûr, on fabriquait de la vaisselle, mais on fabriquait aussi des jouets. L'ancien artisanat de Vyatka est connu dans la colonie de Dymkovo et plus tard dans celles de Tavolozhian (le village de Nizhnie Tavolgi près de Nevyansk). Tout le monde connaît le jouet Dymkovo ou Filimonovo, on connaît moins le jouet Tavolozhskaya, en partie parce que la fabrication de jouets ou de sifflets n'était pas un commerce indépendant : pendant leur temps libre pour leurs propres enfants ou ceux des voisins, moins souvent à vendre, ils étaient sculptés par un maître de l'Oural. Ils se distinguaient par un type particulier de décoration - non pas par la couleur, mais par le vitrage de pièces individuelles.
Les plats en porcelaine et en faïence étaient rarement décorés de peintures à la main. Habituellement, le dessin était gravé sur des planches de cuivre, imprimé sur du papier, qui était ensuite collé sur les plats. Lorsqu'il est cuit dans un four, le papier brûle, laissant un motif coloré sur le produit. Les tracés des dessins étaient dans la plupart des cas empruntés à des magazines, beaucoup moins souvent ils représentaient des paysages locaux ou des portraits d'Ermak Timofeevich, aimé du peuple.
Conclusion
L'Oural a franchi le seuil du XXIe siècle. Il reste encore l'un des principaux centres industriels, scientifiques, techniques et culturels du pays. L'unité économique et ethnoculturelle de la région continue d'être préservée. Avec l'ensemble du pays, l'Oural a traversé différentes étapes de son développement. Dans les vicissitudes de la formation de sa culture artistique, comme dans un miroir, de nombreuses collisions de l'histoire nationale et de son propre destin se sont reflétées.
Les événements du passé récent font déjà partie de l'histoire. Le développement de la culture artistique de l'Oural au XXe siècle. apparaît comme un processus complexe, parfois contradictoire, non dépourvu de drame interne, mais avec sa propre logique. 20ième siècle trouvé l'Oural dans un "état de transition". La région était confrontée à une tâche de grande envergure - trouver sa place dans l'espace culturel de la Russie. La culture artistique a été appelée à jouer un rôle important dans ce processus, devenant inévitablement l'une des formes de la conscience de soi régionale.
Fin du XXe siècle est devenu un temps de réévaluation des valeurs, de révision du sens de nombreux événements et phénomènes de l'histoire de la culture nationale. Le fil conducteur est la volonté de restaurer la "connexion des temps" brisée. Ceci, dans de nouvelles conditions, à une nouvelle étape, nous ramène à la résolution des problèmes auxquels l'Oural était confronté au début du siècle. Trouver la perspective d'un développement ultérieur dépend en grande partie de la façon dont nous serons capables de comprendre l'expérience du passé.
La source du développement de l'art de la taille de la pierre et de la joaillerie dans l'Oural était l'extraordinaire richesse de ses ressources minérales. Des pierres ornementales colorées (appelées gemmes) ont été découvertes au 17ème siècle. Vers 1635, des minerais de cuivre de malachite ont été découverts dans les contreforts de l'Oural. Encore plus tôt, des «pierres à motifs» ont été trouvées ici - cornaline, agate, jaspe Et en 1668, Mikhail Tumashev a découvert le plus riche gisement de pierres colorées près de Murzinskaya Sloboda, non loin de Verkhoturye, et en 1700 - une montagne de jaspe sur la rivière Argun .
Le véritable apogée est venu en 1700, lorsque Pierre Ier a commencé sérieusement la recherche minière et a ordonné la création d'un ordre spécial pour l'exploitation minière à Moscou. Les scientifiques naturels voyageant autour de l'Oural avec des expéditions scientifiques ont apporté de nouvelles nouvelles sur les pierres nouvellement découvertes. En 1720, Pierre I envoie Tatichtchev dans l'Oural, lui confiant la gestion des usines appartenant à l'État. Peu de temps après son arrivée sur les lieux, V.N. Tatishchev envisage de construire une usine sur la rivière Iset. En 1723, une nouvelle ville est née au centre de l'Oural - Ekaterinbourg, qui est devenue le centre de l'industrie minière de l'Oural. Le développement de l'art de la taille de la pierre de l'Oural aux XVIIIe et XIXe siècles était également lié à la croissance et au développement d'Ekaterinbourg. Il a été découvert à proximité immédiate de grands gisements de marbre, suivis de Kolyvanskaya et de Loktevskaya. Les premiers produits préparés à la fin des années 1920 dans l'Oural étaient de petits objets en roches dures. Cependant, l'intérêt pour diverses races de jaspes colorés augmente progressivement.
Depuis 1726, pour la première fois, de petits plastiques taillés dans la pierre ont commencé à être utilisés sous forme d'inserts dans les harnais de chevaux, les embouchures, les manches de couteaux et de poignards et les tabatières ; à partir de 1782 - dans des sceaux en agate et cristal de roche; à partir de 1786 - dans des encriers; de 1787 - en boutons.
Au début du XVIIIe siècle, les artisans de l'Oural ont appris à traiter la pierre de couleur nouvellement découverte, établissant ainsi les traditions de l'école locale d'art de la taille de la pierre. Les maîtres de l'Oural ont abordé le traitement de la pierre d'un point de vue philosophique. L'école de tailleurs de pierre de l'Oural s'est toujours distinguée par un amour particulier pour la pierre, une compréhension de sa beauté naturelle. Le grand principe du tailleur de pierre n'était pas de violer la beauté de la pierre donnée par la nature, mais seulement de la faire ressortir et de la mettre en valeur le mieux possible. L'un des fondateurs du traitement artistique de la pierre dans l'Oural devrait à juste titre être considéré comme un mécanicien de pépites russe Nikita Bakharev. Bakharev, ayant construit une usine, améliore constamment les mécanismes. Il a, par exemple, reconstruit une machine à sculpter. Ivan Susorov est un talentueux mécanicien-inventeur de l'Oural, étudiant de Bakharev. Ensemble, ils ont créé des mécanismes d'action de l'eau.
Dans l'Oural, les pierres précieuses extraites des mines se sont déversées dans les garde-manger de l'usine de taille d'Ekaterinbourg, qui déjà en 1774 est devenue une puissante entreprise de traitement des pierres précieuses. Ici, à l'usine, l'art des tailleurs prend forme et se développe peu à peu.
Très répandue en Rus' aux XVIe-XVIIe siècles, la transformation d'une pierre précieuse en cabochon était connue depuis longtemps des habitants de l'Oural. Les principes de la coupe européenne n'ont commencé à pénétrer ici qu'au XVIIIe siècle. Leur distribution est associée aux noms du lieutenant Ref, envoyé dans l'Oural par Pierre Ier en 1725, ainsi qu'aux maîtres italiens I. Batista et V. Tortori, ouvriers de l'usine de Peterhof F. Tupylev, I. Nazarov, S. Kuzmin, qui venait de Ya. Dannenberg.
Cabochon - une pierre ronde ou ovale polie sur le dessus.
L'apogée de la joaillerie et de l'art de la taille de pierre est arrivée à la fin du 18e - début du 19e siècle. À cette époque, l'usine lapidaire d'Ekaterinbourg était dans un « état florissant ». Il y avait une équipe d'artisans bien établie qui maîtrisait parfaitement diverses méthodes de traitement de la pierre - à la fois une surface lisse et l'ornement le plus complexe, et de magnifiques mosaïques russes. Les maîtres ont créé des œuvres d'art selon les dessins d'architectes et de sculpteurs russes célèbres : Voronikhin, Rossi, Stasov, Montferrand, Bryullov et d'autres etc.. L'art de la taille de la pierre de l'Oural leur doit son essor rapide.
A la fin du 18e et surtout dans la première moitié du 19e siècle, lorsque l'extraction de la pierre atteint son apogée d'activité, de grands vases et bols d'apparat, des colonnes, des sculptures sont réalisés à partir de pierres précieuses ornementales, murs, sols et plafonds de palais majestueux et les temples étaient tapissés de mosaïques de pierre et de tuiles. . De nombreux produits à base de malachite ont été fabriqués par l'usine de découpe d'Ekaterinbourg et envoyés à Saint-Pétersbourg.
Nulle part, sauf en Russie, ils ne savaient et ne savaient pas faire des choses à partir de jaspe qui sont immédiatement devenues des chefs-d'œuvre de l'art mondial. Cela s'applique principalement aux travaux réalisés par les tailleurs de pierre de l'Oural Yakov Vasilyevich Kokovin et Gavrila Firsovich Nalimov. Ils travaillaient au XIXe siècle. à l'usine de découpe d'Ekaterinbourg. Grâce aux tailleurs de pierre talentueux de Yuzhno-Uralsk, le jaspe est devenu connu dans le monde entier.
Le traitement initial des pierres consistait à les tailler avec des outils en acier, à couper la pierre avec des scies à tôle et à percer avec des forets en fer. Tous les outils ont été mouillés avec de l'eau et de l'émeri. Après un traitement grossier, la pierre a été transférée pour un traitement détaillé sur une machine «barrée», où la pierre a été pressée contre une poulie en bois rotative avec des vis.
La technologie de traitement de la pierre dure comprend les étapes suivantes : tri des matières premières, sciage, forage (plumage), bourrage, meulage. polissage. La pierre est triée par couleur et motif; les indicateurs de qualité essentiels, auxquels on prête attention lors du tri, sont l'uniformité et l'absence de fissures.
De 1802 à 1847 il y avait une école pour la sculpture des "antiquités". Ils ont fait des camées à la mode à cette époque. Au début du XIXe siècle, avec l'instauration d'un grand classicisme, les camées taillés dans des pierres précieuses et semi-précieuses sont devenus extrêmement populaires parmi la noblesse. Des camées ont été insérés dans des broches, des médaillons, des bagues, inondés de diamants, d'émeraudes. Les camées représentaient des héros grecs et romains, des divinités, des poètes et des philosophes anciens, des empereurs et des impératrices russes. Pour la coupe, le jaspe ruban, l'agate, le sardonyx avec des couches même droites ont été choisis. Les figures ont été coupées sur des couches claires et les plus sombres ont été laissées sous le fond. Mais à mesure que le grand classicisme se décomposait, la mode des camées passa, leur production réduite.
L'un des produits les plus courants des tailleurs de pierre de l'Oural sont les sceaux en pierre. Le début de la production de sceaux remonte à la fin du XVIIIe siècle. La majeure partie est constituée de sceaux en cristal de roche et de quartz fumé, suivis de sceaux de jaspe, de rhodonite, d'agate, de malachite, de lapis-lazuli et de rares exemples de sceaux - d'améthyste, d'aigue-marine, de citrine. Les sceaux étaient fabriqués non seulement à l'usine impériale, mais dans une plus grande mesure dans des ateliers privés. Dans les échantillons précédents, la forme des poignées était prismatique, le rôle décoratif principal était attribué à la pierre elle-même. Vers la seconde moitié du XIXe siècle. il y a des sceaux avec des poignées sculptées en forme de sculpture miniature.
Depuis les années 1840, les presse-papiers sont devenus à la mode. Jusqu'à la fin du XIXe siècle, ils ont subi une transformation - des plaques de pierre colorée polie aux plaques de jaspe de Kalkan ou d'ardoise avec des images en couleur utilisant la technique de la mosaïque florentine, et à la suite de luxueuses natures mortes en relief de divers fruits et baies.
L'ère de la malachite dans l'art de la taille de la pierre était les années 30-40 du XIXe siècle, lorsque la malachite dans les objets décoratifs monumentaux est devenue l'emblème de la richesse russe. Les objets en malachite ont été fabriqués selon la technique de la "mosaïque russe".
Technique "mosaïque russe" - une technique de mosaïque dans l'art de la taille de pierre, dans laquelle des plaques de pierre ornementale colorée (généralement de la malachite) sont collées sur une base de pierre durable peu coûteuse. Dans le même temps, les assiettes sont très soigneusement sélectionnées en fonction de la couleur et du motif, et le produit semble être constitué d'un monolithe. La technique de la mosaïque russe vous permet de maximiser la beauté de la pierre.
La mosaïque russe diffère également de la mosaïque florentine en ce qu'elle est réalisée non seulement sur une base plate, mais également sur des surfaces courbes (sphériques, cylindriques, etc.). Ils sont largement utilisés dans la décoration non seulement de petits objets d'art de taille de pierre (cercueils, comptoirs, instruments d'écriture, etc.), mais également pour la décoration intérieure décorative.
Dans la technique de taille de pierre de la mosaïque russe, les techniques suivantes sont utilisées:
Ruban motif (jet) - les plaques de pierre sont disposées en une bande continue et sont sélectionnées de manière à ce que les lignes du motif d'une plaque passent en douceur dans les lignes d'une autre. Le motif doit couler en continu.
Velours doux- la technique est utilisée lors de la finition de grandes surfaces de la surface, tandis que les plaques sont sélectionnées de manière à ce que les lignes du motif se croisent en douceur dans toutes les directions, et l'ensemble donne l'impression d'une seule pierre.
Motif sur deux ou quatre côtés- pour mettre en œuvre cette technique, vous devez scier une plaque à partir d'une pierre colorée d'une épaisseur de 3 mm à 6 mm. Les motifs sur les deux sections de la plaque sont les mêmes, par conséquent, en sciant la deuxième plaque et en l'alignant avec la première, vous pouvez obtenir un motif symétrique des deux côtés. Si deux autres plaques sont sciées de la même pierre et reliées aux deux premières, un motif à quatre côtés sera obtenu. De la même manière, vous pouvez créer des compositions sur six faces ou plus, en les combinant en différents motifs et en décorant diverses choses.
Parlant du développement de l'art de la taille de la pierre et de la joaillerie dans l'Oural, on ne peut manquer de mentionner la Société des amoureux des sciences naturelles de l'Oural (UOLE), fondée en 1870. Ses produits étaient des collections de pierres colorées et de roches de l'Oural. Les "diapositives" de table fabriquées par des artisans qualifiés D.K. Kubin, A.V. Oberyukhtin, NV Frolov. À l'initiative de la société, l'atelier scientifique et minéralogique a ensuite été créé, au sein duquel un atelier de taille des pierres de l'Oural a été formé.
Les œuvres des maîtres de l'usine ont reçu une reconnaissance mondiale, elles ont été admirées par l'Europe. Les artisans fabriquaient également des bracelets et des colliers en malachite, des perles de cristal et d'améthyste, utilisaient du jaspe dans des broches, des bracelets, des boucles d'oreilles et des boutons de manchette. Le principal motif ornemental à cette époque était un motif floral recouvrant la surface du produit d'un maillage continu. Par la suite, les artisans ont développé un type spécial de broche-brindille, imitant une grappe de raisin et de groseilles en pierre. Ces bijoux se distinguaient par leur variété, leur invention et leur savoir-faire.
Dans les années 80 du XIXe siècle, les principaux centres d'artisanat de coupe se sont formés à Ekaterinbourg et dans ses environs: Berezovsky, Nizhne-Isetsk, Verkhne-Isetsk, Uktus, Polevskoy, Mramorskoïe. Le traitement des roches dures de pierres s'est développé non seulement à Ekaterinbourg, mais également dans les zones adjacentes - les usines Berezovsky, Shartashsky, Nizhne-Isetsky et Verkh-Isetsky. Dans l'usine Berezovsky, ils s'occupaient principalement de couper des perles, des boutons de manchette, de préparer des étincelles ou des inserts. Dans les usines Nizhne-Isetsky et Verkh-Isetsky, les artisans taillent principalement des pierres colorées.
Le XXe siècle est devenu une période d'épreuves sévères pour l'art de la taille de la pierre et de la joaillerie de l'Oural. Les coupeurs artisanaux se sont avérés complètement dépendants des clients. Les grands acheteurs ont conservé des ateliers et des magasins non seulement à Ekaterinbourg. Ils vendaient à des prix exorbitants les produits d'artisans achetés pour presque rien. À la recherche de revenus, les artisans étaient contraints de consacrer plus de 15 heures par jour au travail, sans se soucier de l'élégance des produits. La vitesse forcée, qui a conduit à la détérioration des produits, a entraîné une nouvelle baisse encore plus importante des prix. La pêcherie s'est développée, a grandi et ... s'est éteinte.
La Première Guerre mondiale et la Révolution d'Octobre qui l'a suivie remettent en cause l'existence même de la taille de pierre et de la joaillerie. Les maîtres établis partent au front, ceux d'entre eux qui reviennent après la guerre ne trouvent pas d'emploi dans leur ancienne spécialité. Ainsi, en 1918, la décision fut prise de fermer l'usine de découpe d'Ekaterinbourg et de vendre ses biens.
20s - le début du renouveau
1919 - ordonnance du Conseil supérieur de l'économie nationale sur la restauration de l'entreprise de taille, le retour des maîtres tailleurs et des bijoutiers à l'usine
En 1938, un atelier de découpe est fondé
En 1941 - un atelier de joaillerie et la production de bijoux ont été organisés
1938 - organisation d'un atelier de taille de pierres précieuses
1941 - réorganisation de l'atelier de minéralogie en bijouterie et taillerie.
1945 - ouverture de l'école d'art et d'artisanat n° 42, qui forme des bijoutiers
En 1959, à l'usine de bijoux et de coupe de Sverdlovsk, les tailleurs de l'Oural A.A. Chizhikov et E.A. Andreev ont fabriqué pour la première fois en Russie des diamants à partir de diamants. Les années 1960 ont été une période de grande innovation technique.
La renaissance a commencé en 1919. Dès que l'Oural a été libéré des Koltchakites, le conseil de montagne du Conseil suprême de l'économie nationale a émis un ordre de restauration de l'entreprise de coupe. Dans les années cinquante, les devoirs ont cessé à Sverdlovsk. Une nouvelle génération de travailleurs, plus jeune, est arrivée à l'usine, qui a reçu une bonne formation dans l'école d'art et de formation professionnelle, ouverte en 1948. Les premiers spécialistes, technologues, ingénieurs sont apparus. De nombreuses innovations techniques et technologiques sont introduites, le processus de dorure et la fusion des métaux précieux sont améliorés.
Dans la première moitié du XXe siècle. Une contribution significative à la sculpture sur pierre dans le genre animalier a été apportée par A.K. Denisov-Uralsky et N.D. Tataurov. Dès le milieu du XXe siècle le choix des produits se diversifie et dans le dernier tiers du siècle, la production de souvenirs et d'insignes se développe.
La direction la plus importante de l'art de la joaillerie est la joaillerie: boucles d'oreilles, croix, perles, bracelets; salaires pour les icônes de jaspe, rhodonite, émeraude, malachite et autres pierres.
L'art des maîtres joailliers de Kyiv a eu une énorme influence sur la formation de l'école de joaillerie de l'Oural. Le fait est que pendant la Grande Guerre patriotique, la bijouterie de Kyiv a été évacuée vers Sverdlovsk. Avec l'aide de ses spécialistes, en 1942, un atelier est organisé à l'usine de Sverdlovsk pour l'assemblage et la restauration de montres, de mouvements de montres, la fabrication de cadrans, ainsi que la fabrication de bijoux en or et en argent.
Après la guerre, l'usine tient fermement sur ses pieds, ce qui est grandement facilité par l'utilisation des nouvelles technologies. Déjà dans les œuvres des bijoutiers de l'Oural de cette période, on peut voir l'accent mis sur la beauté naturelle de la pierre, combinée à des images vives.
État actuel
Avec le début de l'ère du marché, les montagnes de l'Oural étaient à nouveau demandées - aujourd'hui, l'art de la taille de la pierre en Russie connaît une renaissance, le nombre d'excellents artisans qui peuvent parfois se tenir au même niveau que les grands artisans des siècles passés est en croissance, et le meilleur matériau disponible est, bien sûr, les pierres précieuses extraites de l'Oural, qu'ils sont aimés et connus dans toute la Russie, et dans l'étranger lointain et proche.
Des écoles modernes de bijoutiers travaillant avec des pierres précieuses, semi-précieuses et semi-précieuses, complétées par la granulation et le filigrane, se sont formées dans l'Oural au cours de la seconde moitié. 20ième siècle Ses représentants : V.Ya.Bakulin, V.F.Vetrov, B.A.Gladkov, V.U.Komarov, L.F.Ustyantsev, V.N.Ustyuzhanin, V.N. Khramtsov.
Grain - petits bijoux en or, platine ou argent sous forme de boules d'un diamètre de 0,4 mm, qui sont soudées en bijoux à un ornement en filigrane.
Filigrane, filigrane - type de technique de bijouterie: ajourée ou soudée
sur un fond métallique, un motif de fins fils d'or, d'argent ou de cuivre, lisses ou torsadés en cordes. Les produits en filigrane sont souvent complétés par de la granulation et de l'émail.
Un tel événement dans l'histoire russe que la découverte des diamants Yakut a également eu un impact énorme sur la formation de l'école de joaillerie de l'Oural: après tout, en 1959, ce sont les tailleurs de l'Oural A. A. Chizhikov et E. A. Andreev qui, les premiers en Russie, ont fabriqué des diamants à partir de diamants. . L'Oural n'a pas oublié sa richesse naturelle: dans le même 1961, une section de taille de pierre a été créée à l'usine (qui est devenue plus tard l'usine de bijoux de Sverdlovsk, puis l'entreprise des bijoutiers de l'Oural). Ici, ils fabriquaient des inserts de bijoux à partir de pierres ornementales : jaspe, rhodonite, agate, turquoise, malachite, cornaline, quartz fumé, obsidienne, lapis-lazuli, amazonite, onyx, belomorite, calcédoine...
Dans les années 60-70 du XXe siècle, l'école de joaillerie de l'Oural a finalement pris forme - originale et lumineuse. Il était déjà possible de parler avec confiance de sa particularité: dans la composition des bijoux, les bijoutiers de l'Oural privilégiaient invariablement non pas le métal, mais la pierre. Dans la seconde moitié du XIXème siècle. les artisans ont joué un rôle décisif dans leur production.
Les jeunes artisans étaient déterminés à créer des bijoux, à repousser les vieux, ennuyeux, obsolètes. Et le plus important - pour raviver la beauté de la gemme naturelle de l'Oural dans les produits.
Avec l'émergence de ce groupe, l'assortiment de produits de masse en or et en argent avec des pierres semi-précieuses et semi-précieuses est mis à jour, des produits avec des diamants sont développés et maîtrisés, les caractéristiques stylistiques de l'art de la joaillerie de l'Oural et sa direction sont en train de se former.
Dans les œuvres de ces dernières années, des réminiscences de décorations baroques et Art nouveau sont perceptibles. Les produits en or occupent une place importante dans la production en usine. Ils sont produits en grandes et petites séries. L'assortiment massif d'articles en or se compose principalement de bagues, boucles d'oreilles, pendentifs, boutons de manchette, conçus pour des occasions spéciales : bijoux de jour élégants, petits bijoux de soirée et ensembles formels.
Aujourd'hui, deux tendances se dégagent dans l'art de la taille de pierre. Certains artisans poursuivent leur recherche créative dans les formes traditionnelles de l'industrie de la taille de la pierre de l'Oural. D'autres développent les produits de leur auteur dans le style du design moderne. La glyptique (gravure sur pierre colorée) est largement utilisée, des mosaïques tridimensionnelles et des peintures en vrac sont créées. Dans leurs travaux, les artisans s'efforcent de révéler les qualités décoratives et la beauté naturelle de la pierre semi-précieuse de l'Oural avec la plus grande complétude.
Il existe maintenant de nombreuses entreprises et entreprises impliquées dans le traitement artistique de la pierre ("Pierres de l'Oural", "KaRo", "Silhouette"). La gamme de leurs produits est large et variée : souvenirs en pierre naturelle, horloges décoratives, instruments d'écriture, vases, boîtes, panneaux, tables d'échecs, backgammon, chandeliers, etc.
2005 - Les bijoutiers OAO de l'Oural ont reçu le prix principal du concours "Olympe national russe"
Aujourd'hui, l'art de la joaillerie et de la taille de pierre de l'Oural est un kaléidoscope de mœurs et de styles.
Directions artistiques - des classiques à l'avant-garde moderne. Les œuvres des artistes de l'Oural se distinguent par leur pureté de style et leur caractère national prononcé. Leurs œuvres attirent avec une simplicité classique et une clarté de forme.
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Date de création de la page : 2017-12-29
Les usines de l'Oural au 18ème siècle se sont développées à des milliers de kilomètres des lieux habités, parfois dans un fourré de forêt dense. Et déjà dans ce fait réside leur rôle énorme dans le développement de toute la culture artistique russe : avec les usines, l'art né par elles a également mûri ici.
La richesse et la diversité de la culture artistique russe sont vraiment illimitées. Formée dans le processus de formation et de développement de la conscience de soi du peuple russe, la formation de la nation russe, la culture artistique russe a été créée par le travail du peuple - des artisans folkloriques talentueux, des artistes exceptionnels qui ont exprimé les intérêts et les pensées de les larges masses populaires.
Diverses parties de la Russie ont versé leurs dons dans le puissant courant de l'art russe. Point n'est besoin d'énumérer ici tout ce que le peuple russe a apporté à son trésor artistique. Mais aussi incroyable que soit la richesse de la culture artistique de la Russie, elle ne peut être imaginée sans la contribution de l'Oural. La contribution de l'Oural à la culture artistique de la Russie était non seulement grande, mais aussi remarquablement originale. Une base solide, sur laquelle l'art décoratif et appliqué de l'Oural a prospéré, était l'industrie, ses principaux centres étaient les usines. L'importance de l'industrie dans le développement de la région et de sa culture était bien comprise par les contemporains eux-mêmes. Dans l'un des documents officiels, on lit : « Ekaterinbourg ne doit à la fois son existence et son état florissant qu'aux usines.
Tout cela était un phénomène qualitativement nouveau et unique dans l'histoire de l'art russe. Le développement de l'industrie de l'Oural a donné naissance à la classe ouvrière, son intelligentsia ouvrière, a éveillé la pensée créative et sociale. C'était une atmosphère favorable au développement de l'art.
Les usines de l'Oural au 18ème siècle se sont développées à des milliers de kilomètres des lieux habités, parfois dans un fourré de forêt dense. Et déjà dans ce fait réside leur rôle énorme dans le développement de toute la culture artistique russe : avec les usines, l'art né par elles a également mûri ici. Les coins d'ours sont devenus des centres de travail et d'activité créatrice du peuple russe, malgré la terrible oppression et l'anarchie sociale dans lesquelles il s'est déroulé. Tout cela nous fait maintenant imaginer d'une manière nouvelle l'image du développement de la culture artistique de la Russie, qui ne peut plus être limitée à l'Est par la frontière bleue de la Volga. L'Oural devient un avant-poste de la culture artistique russe, une étape importante dans son avancée vers les profondeurs de la Sibérie et de l'Asie, vers l'Est. Et c'est là que réside son importance historique considérable.
L'Oural est le berceau d'un certain nombre de types d'arts et d'artisanat russes. C'est ici que naît l'art de peindre et de vernir les produits métalliques, qui ont acquis une si grande popularité dans le pays. L'invention du vernis transparent chez N. Tagil a eu une grande importance. Il a donné une force extraordinaire aux produits peints et a encore contribué à leur renommée. Sous l'influence incontestable des produits en métal laqué de l'Oural, en les combinant avec les traditions de la peinture locale, la production de plateaux peints à Zhestovo est née et s'est développée, au début du XIXe siècle. Les coffres peints de Makariev (aujourd'hui la région de Gorky) ont également subi l'influence des produits peints de l'Oural.
A juste titre, on peut considérer l'Oural comme le berceau de la transformation industrielle russe du marbre, subordonnée aux besoins de l'architecture domestique, de la création d'œuvres monumentales et décoratives. Ce sont ces caractéristiques dès les premières étapes qui ont déterminé les caractéristiques de la production de marbre de l'Oural, contrairement à d'autres régions de l'art de la taille de la pierre en Russie. L'académicien A.E. Fersman a souligné, par exemple, que dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, le marbre était le moins poli à l'usine lapidaire de Peterhof. La préparation de vases, de cheminées et de détails architecturaux en marbre n'a pas non plus été largement répandue dans la région d'Olonetsky; dans l'Altaï, ils ont principalement traité du jaspe et du porphyre. Il est important de noter que les maîtres de l'Oural ont été les premiers à tenter d'utiliser le marbre de l'Oural pour créer des sculptures de chevalet, en particulier un portrait.
Les artistes de la pierre de l'Oural ont été les créateurs de la mosaïque "russe", qui a enrichi l'art de la mosaïque antique. La méthode bien connue en Italie de coller des produits avec des carreaux de pierre a été appliquée à des travaux de petite taille. L'invention de la «mosaïque russe» a rendu plus économique la production d'œuvres décoratives monumentales à partir de malachite, de lapis-lazuli et de certaines espèces de jaspes pittoresques et colorés, et a ouvert la voie à leur développement encore plus large. Il a d'abord été utilisé par l'Oural en architecture, comme nous l'avons vu dans l'exemple des colonnes bordées de jaspe Kushkulda hétéroclite rouge-vert.
L'Oural industriel s'est élevé à une nouvelle hauteur et un certain nombre d'industries d'art qui existaient auparavant dans d'autres régions de Russie y ont insufflé une nouvelle vitalité. Il a développé et amélioré les anciennes traditions de l'art russe. C'était donc avec des armes artistiques russes. Chez Ancient Rus', on connaît ses magnifiques échantillons, parfaitement forgés et savamment « bourrés » d'un motif en or.
La gravure de Zlatoust sur acier, la dorure précieuse des lames, réalisée par les maîtres de l'Oural, ont perpétué les merveilleuses traditions du passé. Mais ce n'était pas une répétition mécanique d'entre eux, mais le développement de l'essence même de cet art, exprimant dans de nouvelles conditions historiques l'ancien amour du peuple pour les armes à motifs, glorifiant le courage et l'endurance du guerrier russe, son amour pour le Mère patrie.
L'habileté des forgerons russes, des chasseurs, des fondeurs, qui ont créé de magnifiques œuvres décoratives, était largement connue. Le chercheur bien connu du métal artistique russe N. R. Levinson écrit à propos de l'art décoratif russe ancien: «Divers métaux, ferreux et non ferreux, ont longtemps été utilisés non seulement à des fins utilitaires, mais aussi pour la créativité artistique. Forgeage à froid et à chaud, cisaillage, moulage - tous ces types de traitement et de finition de surface des métaux ou de leurs alliages ont créé diverses opportunités pour la perfection artistique et technique des objets.
L'art russe ancien du traitement artistique des métaux dans les conditions d'une métallurgie de l'Oural développée et techniquement améliorée atteint un niveau qualitativement nouveau de son développement. Ustensiles en cuivre décorés d'ornements, origine et développement du bronze de l'Oural, fonte de fer monumentale et décorative et de chambre, gravure sur acier - tout cela est une continuation des traditions nationales russes. L'art de la taille et de la taille de la pierre de l'Oural a également poursuivi l'envie de pierre colorée inhérente au peuple russe depuis l'Antiquité. Passant par un chemin de développement épineux, chaque type d'art de l'Oural a enrichi le garde-manger artistique de la Russie.
La fonte d'art de l'Oural a fusionné organiquement avec l'architecture russe lorsqu'elle a été imprégnée d'idées patriotiques élevées. Il, exprimant les idées d'architectes exceptionnels, a souligné la beauté des bâtiments, lui donnant une majesté solennelle. Les ponts, les grilles, jetés par l'Oural, sont entrés avec confiance dans les ensembles architecturaux, dans la vie quotidienne bruyante des villes. La fonte de fer de l'Oural était associée au problème de la citoyenneté, qui sous-tendait l'architecture russe du XVIIIe siècle - la première moitié du XIXe siècle.
Le traitement artistique de la pierre dans l'Oural a enrichi l'art russe de magnifiques travaux de taille de pierre, principalement de forme classique et créés à partir de matériaux domestiques par les mains d'artisans folkloriques. Des maîtres au flair artistique profond ont réussi à pénétrer dans l'essence de l'idée d'un produit particulier. La richesse de leur imagination, tant dans le choix d'un motif naturel, que dans la création de son nouveau motif à partir de malachite ou de lapis lazuli, est véritablement inépuisable. Les œuvres de l'art de la taille de la pierre de l'Oural étaient liées à la vie. Ils ne peuvent pas être considérés comme quelque chose de complètement coupé de la réalité. Avec toutes les spécificités des formes artistiques, ils reflétaient la beauté de la terre russe, la verdure de ses forêts et de ses champs, l'étendue bleue des lacs, la profondeur du ciel, les couleurs vives des heures du coucher du soleil.
Tout cela a donné aux produits des maîtres de l'Oural un caractère national, qui est l'un des traits distinctifs du développement du traitement artistique de la pierre dans l'Oural. Ces produits contiennent les sentiments d'une personne, ses expériences et ses impressions, qui donnent aux produits une immédiateté, une chaleur humaine. Les œuvres d'art de taille de pierre de l'Oural expriment un contenu optimiste et vivifiant.
De puissants vases en pierre, des lampadaires et des lustres montrent non seulement un savoir-faire techniquement parfait et un reflet particulier de la puissante nature russe, mais aussi un sentiment de fierté du peuple-artiste, appréciant hautement les richesses inépuisables de leur patrie. C'est le sens patriotique de l'art de tailler la pierre. Les objets artistiques en pierre colorée de l'Oural sont devenus de véritables objets classiques russes qui correspondent à la nature du développement de l'art russe.
L'art de l'Oural industriel est une branche de la culture artistique russe. Mais il s'est également développé en contact étroit avec l'art d'Europe occidentale. La force de l'Oural, sa culture n'était pas isolée, mais en connexion avec l'ensemble de la culture mondiale. De nombreux maîtres étrangers de divers degrés de connaissances et de talent créatif ont travaillé dans l'Oural.
Les Italiens, les frères Tortori, qui avaient une bonne connaissance de la technologie de traitement du marbre, les Allemands Shafa, qui maîtrisaient la technique de la gravure sur acier et de la dorure, et d'autres, ont apporté certains avantages. Mais aucun maître visiteur ne pourrait rien donner si les graines de son savoir n'étaient pas tombées sur un terrain fertile. Ce sol était l'Oural industriel.
Ici, dans un certain nombre de régions, même avant l'arrivée des maîtres étrangers, il y avait leurs propres traditions artistiques. Comme, par exemple, à Zlatoust, où de nombreux artistes talentueux ont travaillé à la fin du XVIIIe - début du XIXe siècle, dont le travail a contribué au développement réussi de la gravure de Zlatoust, à la croissance de la culture artistique locale. C'est pourquoi V. Bokov a tout à fait tort lorsqu'il affirme que ce sont les Allemands qui «ont apporté la culture à Zlatoust il y a cent ans dans un endroit reculé et reculé». Ils ont apporté la connaissance de la technologie de production d'armes, et non la culture au sens large du terme. On ne peut pas nier sans fondement l'étude de la culture étrangère par l'Oural, son expérience et ses réalisations, comme cela a été fait dans le passé, mais ce serait une grossière erreur de sous-estimer les forces créatrices du peuple.
La signification patriotique de l'art des maîtres de l'Oural s'est manifestée dans le fait qu'ils ont créé de telles œuvres de pierre, de fonte, d'acier, etc., qui semblaient auparavant inaccessibles à la Russie. Et grâce à l'habileté de l'Oural, ainsi qu'à l'art des artisans de Saint-Pétersbourg, Toula, Altaï, Peterhof, usines Olonets et autres, de tels exemples d'art industriel ont été créés qui ont placé la Russie dans l'une des premières places en L'Europe .
Même les contemporains ont compris la signification patriotique de l'art de l'Oural. Ils ont saisi avec sensibilité le sens le plus profond du développement de la culture artistique dans le lointain Oural, l'évaluant à juste titre comme une manifestation des puissantes forces créatrices de la Russie. Le critique de la première exposition de produits manufacturés russes en 1829, considérant les produits en métal peint de l'Oural, arrive directement à la conclusion: "Selon cet article, nous pouvons nous passer complètement des étrangers."
Avec un sentiment de profonde fierté patriotique, le magazine Otechestvennye Zapiski a relevé les hautes qualités des armes artistiques de Zlatoust : « Forgeage des lames, polissage, dessin, herbe, dorure, et en général toute la décoration des armes de cette production par leurs propres armuriers russes seuls et n'est pas inférieur en perfection aux meilleures œuvres de Versailles de ce genre ».
Le célèbre peintre paysagiste russe Andrey Martynov, après avoir visité l'Oural et s'être familiarisé avec le traitement artistique de la pierre, admirant l'habileté et le talent des artistes du peuple, a écrit sur les produits de l'Oural, "qui à bien des égards ne sont pas inférieurs à l'ancien des antiquités, tout cela est fait par des paysans russes." L'artiste a également beaucoup apprécié les plateaux peints de Tagil, sur lesquels, comme il l'a noté, "même la peinture magistrale était visible".
Comme s'il résumait l'opinion des représentants les plus avancés de la société russe, "Mining Journal" écrivait en 1826 sur l'Oural: son amélioration."
Mais les œuvres des maîtres de l'Oural ont acquis une renommée non seulement dans leur propre pays, suscitant des critiques élogieuses de la part des contemporains. Partis à l'étranger, ils n'y ont pas non plus perdu leur beauté et leur force impressionnante. Dans toutes les expositions internationales, les produits de taille de pierre, les pièces moulées en fer, les armes artistiques de l'Oural étaient invariablement récompensées, acquérant une reconnaissance et une importance mondiales. Par exemple, les travaux des tailleurs de pierre de l'Oural à l'Exposition universelle de 1851 à Londres méritaient des éloges: «Les chapiteaux et les vases étonnants qui y sont produits (usine lapidaire d'Ekaterinbourg. - B.P.) à partir des matériaux les plus lourds, on peut dire, surpassent toutes les œuvres similaires de l'art ancien...". 12
Les œuvres d'art de la lointaine Oural étaient exceptionnellement largement distribuées dans le monde : on les trouvait non seulement en Europe, mais même dans la lointaine Australie.13 Elles ont popularisé la diversité de l'art russe, le travail d'artistes talentueux du peuple.
L'art de l'Oural industriel marque l'une des réalisations importantes de la culture artistique russe. Il reflétait l'initiative créatrice, l'esprit curieux de l'ouvrier, l'habileté éternelle. Sans lui, on ne peut imaginer toute la véritable portée de l'artisanat russe.
L'histoire de l'émergence des bijoux remonte à des milliers d'années. Le désir de l'homme de se parer s'est manifesté à l'aube de la naissance de l'évolution. A l'âge de pierre, nos lointains ancêtres créaient des bijoux à partir de galets colorés, de cristal de roche transparent et de coquillages. Le célèbre minéralogiste indien Rao Bahadur affirme que, à en juger par les découvertes archéologiques en Inde et en Birmanie, les hommes et les femmes portaient non seulement divers bijoux en pierre, mais décoraient également leurs maisons, leurs armes et leurs articles ménagers il y a 7,5 à 10 000 ans. C'étaient des pierres locales - calcédoine, agate, jade. L'utilisation des émeraudes a commencé 2000 avant JC, des saphirs et des rubis des placers à Ceylan - 600 avant JC. Les diamants sont apparus dans la même Inde - pendant 1000 à 500 ans avant JC. Les découvertes de produits en lapis-lazuli, grenats, améthyste, amazonite sur le territoire de l'Égypte moderne remontent au néolithique. Il est maintenant établi que les émeraudes ont été extraites dans les montagnes de la mer Rouge près de 2000 ans avant JC. e.
Avant la découverte des métaux par l'homme, les pierres précieuses étaient enfermées par d'anciens artisans dans le bois ou n'étaient pas du tout encadrées. Parmi les produits de l'Égypte ancienne conservés au musée du Caire, les bracelets de la tombe du pharaon Djoser (début du IIIe millénaire av. J.-C.) étonnent par leur perfection. Les cultures antiques sont associées aux cultures de l'Égypte ancienne et de l'Orient. Au fil des siècles, les joailliers ont perfectionné leur art, découvrant de nouvelles façons de traiter la matière.
À l'apogée de la culture des bijoux dans la Rome antique, non seulement l'esthétique, mais aussi la valeur matérielle des bijoux précieux ont été réalisées. Au cours des siècles suivants, plus d'un courtisan a cherché à s'enrichir et des dizaines, des centaines d'artisans ont créé des chefs-d'œuvre de l'artisanat de la joaillerie.
L'art de la joaillerie a connu des hauts et des bas, des ascensions et des chutes, tandis qu'une partie s'est perdue, quelque chose a renaît. Il convient de noter que l'art de la joaillerie de la Russie a absorbé non seulement les tendances des époques anciennes, mais également l'originalité des cultures de l'Occident et de l'Orient, qui influencent traditionnellement notre culture dans son ensemble.
Les pierres précieuses extraites dans les mines ont coulé dans les garde-manger de l'usine de taille d'Ekaterinbourg, qui déjà en 1774 est devenue une puissante entreprise de traitement des pierres précieuses pour l'époque. Ici, à l'usine, l'art des tailleurs prend forme, se développe progressivement, dont les testaments ont été conservés dans la mémoire des siècles comme le folklore, comme les contes et légendes qui alimentent le travail des bijoutiers modernes de l'Oural.
Très répandue en Rus' aux XVIe-XVIIe siècles, la transformation d'une pierre précieuse en cabochon était connue depuis longtemps des habitants de l'Oural. Les principes de la coupe européenne n'ont commencé à pénétrer ici qu'au XVIIIe siècle. Leur distribution est associée aux noms du lieutenant Ref, envoyé dans l'Oural par Pierre Ier en 1725, ainsi qu'aux maîtres italiens I. Batista et V. Tortori, ouvriers de l'usine de Peterhof F. Tupylev, I. Nazarov, S. Kuzmin, qui venait de Ya. Dannenberg.
Cabochon - une pierre ronde ou ovale polie sur le dessus.
Malheureusement, les premiers coupeurs de l'Oural n'apparaissent pas dans les documents, mais les noms des Solonins, Morozov, Paderin, Kovalev, Zhdanovskys, Semyonovs, Petrovskys se retrouvent souvent dans les listes de noms du 19e siècle et dans les fiches de paie des coupeurs. Qui sait, ce sont peut-être les petits-enfants et arrière-petits-enfants de ceux qui ont rejoint le bord complexe pour la première fois.
Les artisans de l'usine ont rapidement maîtrisé les secrets et les subtilités de la taille des pierres précieuses en "astérisque", "rose", en ruban et facette de diamant. Cependant, le métier serait probablement resté un métier, si ce n'était pour la "vie dans les affaires", qui a fait sortir l'Oural du nombre d'apprentis, leur faisant connaître non seulement en Russie, mais aussi parmi les bijoutiers de L'Europe .
Il n'y a pas deux gemmes identiques à moins qu'elles ne proviennent du même cristal. Cela signifie qu'il ne peut pas y avoir la même coupe. Le lapidaire réfléchit à chaque galet, cherchant la facette correspondante, un dessin expressif. Parfois un cristal tombait dans une colonne étroite. Pourquoi le couper et le couper avec un « brillant » ? La nature elle-même suggère - donnez un bord ouvert. Une pierre de couleur dense (saphir, alexandrite, émeraude, grenat) nécessite également une face polaire ouverte. Ensuite, il deviendra plus léger, plus beau.
La facette grecque brillante, ou "rose", était utilisée pour tailler des topazes transparentes et claires, des aigues-marines, des améthystes. Sur une grosse pierre, les coins étaient disposés en trois ou quatre niveaux. Pour rehausser la brillance, des artisans expérimentés ont fait plus de fractures sur les faces intermédiaires, et le nombre d'avions a parfois atteint 70-80. Les plans étaient disposés avec une précision mathématique, les bords étaient nets, distincts. Pour ces qualités, le côté d'Ekaterinbourg était particulièrement apprécié, ils l'appelaient "coupé".
De nombreux dessins à facettes étaient connus des tailleurs de l'Oural. Les procès-verbaux des contremaîtres de l'usine mentionnent "poirier", "ellipte", rond, ovale "capuche", à quatre pans, face octogonale.
Dans les années 20-30 du 19ème siècle, la taille d'étincelles de cristal de roche et de phénakite était largement utilisée. Les maîtres de l'usine Berezovsky étaient particulièrement célèbres. Ils ont fait une grande, moyenne et petite étincelle. Les grands et moyens sont allés aux têtes pour les croix, les petits - aux éboulis d'anneaux, de diadèmes.
Couper un bon minéral n'est bien sûr pas une tâche facile, mais pas aussi pénible que de couper un minéral avec un défaut. C'est alors que l'Oural a montré son art.
Sous la main du tailleur, comme par magie, toutes sortes de défauts de la pierre ont disparu. Les artisans connaissaient un secret simple: un petit bord ne cachera pas une seule fissure, et un poli le cachera. Ils mettent une fissure sous la toile avec un support, la polissent - et rien n'est visible. De l'améthyste pâle a été jetée dans un verre d'eau. La peinture de tout le cristal coulait dans un buisson. Ce buisson était placé au pied de la pierre. La lumière, réfractée dans les facettes, atteint le point de couleur et le répand sur toute la pierre. Afin d'atteindre la pureté du polisseur, les meules de coupe ont été changées au cours du travail, elles ont été autorisées à tourner dans le sens opposé. Si vous n'avez pas pris de tripoli moulu, ils ont utilisé du "frit" ou du crocus.
Les pierres à facettes, à quelques exceptions près, ont été envoyées avec des convois à Saint-Pétersbourg. Les meilleurs échantillons "en raison de leur rareté, de leur excellente pureté, de leur couleur volontairement bonne" tombent immédiatement entre les mains des joailliers de la capitale, tels Pozier, Gravereaux, Louis-David, Duval, qui monopolisent presque la création de bijoux en Russie.
Les coupeurs d'usine ne recevaient qu'occasionnellement des commandes. De la noblesse locale, des fonctionnaires en visite et de l'armée. Ils fabriquaient principalement des boutons de caftan en jaspe et en feldspath, des manches de couteaux étaient également en jaspe, des tabatières en malachite, diverses boucles et inserts pour chaînes de montres.
Par ailleurs, des autodidactes s'essayent à l'art complexe des gemmes taillées3. La nouvelle à ce sujet a intéressé le président de l'Académie des arts, le comte A. S. Stroganov. Intéressé, bien sûr, désintéressé. Le fait est qu'au début du XIXe siècle, avec l'établissement du haut classicisme, les camées taillés dans des pierres précieuses et semi-précieuses sont devenus extrêmement populaires parmi la noblesse. Des camées ont été insérés dans des broches, des médaillons, des bagues, inondés de diamants, d'émeraudes. Les artisans de Peterhof n'ont pas eu le temps de faire face aux commandes.
Et au printemps 1802, une lettre4 arriva à l'usine d'Ekaterinbourg proposant à Pavel Ponomarev, Firs Nalimov, Mikhail Ptukhin, Andrey Matveev et Vasily Pykin de se rendre d'urgence à Peterhof pour apprendre la sculpture antique. Cependant, les artisans de l'Oural ont refusé d'y aller, car "ils ont des femmes, des familles et des parents âgés à entretenir".
Stroganov ne recula pas devant son entreprise. Fin avril 1802, il envoie Ivan Shteienfeld à Ekaterinbourg pour former des artisans. "Pour que cet art continue avec un grand succès", écrit-il, "Ivan Shteienfeld enseignera, qui sera payé 50 roubles par an."
À son arrivée à l'usine, I. Shteienfeld s'est mis au travail. Les premiers élèves de "l'école des antiquités", qui dura apparemment jusqu'en 1847, furent les ouvriers déjà mentionnés. Plus tard, ils ont été rejoints par S. Odintsov, A. Pivovarov, A. Panov, D. Petrovsky, les frères Nikolai et Andrei Kalugins. En commençant par copier des dessins et des échantillons, après avoir été formés "sur des billes", les maîtres de l'Oural ont atteint une véritable virtuosité. "En termes de petitesse des figures, de clarté, d'exactitude et de pureté", écrit le géomètre Grammatchikov dans le "Mining Journal" pour 1827, "on peut dire que ce travail est la deuxième partie de l'art, amené au niveau souhaité perfection à l'usine locale.
Les camées représentaient des héros grecs et romains, des divinités, des poètes et des philosophes anciens, des empereurs et des impératrices russes. Pour la coupe, le jaspe ruban,] l'agate, le sardonyx avec des couches même droites ont été choisis. Les figures ont été coupées sur des couches claires et les plus sombres ont été laissées sous le fond. Une compréhension subtile des possibilités plastiques et décoratives de la pierre est la plus précieuse dans les œuvres de l'Oural. Ils ont particulièrement aimé le jaspe, soulignant sa dureté, son entêtement, révélant le principe volontaire de l'image («Tête d'un homme imberbe»), utilisant les éléments de sa couleur pour créer une image inhabituelle et romantique («Poséidon»).
Dans les années trente du XIXe siècle, des dizaines de camées ont été découpés à l'usine. Il y avait assez de travail pour les maîtres et les étudiants.
Mais à mesure que le grand classicisme se décomposait, la mode des camées passa, leur production réduite. Les dernières mentions de camées se trouvent dans les inventaires de "Goth-made à l'usine de choses d'Ekaterinbourg" de 1852, où il est rapporté que le camée "Samson" est répertorié à la paroisse principale de l'usine, et le camée "Dionisevsky Ox » a été envoyé à Saint-Pétersbourg.
Pour courte qu'ait été l'existence de "l'école des antiquités", elle a laissé une trace dans l'art de la taille de la pierre (la décoration finale des bols en pierre est devenue plus parfaite, plus fine, les ornements se sont compliqués, toutes sortes de superpositions taillées dans la pierre de couleur sous forme de grappes de baies, de fruits, etc. e), et dans le domaine du traitement artistique des métaux (diplômés de l'école N. Platonov, F. Ponomarev gravés sur cuivre, médailles fabriquées). Son influence se retrouve également dans cette manifestation singulière de la glyptique4 de l'Oural, qui prend forme dans la seconde moitié du XIXe siècle. Plus précisément - après la réforme i86i.
Ayant reçu la "liberté", les coupeurs ont commencé à travailler à la maison. Il n'y avait pas d'habitude particulière à la terre, et le travail de la pierre restait le premier et le plus important. Ils ont acheté un outil simple, mis des meules dans les huttes. Dans les années 1980, les principaux centres d'artisanat de coupe se sont formés à Ekaterinbourg et dans ses environs: Berezovsky, Nizhne-Isetsk, Verkhne-Isetsk, Uktus, Polevskoy, Mramorsky.
Les artisans, qui avaient réussi la formation en usine, gardaient strictement les secrets de l'artisanat, ne travaillaient pas avec des étrangers, afin que les concurrents n'apparaissent pas. Néanmoins, de plus en plus de nouvelles générations se sont adaptées au traitement de la pierre. D'une part en transmettant l'expérience de père en fils, d'autre part en dénichant des secrets.
En se développant, l'industrie de la taille a créé de nombreuses branches, des industries de fabrication d'objets en pierre ornementale. Les principaux étaient la malachite, le jaspe et la sélénite. Et combien de spécialisations étroites étaient dans l'industrie! Dans une maison, la famille fabriquait des porte-clés, dans une autre - des œufs de Pâques, dans la troisième - des cendriers, dans la quatrième - des boîtes d'allumettes en forme de chaussure - vraiment, on ne peut pas tout compter. Et ce qui est le plus intéressant - les artisans ont commencé à utiliser des pierres ornementales pour les bijoux.
Les fabricants de malachite Ivanov, Turunev, Alekseev, Kvasnikov fabriquaient des bracelets et des colliers en malachite à partir de peluche de Gumeshev et de malachite de minerai de cuivre léger, ainsi que des presse-papiers, des planches à encre, des chandeliers et des cercueils. Jusqu'à cent morceaux de boules, sculptés à la main, soigneusement sélectionnés en taille et en couleur, étaient contenus dans un fil. Parfois toutes les perles étaient identiques, parfois leur taille augmentait progressivement, et la plus grosse était placée au centre.
Les mêmes perles étaient en cristal, en améthyste, moins souvent en topaze. Une belle sélénite rosâtre et soyeuse est également allée sur des colliers, mais, n'ayant pas une dureté suffisante, s'est rapidement fanée, a perdu son aspect d'origine. Par conséquent, les perles de sélénite étaient fabriquées pour la saison et étaient peu coûteuses.
Les fabricants de jaspe Semyonov, Kalugin, Plokhov, Khomyakov ont largement utilisé la cire et les jaspes Kalkan dans les broches, les bracelets, les boucles d'oreilles et les boutons de manchette.
Une industrie particulière était la coupe des soi-disant «superpositions» pour presse-papiers: princesses de schorl framboise, raisins de cristal fumé et d'améthyste, pommes et poires de sélénite, cerises de cornaline. Par la suite, les maîtres des superpositions ont développé un type spécial de broche-brindille, imitant une grappe de raisin, des groseilles, etc. en pierre.
Au début, les choses se distinguaient par la variété, l'invention, la virtuosité, qui montraient la vie et la beauté de la pierre. Que s'est-il passé alors, pourquoi l'art est-il soudainement devenu un métier commun?
Le fait est que l'industrie de la coupe de l'Oural n'a pas été formée comme un centre d'art populaire, comme, par exemple, Palekh, Mstera ou Khokhloma, pour lesquels les traditions artistiques étaient quelque chose de tenu pour acquis. L'engin était, ou plutôt semblait être, accessible à tous ceux qui avaient des mains. Ils se sont attachés à l'enseignement non pas à volonté, mais par nécessité, pour se nourrir. La nouvelle génération de coupeurs vivait selon les lois du marché, selon les lois de la vente et de l'achat, qui dictaient leurs conditions.
Au début du XXe siècle, presque tous les tailleurs d'artisanat se sont retrouvés complètement dépendants des "donneurs" d'ordres. Les grands acheteurs tenaient des ateliers, des magasins non seulement à Ekaterinbourg. Ils avaient accès aux foires d'Irbit et de Novgorod, où ils vendaient des objets artisanaux achetés pour une bouchée de pain à des prix exorbitants.
À la recherche de revenus, les artisans étaient contraints de consacrer plus de 15 heures par jour au travail, sans se soucier de l'élégance des produits. C'était un cercle vicieux, vicieux. La vitesse forcée, qui a conduit à la détérioration des produits, a entraîné une nouvelle baisse encore plus importante des prix.
Mais les tailleurs de pierres précieuses ont peut-être le plus souffert. Les acheteurs ont émis et accepté des pierres au poids. Que restait-il au maître ? Bien sûr, pour prendre soin du poids de la pierre, et non de la pureté et de la précision du bord.
Oui, le métier a vécu durement, nerveusement, voire cruellement. Le vrai maître en était le rouble, pas l'art, l'acheteur, pas le maître. Certes, de temps en temps, diverses idées et projets ont été avancés pour le sauver. Afin d'élever le niveau artistique des produits, en 1896, dans une véritable école d'Ekaterinbourg, des cours ont été organisés avec "un dessin pratique pour les artisans volontaires". En 1902, l'Ecole Artistique et Industrielle est ouverte avec un atelier de taille et de joaillerie, qui existera jusqu'en 1917. Cependant, peu de ses diplômés sont restés dans l'Oural. Ils ont essayé de s'installer dans les capitales.
La pêcherie s'est développée, a grandi et ... s'est éteinte.
La renaissance a commencé en 1919. Dès que l'Oural a été libéré des Koltchakites, le conseil de montagne du Conseil suprême de l'économie nationale a émis un ordre de restauration de l'entreprise de coupe.
C'était difficile au début. La guerre civile a dispersé les maîtres dans différents endroits. Qui a servi dans l'armée, qui sur les chemins de fer, qui s'est adapté pour réparer la couture et les machines à écrire. Ils ont cherché, persuadés de reprendre l'ancienne affaire.
Peu à peu, les coupeurs ont repris le travail. Certains sont toujours à la maison, certains ont déménagé dans l'ancienne usine d'Ekaterinbourg, qui a été transformée au cours de ces années en atelier d'État, et certains sont allés dans des artels.
Parmi les "entreprises" artisanales, il y avait un atelier minéralogique discret au musée de la Société de l'Oural des amoureux des sciences naturelles. Ses produits étaient des collections de pierres colorées et de roches de l'Oural. Les "diapositives" de table fabriquées par des artisans qualifiés D.K. Kubin, A.V. Oberyukhtin, N.V. Frolov étaient particulièrement célèbres.
Toutes les personnes sérieuses se sont glissées : minéralogistes, géologues, mineurs, coupeurs expérimentés. Et le travail dans l'atelier gagnait imperceptiblement, d'année en année, de l'ampleur, de la solidité de l'entreprise d'Etat. Déjà en 1938, parallèlement à la production de la collection, un atelier de taille de pierres précieuses a commencé à fonctionner ici, qui a pris le contrôle des travailleurs à domicile Pyshma, Berezovsky, Polevskoy. Un an plus tard, la production de bijoux est lancée.
Les anciens ouvriers, vétérans de l'usine de bijoux actuelle, qui ont commencé leur carrière dans cet atelier, se souviennent souvent de Vladimir Gavrilovitch Roshchin (1888-1960), un excellent artisan avec une riche expérience professionnelle acquise à Saint-Pétersbourg dans les ateliers de la firme Fabergé. Sous sa tutelle, les bases de la joaillerie ont été appréhendées : fusion du métal, fabrication d'ébauches, pose, meulage. Au début, ils étaient engagés dans la restauration de produits, puis ils maîtrisaient la production de médaillons, bagues, broches avec éboulis de cristal, alliances. Les styles de bijoux ont été tirés d'anciens catalogues que V. Roshchin recherchait. Sous lui, de nombreux styles ont été maîtrisés, et avec eux tous les principaux types de points d'arrêt.
L'entreprise en pleine croissance, qui employait déjà plus de deux cents personnes, nécessitait des formes modernes de gestion, de planification, d'approvisionnement en matières premières, de commercialisation des produits et de formation du personnel. En août 1941, l'atelier de minéralogie est réorganisé en usine de joaillerie et de taille.
Guerre... Des échelons avec des évacués ont été attirés vers l'Oural dans une ligne sans fin. Je devais rencontrer, placer, arranger. Dans la tourmente de journées difficiles remplies à la limite d'inquiétudes, les travailleurs de l'usine de bijoux de Kyiv se sont présentés à l'improviste. Et ils ne sont pas venus les mains vides. Ils ont apporté une partie de l'équipement, des produits semi-finis.
Accomplit principalement les commandes du front. Boutons, insignes militaires, étuis à cigarettes, chronomètres, montres. Une mention spéciale ne peut être faite que de la restauration d'ustensiles et de bijoux en argent, qui provenaient en grande quantité du Fonds d'État de l'URSS.
L'usine s'est entassée dans une maison exiguë d'un étage. La tâche urgente de créer des conditions de travail minimales et de mécaniser la production a commencé à être abordée après la guerre.
En 1949-1950, le deuxième étage du bâtiment principal a été construit, une extension a été construite pour un atelier d'usinage et un bureau, et des machines de découpe semi-automatiques ont commencé à être introduites. Dans les années cinquante, les devoirs ont cessé à Sverdlovsk. Une nouvelle génération de travailleurs, plus jeune, est arrivée à l'usine, qui a reçu une bonne formation dans l'école d'art et de formation professionnelle, ouverte en 1948. Les premiers spécialistes, technologues, ingénieurs sont apparus. De nombreuses innovations techniques et technologiques sont introduites, le processus de dorure et la fusion des métaux précieux sont améliorés.
Le rééquipement technique radical de la production a permis de résoudre des problèmes complexes urgents. En 1958, l'usine a reçu le premier lot de diamants Yakut. Cristaux irréguliers, bords irréguliers. Dureté extraordinaire et fragilité la plus ordinaire. Maîtres expérimentés et retraités.
Les meilleurs tailleurs de diamants d'Anvers et de Paris ont révélé aux habitants de l'Oural les secrets de la transformation d'un diamant sans prétention en un diamant étincelant. Nos artisans ont rapidement maîtrisé la coupe, le tournage, le polissage de la pierre et un nouveau métier est apparu dans l'Oural - un tailleur de diamants. Les journaux de ces années ont rapporté les premiers succès de J. Shar, N. Savinov, A. Khananov, N. Sonin. Typiquement, 57 facettes sont appliquées sur un diamant. Ils ont également battu une sorte de record, ayant reçu des diamants de facettes 97 et N3. Alexander Portnyagin a taillé un diamant en 121 facettes et a été le premier dans notre pays à fabriquer le plus petit diamant pesant 0,02, puis en o,oi carats. Avant lui, de telles pierres étaient gaspillées.
À la fin des années cinquante, un autre événement tombe - le développement du filigrane. Tout a commencé avec des boucles d'oreilles qui ont été envoyées de Moscou avec une demande de répétition. Les boucles d'oreilles sont grandes, dans un cadre en filigrane complexe. L'échantillon a été fabriqué à Krasnoye Selo, mais les célèbres fabricants de filigranes ont refusé la production en série. La technologie était très difficile. Et nous pouvions refuser, mais ils n'ont pas refusé.
Et pourtant, en évaluant la période des années quarante - cinquante du point de vue d'aujourd'hui, on peut dire que les bijoux ont été créés principalement selon des modèles anciens. Broches, bracelets, bagues n'avaient rien de nouveau dans la forme. L'indifférence aux possibilités artistiques du matériau a conduit à l'imitation, à l'imitation. Presque oubliée de la pierre naturelle. Dans le cours était en verre estampé, corindon synthétique.
Des phénomènes similaires ont été observés presque partout, de sorte que l'usine de bijoux et de coupe de Sverdlovsk n'a pas fait exception en ce sens. Les nouvelles tendances ne sont devenues perceptibles qu'après 1955, lorsque le Comité central du PCUS et le Conseil des ministres de l'URSS ont adopté une résolution "Sur l'élimination des excès dans la conception et la construction". Il assigne aux artistes une tâche : trouver des formes modernes de bâtiments résidentiels et publics, utiliser des matériaux modernes, les avancées technologiques, s'affranchir de l'éclectisme et de l'imitation des styles des siècles précédents.
Pas étonnant qu'on dise que l'architecture définit le visage d'une époque. Se changeant, il implique de nombreux types de beaux-arts dans la perestroïka, mais surtout - les arts et l'artisanat.
Au début des années soixante, les critères esthétiques dans tous les genres d'artisanat d'art ont fondamentalement changé. Le temps est venu pour sa signification artistique indépendante, la reconnaissance du pouvoir de son influence sur une personne, sur l'organisation de l'environnement objectif. Dans les expositions zonales, républicaines, de toute l'Union, des sections entières sont consacrées aux arts et à l'artisanat. Il y a aussi des expositions spéciales qui attirent un grand nombre de spectateurs. Ainsi, en 1961, l'exposition "Art for Life" s'est tenue à Moscou, où une grande variété de produits ont été présentés, dont beaucoup ont été recommandés pour la production.
L'usine de bijoux et de coupe de Sverdlovsk était également impliquée dans l'orbite de la vie artistique. Les premiers artistes professionnels (N.A. Statsenkova, B.A. Gladkov) ont commencé à travailler ici et un solide groupe créatif de créateurs de mode a été formé. Les jeunes artisans étaient déterminés à créer des bijoux, à repousser les vieux, ennuyeux, obsolètes. Et le plus important - pour raviver la beauté de la gemme naturelle de l'Oural dans les produits.
Les principales recherches et expériences sur le développement de nouveaux modèles de bijoux avec incrustations de pierres naturelles sont associées à l'organisation à l'usine en 1963 d'un groupe créatif spécialisé, qui comprenait des artistes, des créateurs de mode, des technologues, des graveurs, des outilleurs, des normalisateurs.
Avec l'émergence de ce groupe, l'assortiment de produits de masse en or et en argent avec des pierres semi-précieuses et semi-précieuses est mis à jour, des produits avec des diamants sont développés et maîtrisés, les caractéristiques stylistiques de l'art de la joaillerie de l'Oural et sa direction sont en train de se former.
La nouvelle tectonique des objets, les nouvelles formes et les nouveaux matériaux ont exigé une technologie plus avancée. Et le début des années 70 fut une période de grande innovation technique.
En peu de temps, des bâtiments d'usine supplémentaires sont en cours de construction. Un atelier de coulée centrifuge de précision a été mis en service, le recuit sans oxydation, le soudage par points et le brasage des produits dans le four à convoyeur Solo, le lavage par ultrasons, l'anodisation des pièces moulées en or, le chromage et le rhodiage des produits, l'électro-estampage ont été lancés. Site de fabrication d'émaux et de leur application sur des produits, un laboratoire de culture de cristaux d'émeraude apparaît. Une base technique puissante a renforcé la position de l'art, contribué à son développement rapide, à ses réalisations.
Maintenant, on peut parler de l'art de la joaillerie de l'Oural non seulement sur le ton impartial des annales, qui enregistrent avec précision les faits et les événements. Il est également intéressant de le présenter dans l'analyse des grandes tendances du développement artistique, dans leur croisement et leur imbrication. Depuis les années soixante, l'activité créative des artistes s'est diversifiée. Déjà pas un ou deux, comme à l'époque de la formation, mais tout un groupe de maîtres composait l'équipe qui assumait toutes les épreuves des premières recherches et découvertes.
La transition des anciennes formes de produits aux nouvelles formes modernes a commencé par le développement et la compréhension de l'expressivité décorative et figurative du matériau lui-même. Ils ont essayé la pierre et le métal, étudié la technologie, révélé leurs penchants pour l'une ou l'autre méthode de traitement.
Et plus les recherches étaient persistantes, plus on s'intéressait vivement aux traditions de l'art des siècles passés.
C'est au cours de ces années que de nombreux artistes se sont tournés vers l'histoire de l'art appliqué dans l'Oural, vers les traditions de l'art populaire. Les témoignages de ceux qui ont conjuré sur une fonte de fer, sur de l'acier bleui, sur une souche de tilleul chaude, sur une veine de malachite, sur un bord semi-précieux ont pris vie. Le secret des artisans folkloriques dans la manipulation du matériau a été redécouvert. Après tout, ils n'utilisaient pas seulement, disons, du bois, du métal, de la pierre, mais ils avaient leur propre idée de la poésie de chacun d'eux. Et la forme créée par l'artiste correspondait à cette idée. Le produit est né selon les lois de la beauté du matériau, la confiance du maître l'a habité que tout matériau doit pouvoir "parler" de lui-même. Un humour unique, une fantaisie incroyable ont déterminé avec quoi les artistes communiquaient le plus souvent, se tournant vers les traditions folkloriques.
Le concept original de façonner les bijoux a été formé à partir d'une attitude originale de confiance, de style Oural, envers la pierre de couleur. S'il était possible de collecter des produits au cours des 15 à 20 dernières années, des pierres ornementales d'une beauté incroyable se révéleraient à l'œil: jaspes de toutes les couleurs et nuances, malachites à motifs, agates, aussi froides avec du bleu que de fines banquises printanières, chaudes , cornaline ocre, turquoise, pinceaux chatoyants d'améthyste et de calcédoine, lapis-lazuli, jade. Et dans la façon dont certains signes particuliers sont soigneusement préservés - excroissances, rugosités, veines, taches de couleurs vives ou floues - on peut ressentir de la fascination, une franche admiration pour l'unicité de telle ou telle pierre.
L'enthousiasme, la foi désintéressée dans le pouvoir de la gemme ont largement déterminé le style et la méthode créative des bijoutiers de l'Oural. Pour eux, la gemme est devenue un facteur actif et, peut-être, le plus important de mise en forme, elle a suggéré l'idée, la solution du cadre, sa finition décorative.
Bien sûr, au fil du temps et de l'expérience, les pensées sont devenues plus audacieuses, le principe esquissé de créer des choses s'est sensiblement développé, approfondi et enrichi. Après tout, quelle que soit la qualité d'une pierre naturelle, mais ne compter que sur elle signifie sciemment se limiter, s'appauvrir. Oui, et il n'était pas toujours possible d'en trouver un aussi intéressant, il n'était pas toujours possible de lui obéir complètement. Une grande partie est restée "non-dite". C'est pourquoi, au début des années 70, certains des plus, peut-être, sensibles aux exigences de l'art, ont commencé à se tourner de plus en plus vers le métal, à la recherche d'une solution plastique tridimensionnelle pour un bijou. Cela ne signifie pas du tout que l'intérêt pour la gemme s'est estompé ou du moins a diminué. C'est juste que la relation entre la pierre et le métal (donc, les inserts et les cadres) est devenue plus égale, plus diversifiée. On ne voit pas une pierre dans un produit, mais le produit lui-même dans son ensemble, dont la beauté est appréhendée à travers la plasticité, à travers les rythmes, les proportions, les constructions spatiales organisées en métal, à travers les combinaisons de couleurs et de textures.
L'attitude des bijoutiers de l'Oural envers les traditions est dépourvue de franchise. L'iconographie existante des choses, les solutions de composition ne sont pas empruntées, mais des liens créatifs profonds et fondamentaux sont trouvés. Ainsi, l'art russe ancien - architecture, peinture, joaillerie - attire les artistes de l'Oural par sa pureté de style et son caractère national prononcé. De plus, le laconisme et la richesse émotionnelle des formes, la force monolithique de l'ensemble et la remarquable expressivité des détails de cet art sont en phase avec les aspirations esthétiques modernes. C'est ainsi que se forment progressivement le style et l'écriture des artistes de l'Oural. Leurs œuvres se distinguent par la simplicité classique et la clarté de la forme, étroitement liées à la destination directe de l'objet, l'émotivité figurative, l'harmonie des couleurs, la richesse des ornements et, enfin, la qualité de l'artisanat. Bien sûr, ces signes n'apparaissent pas ouvertement dans les œuvres. Ils varient en fonction des inclinations individuelles de l'auteur, parfois ils deviennent presque discrets, mais l'influence de «l'école» est toujours capturée, même dans la solution la plus moderne à la chose.
L'éventail des traditions sélectionnées s'élargit chaque année. Dans les œuvres de ces dernières années, des réminiscences de décorations baroques et Art nouveau sont perceptibles. L'intérêt pour les traditions déjà établies de l'art de la joaillerie soviétique devient de plus en plus aigu, le contact avec les principaux artistes de Moscou, de Saint-Pétersbourg et des États baltes devient de plus en plus étroit.
Les Ouraliens visitent souvent la datcha créative de Palanga, travaillent main dans la main avec des bijoutiers de Géorgie, d'Arménie, d'Ukraine, de Biélorussie, ce qui enrichit considérablement leur langage figuratif et plastique, diversifie les techniques décoratives.
Dès le début, les artistes de l'Oural ont travaillé avec succès sur la création d'œuvres uniques, et directement pour l'industrie de la joaillerie. Cela a conduit à l'émergence de deux courants principaux - industriel et exposition. En termes de tâches et de moyens formels d'expression, ils diffèrent les uns des autres par un certain nombre de spécificités.
Industriel - assure la création de produits agréables à porter, de forme holistique et esthétiquement parfaits qui répondent à des exigences industrielles et techniques élevées. Il combine beaucoup de bijoux, qui diffèrent par le matériau (or, argent), par l'assortiment (boucles d'oreilles, broches, pendentifs, etc.), par le nombre de circulations.
Arrêtons-nous tout d'abord sur les objets en or, qui occupent une place importante dans la production des usines. Ils sont produits en grandes et petites séries.
La fabricabilité des produits à grande échelle est l'un des critères d'évaluation de la qualité non seulement d'un point de vue économique, mais aussi d'un point de vue artistique. Par conséquent, lors de la création d'échantillons pour la réplication de masse, il est nécessaire de prendre en compte les capacités techniques de l'entreprise, la rentabilité économique des produits, le niveau professionnel des maîtres interprètes et les demandes des consommateurs. Il faut tenir compte du fait que la forme d'objet de la joaillerie de masse est en quelque sorte déjà fixée par une pierre de taille standard, des détails standardisés et unifiés (bague, pattes de médaillon, fermoirs de boucle d'oreille, etc.).
Mais le travail des joailliers de l'Oural s'est toujours distingué par un véritable intérêt pour la production en usine, une volonté de faire de la technologie une partie intégrante de «l'esthétique» d'une chose. En conséquence, des produits sont apparus, tracés, pensés, parlant eux-mêmes de la méthode de leur naissance - la réplication mécanique.
L'assortiment massif d'articles en or se compose principalement de bagues, boucles d'oreilles, pendentifs, boutons de manchette, conçus pour des occasions spéciales : bijoux de jour élégants, petits bijoux de soirée et ensembles formels.
L'image est créée au moyen d'une composition sur un plan par une combinaison de surfaces texturées et polies, une silhouette claire et le rythme des lignes. Les bijoux ont une forme simple, des pots-de-vin avec leur exhaustivité.
La « moyenne » des formes d'un objet typique est surmontée par la variété de la décoration, la richesse des couleurs de la pierre, son son brillant sur fond d'or jaune. Les choses en or avec revêtement en émail attirent avec un contraste franc et juteux.
Au milieu des années 70, des bijoux en or sans inserts ont été créés et maîtrisés en production. L'expressivité décorative de ces produits repose sur des effets métalliques purement texturés. La surface miroir du polissage et le relâchement de la coulée créent un jeu unique. La forme est strictement géométrique (cercle, rectangle, losange). L'ornement, s'il est utilisé, est particulièrement finement dessiné et moderne dans sa technique.
